sábado, 31 de diciembre de 2011

Another Earth


Ciéntificos descubren otro planeta igual a la Tierra, orbitando en las cercanías, el cual es denominado Tierra 2. Una joven, al enterarse del descubrimiento mientras conduce por la ciudad, queda estupefacta contemplando el nuevo astro, hasta que su descuido produce un trágico accidente. Años más tarde, intenta resarcir su error, sin reparar en las consecuencias de su esfuerzo, al mismo tiempo que intenta ganar un boleto para la primera expedición tripulada a Tierra 2, buscando una segunda oportunidad.
Del 2011, esta película es un drama que introduce elementos de ciencia ficción pero de un modo muy ligero. El tema del nuevo planeta es tan solo un complemento dentro de la historia y no el meollo del asunto, por lo que no debe verse Another Earth esperando una trama llena de fantasía.
Con buenas actuaciones, una fotografía que exhibe majestuosamente las tomas de la otra Tierra y filmada de manera simple (usando mucha cámara en mano y acercamientos manuales), Another Earth es un trabajo bien hecho con un final atractivo que dejará satisfechos a los que gustan de los dramas.

What would we say to ourselves? What would we learn from ourselves? What would we really like to see if we could stand outside ourselves and look at us?

Black moon


Olvidada durante mucho tiempo debido a su incoherente fórmula, Black moon de 1975 es un filme de culto que en los últimos años ha recobrado fama debido a que The criterion collection (una serie de ediciones que restaura filmes antiguos y clásicos con una buena calidad) la ha relanzado al mercado.
Es casi imposible unir los puntos de la historia porque el filme se compone de varios segmentos plagados de surrealismo y simbolismo. La más clara alusión está al inicio, cuando la protagonista se encuentra con una batalla entre hombres y mujeres, representando la batalla de los géneros que era tan activa durante esas épocas; otras referencias son las de Alicia en el país de las maravillas por ejemplo.
El trama gira en torno a Lilly, una joven que mientras conduce por una carretera se topa con una cruel confrontación, de la cual se ve forzada a huir utilizando el bosque, hasta dar con una casa aparentemente abandonada, donde encontrará una serie de eventos que desafiarán su concepto de realidad, tales como: un unicornio, una señora que habla un lenguaje extraño y con una rata, niños que persiguen un cerdo y desaparecen, entre varios más.
La falta de coherencia entre las escenas y los pocos diálogos que componen el metraje es lo que hace a Black moon un filme no muy fácil de seguir. Con esporádica música de Tristán e Isolde de Wagner, este filme es recomendado solamente para los amantes del surrealismo o los que gustan de las películas raras

domingo, 25 de diciembre de 2011

The haunting of Amelia


Llamada también The other side of the tracks, este filme del 2008 retrata la vida de Josh, un joven agobiado por un accidente de diez años atrás que se niega a superar la profunda marca que este suceso ha dejado en su alma. La gente trata de convencerlo de que debe seguir adelante, pero su actitud indiferente y falta de iniciativa lo mantiene estancado, hasta que conoce a Amelia, una muchacha físicamente igual a la persona que perdió en su trágico pasado.
Este largometraje cae en lo que muchos encasillan como "películas donde nada pasa". La historia es muy lenta y contiene mucha plática sin aparente sentido, que en realidad son descripciones de lo que compone el final. Las actuaciones son mediocres, en varias partes se puede apreciar falta de química entre los actores. La banda sonora esta compuesta de canciones juveniles, lo que le da un toque de serie de televisión al estilo Beverly Hills 90210 y le resta el aire de misterio que ciertas partes pueden producir.
Si les gustan las películas crípticas, en las cuales se van dando pistas de lo que realmente ocurre, The other side of the tracks les proporcionará un rato para pensar; aunque si se encuentran acostumbrados a este tipo de filmes, también les podrá resultar fácil descifrar que está sucediendo en realidad. Lo que sí, es que el final ata todos los cabos que hubieron durante el metraje, dejando una conclusión apropiada pero un poco insípida.
Con la actuación de Tania Raymonde (mejor conocida como Alex Rousseau en Lost), The haunting of Amelia no es un largometraje para todos, hay que tener paciencia con su desarrollo y las faltas que posee debido a su bajo presupuesto.

sábado, 24 de diciembre de 2011

Sint


Del 2010, Sint se basa en la historia de Sinterklaas, cuya versión americana es Santa Claus. A diferencia del bondadoso gordo bonachón que se ha vuelto el símbolo de las navidades en occidente, aquí San Nicolás es mostrado como un obispo que fue despiadado en vida, y que regresa de la muerte para masacrar decenas de personas cada que hay luna llena durante el 5 de diciembre.
La narración gira en torno a un policía que tuvo la desgracia de vivir en carne propia el sadismo de Sinterklaas, a lo largo de su vida, nunca alguien ha creído su versión de los hechos, razón por la que es tildado de loco; ahora que llega la esperada fecha, busca retribución intentando detener al obispo y sus súbditos como dé lugar.
Si bien el tema es llamativo y ofrece un panorama diferente de la leyenda que todos conocen (como el famoso descenso por las chimeneas), la ejecución no lo es tanto. Sint es un filme B en toda la extensión de la palabra, donde todos esperarían que por la sinopsis, San Nicolás fuera la estrella irrefutable, pero "desafortunadamente" la mayor parte del crédito se lo llevan los protagonistas humanos, pues recibe más atención su historia que la del demoniaco asesino. Esto provoca que el villano sea nomás un complemento dentro de la trama que ocasionalmente sale para hacer de las suyas.
A pesar de lo anterior, el filme es entretenido, aunque por ratos la edición de la historia hace que se sienta un poco apresurada, llegando hasta un final que pudo haber dado para más. Mezcla de terror y humor negro, Sint es otra de esas películas para no tomarse en serio y pasar el rato; éste es un filme holandés que causó controversia al salir (debido a la publicidad, muchos padres se quejaron de que esto podría ocasionar ideas extrañas en los niños sobre Santa Claus) y que por ciertas pistas proporcionadas, quizás cuente con una segunda parte.


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miércoles, 21 de diciembre de 2011

Guilty of romance

Dirigida por el aclamado Sion Sono, Guilty of romance (el título original es Koi no tsumi) cuenta con la participación de Megumi Kagurazaka, una de las co protagonistas del anterior trabajo del director, Cold fish.
Izumi es la esposa de un famoso escritor y su vida está confinada a ser una fiel ama de casa, hasta que un día decide empezar a trabajar en un supermercado, donde será contactada para fungir como modelo; este hallazgo despertará en ella una actitud que accionará una racha de acontecimientos llenos de corrupción e hipocresía. Al mismo tiempo, una detective anda detrás de las pistas de un cruel asesinato, su pista consiste en un par de maniquís formados con algunas partes humanas.

A pesar que la idea principal de Guilty of romance es similar a Cold fish (un ser humano pasivo e inocente que descubre su lado oscuro al adentrarse a un nuevo mundo), el desarrollo es diferente, pues en vez de pasar gran parte del metraje construyendo lentamente el clímax, se dedica a mostrar más sobre cada uno de los personajes envueltos en la trama, ofreciendo un panorama más extenso de lo que sucede en el universo creado.
La banda sonora es grandiosa, recurriendo a música clásica y otros métodos para ambientar (como una parte donde levemente se puede escuchar una percusión grave una y otra vez, añadiendo un magnífico efecto a las escenas). Dirección, edición, fotografía (la gama de colores es interminable), y desarrollo de la trama también se encuentran orquestados adecuadamente y con el particular estilo que tanto caracteriza a Sion Sono. Las actuaciones son uno de los puntos más fuertes, cada actor (en especial las dos protagonistas) se luce en su papel y lo interpreta a la perfección.
Tal vez Guilty of romance no posea un clímax tan magnánimo y largo como el de Cold fish (media hora), pero eso no resta fuerza a su conclusión, un colofón propio y bien ejecutado que acaba como es debido y deja un buen sabor de boca. Basada en hechos reales, éste es un drama fuerte, recomendado para los amantes de las películas con múltiples capas narrativas.

Idiots and angels


Escrita y dirigida por Bill Plympton, Idiots and angels es una producción animada del 2008 llena de locura y ridiculeces que para unos parecera algo único y para otros lucirá como un cúmulo de eventos arrojados al azar para terminar una historia.
Es difícil dar una sinopsis concreta que describa apropiadamente un trabajo como éste, que transita por humor negro, surrealismo y drama, pero en términos generales, sería algo así: un patán del mundo laboral que hace lo que le place sin importarle los demás repentinamente nota en su espalda el nacimiento de unas protuberancias, que se convertirán en su peor pesadilla y su mayor virtud, alas de ángel.
El filme contiene una estructura que raya en lo insensato, a tal grado que no es fácil seguirle el paso, como en los últimos 20 minutos, donde se puede notar un aumento drástico en lo bizarro. El estilo de dibujo es similar al que se encuentra en las tiras de los periódicos, exagerando ciertos aspectos tales como el humo de un cigarro o las expresiones faciales de los personajes. El largometraje entero carece de diálogos, pero la música y los ruidos que los personajes realizan, junto con las imágenes, suplen esta falta de palabras e incluso las hacen innecesarias para expresar todo lo ocurrido.
Con una analogía (entre muchas otras) muy marcada sobre la eterna batalla interna del ser humano entre el bien y el mal, este filme es recomendado para los amantes del surrealismo y un estilo de animación diferente al que normalmente se aprecia en los cines.

lunes, 19 de diciembre de 2011

Aegri somnia


Del 2008, Aegri somnia es un filme de bajo presupuesto cuya historia gira alrededor de Édgar, un introvertido esposo que tras el suicidio de su mujer comienza a tener extrañas pesadillas sobre unos horrendos seres, a esto se aúna las compañias que tiene, que pareciera que lo único que quieren es que Édgar también tome el camino de su difunta esposa.
El factor que demerita a la película no es cómo luce debido a su falta de presupuesto, sino las actuaciones, que en varias ocasiones se ven un poco forzadas, se puede ver que intentaron replicar la técnica de David Lynch, de usar diálogos cortados, pronunciados por los actores como si fueran autómatas, sin embargo, esto requiere mucha capacidad y es un método que se tambalea entre lo misterioso y lo mal actuado; aquí es empleado en exceso y de mala forma, por lo que no suele transmitir el efecto deseado.
La música es una buena mezcolanza de ruidos con armonías, que se engancha adecuadamente a las tomas y la historia. La dirección es simple, pero introduce segmentos que evidencian una de las influencias de la película, la saga de juegos Silent Hill (niebla, una persona atormentada por un acto del pasado, el aspecto de los seres del otro mundo, el modo en que se desenvuelve la historia).
Desafortunadamente, Aegri somnia se vuelve algo predecible conforme avanza, pero esto no quita crédito a las escenas de terror que exhiben, que tienen mejor forma que muchas películas de esta época. Un complemento que es interesante, es que la mayor parte del filme es en blanco y negro, y reservan las escenas a color para los "momentos clave"; igual, ciertas escenas tienen una apariencia esférica, proporcionando una vista muy particular.
Mermada por detalles de dinero y falta de publicidad, Aegri somnia contiene algunas ideas que gustarán a los amantes del terror sicológico, un filme no muy conocido al que no estaría de más darle una mirada.

jueves, 8 de diciembre de 2011

Rubber's lover


Con un toque muy similar a los filmes de Shinya Tsukamoto (conocido por algunos por Tetsuo, A snake of June, Gemini), Rubber's lover relata las consecuencias que un grupo de científicos sufre cuando, ante la desesperación de que su departamento será cancelado, recurren a cualquier situación con tal de alcanzar el éxito en su meta: otorgar poderes síquicos a la gente con base a una fórmula especial.
El surrealismo que matiza las escenas, combinado con la fotografía estilo noir en blanco y negro, crean una atmósfera única y repleta de misticismo. La alineación de personajes es de lo muy diversa, yendo desde gente "normal" hasta maniáticos sin escrúpulos, y es esta base la que sazona la historia del modo indicado.
La forma en que la narrativa se desenvuelve es rara, ya que no se apega a los patrones convencionales, y habrán ciertos aspectos que desesperarán a algunos, como el exceso de gritos o la clásica falta de explicación ante ciertos eventos.
Rubber's lover es una película poco conocida pero contiene una propuesta muy original, es uno de esos trabajos de bajo presupuesto que no corren con la suerte de adquirir fama debido a factores desconocidos. Definitivamente este largometraje es difícil de definir con una simple sinopsis, dada la cantidad importante de componentes que lo constituyen, así como las enigmáticas y oníricas imágenes que se muestran. Muy recomendada si disfrutan de los largometrajes extraños o surrealistas.

The human centipede II (Full sequence)


Mucha gente tal vez vea esta secuela por morbo, en espera de saber a qué hace referencia el "full sequence" que acompaña el título, el llevar el experimento a más de tres personas.
De las pocas cosas rescatables de la parte uno estaban el concepto y el villano, mientras que lo demás había dejado que desear. En esta ocasión, se presenta un ser más retorcido (aunque sea difícil de creer). Martín es un vigilante de estacionamiento cuya película favorita es The human centipede (First sequence), y la repite una y otra vez, analizando cada detalle de ella; esta obsesión, aunada con su baja autoestima, un turbio pasado y sus condiciones actuales de vida, lo impulsan a querer realizar el controversial experimento de su filme preferido, a pesar de no contar con experiencia médica alguna.
En esta ocasión, la narrativa se esfuerza en ofrecer un trasfondo más descriptivo sobre el personaje, los motivos que lo orillan a perder la cordura, guardando lo más gore para la última parte. Desgraciadamente, Martín es el único con un desarrollo a lo largo del metraje, el resto de los personajes están simplemente como carne de cañón.
Empero, no todo es mejora. La edición hace cambios que dejan espacios que a pesar de que pueden ser interpretados con facilidad y sin problemas, no mantienen consistencia con el énfasis que se hace al final para detallar cada uno de los suplicios de las víctimas. La historia también presenta ciertos fallos de lógica, situaciones que solamente se presentarían en un mundo feliz y a favor del criminal. Otro punto es que ciertas escenas parece que fueron introducidas con el mero propósito de causar disgusto y sin incorporarse apropiadamente a la historia.
Con una fotografía decente y hecha en blanco y negro (para "minimizar" el impacto visual), este filme presenta adelantos en relación al anterior, pero los detalles ya mencionados lo apartan de ser reconocido por mucha gente, no obstante, si lo que estan buscando es un largometraje con imágenes muy fuertes, éste satisfacerá su curiosidad.

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martes, 29 de noviembre de 2011

Fantastic planet

Conocido también como La planète sauvage y basado en la novela Oms en série de Stefan Wul, este filme de culto de 1973, dirigido por el genio René Laloux, es considerado uno de los trabajos de animación más influyentes que existen y esto no es tan sólo por la historia, sino también por la técnica empleada para la animación.
 La trama se desarrolla en un planeta donde los humanos no son el grupo dominante, y por el contrario son las mascotas de una raza superior que controla el planeta y considera al hombre una peste. Terr, uno de los humanos domesticados, consigue escapar de su jaula de oro para encontrarse con otros de su misma especie, con quienes conocerá una forma más primitiva de vida donde debe luchar para sobrevivir.
Los personajes y "animales" son de lo más variado que se puede imaginar, así como las costumbres y condiciones bajo las cuales se habita el planeta, lo que consigue crear un extraordinario mundo repleto de creatividad y colores. El factor de utilizar al hombre como raza dominada, da lugar a una cantidad interminable de analogías que se puede notar desde los primeros segundos del metraje, alguna de las cuales se encargan de transmitir cómo el hombre ha perjudicado a sus semejantes y el medio que lo rodea.
Ganadora del festival de Cannes, esta película es un manjar para los que adoran la ciencia ficción y el surrealimo, la música, la dirección, la animación y la historia la hacen digna merecedora del lugar que se ha ganado en la historia.

I decided to run away

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The man who laughs


Basada en una novela de Víctor Hugo y filmada en 1928, esta película muda es considerada por muchos la obra que definitivamente inspiró a Bob Kane y compañía para crear la antítesis de Batman, The Joker.
La historia gira en torno a Gwynplaine, un joven que desde pequeño recibió una cirugía por parte de contrabandistas de menores (robachicos), la cual consistió en deformar su rostro para que siempre tuviera marcada una sonrisa en él; esta intervención lo convertirá en una atracción ambulante conocida simplemente como "el hombre que ríe", lo que también le provocará un serio complejo de autoestima y lo llevará a descubrir un pasado que perjudicará su otrora pacífica existencia.
Las actuaciones son bastante buenas y la música que se escucha en el largometraje igual, llevando un buen acompañamiento durante el relato de la historia, que contiene una diversa gama de personajes. La fotografía también está a la altura de su época, manejando una adecuada escala de grises y escenarios montados a la perfección.
Con una duración de de hora y cincuenta minutos, The man who laughs es considerada erróneamente por unos como terror, y esto es más que nada por el rostro tétrico del melancólico y noble Gwynplaine, pero en realidad, este largometraje es un poderoso drama cuya influencia ha trascendido más allá del celuloide.

God closed my eyes so I could see only the real Gwynplaine

TRAILER NO OFICIAL (CONTIENE SPOILERS)

miércoles, 16 de noviembre de 2011

Sepent's path - Eyes of the spider

¿Es posible que un director filme dos películas en tan solamente quince días y ambas estén bien realizadas? Kiyoshi Kurosawa hizo esto en 1998, usando un presupuesto muy bajo y un reparto de actores prácticamente igual. Las historias comienzan con la misma premisa, un padre buscando venganza por la muerte de su hija, pero después de esto, cada trabajo toma un rumbo diferente.
Serpent's path (Hebi no Michi), relata cómo Nijima (interpretado por Shô Aikawa, quien también es el protagonista principal de Eyes of the spider), un maestro de matemáticas avanzadas, ayuda a un inseguro ex-yakuza a llevar a cabo su venganza contra los asesinos de su hija, capturando a todos los involucrados, buscando un modo de desenmascarar al verdadero culpable... No obstante, el porqué Nijima ayuda con tanto interés a su cómplice permanece como un enigma hasta el final, ¿por qué arriesgar tanto en ayudar a un extraño?.
Eyes of the spider (Kumo no hitomi) relata las consecuencias que Naomi Nijima (a pesar de ser interpretado por el mismo actor, el personaje es completamente parte de otra historia) enfrenta después de vengar la muerte de su hija, aliándose con un grupo de asesinos y volviéndose un recurso valuable para un grupo yakuza. Con un cambio drástico en su vida, que afecta hasta la relación con su esposa, Nijima deberá adaptarse a este nuevo estilo y hacer lo posible por sobrevivir en ese mundo de traiciones.
A pesar que los factores hacen pensar que ambas películas son una copia, no es así. Serpent's path lleva un camino más serio y minimalista, además de presentar una historial con un desarrollo un poco "más normal". Eyes of the spider por el contrario es un poco "más suelta" y varias escenas parecen estar más orientadas sarcasmo, burlándose del mundo de la mafia, aparte de que la edición de este filme narra los acontecimientos de modo entrecortado, lo que puede dificultar mantener el paso para algunos.
Cada una en su propio estilo, estos dos filmes contienen la característica cinematografía de Kurosawa, tomas con planos extensos, ángulos creativos, una distribución excelente de objetos en encuadre y una fotografía simple pero efectiva. Ambos son una muestra de la capacidad del director de Kairo y Cure.
Recomendadas si disfrutan del cine alternativo y las películas de arte.

lunes, 31 de octubre de 2011

Bronson


Basada ligeramente en la vida del prisionero más violento de Gran Bretaña, Michael Gordon Peterson (actualmente se llama Charles Ali Ahmed), Bronson es un filme del 2008 protagonizado por Tom Hardy (Inception, aunque algunos lo identificarán igual como el que encarnará a Bane en The dark knight returns).
La historia relata cómo Michael recurre a la violencia continuamente durante toda su vida como si fuera "lo más normal", liándose a golpes con todo mundo (guardias de cárcel, prisioneros, civiles) sin arrepentimiento alguno. Envuelto por su particular estado mental, Michael adopta el sobrenombre de Charles Bronson y se convierte en una persona temida, sin un lugar fijo para habitar.
Bronson es un deleite visual que armoniza adecuadamente con la música y la edición. La variedad de estilo en la dirección proporciona un auténtico despliegue cinematográfico que pocas películas se aventuran a exponer, dado que es un arma de dos filos que puede resaltar un trabajo, o plasmarlo de prepotente; afortundamente, Bronson cae en el primer grupo.
A pesar de todo lo bueno mencionado, hay que comentar que el largometraje no será fácil de seguir para ciertas personas, puesto que el modo en que es relatado deja de lado la narrativa convencional. Recomendada si gustan del cine de arte o las películas con un toque único que las distinga de las demás.

I am Charlie Bronson, I am Britain's most violent prisoner

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Karate girl

Del 2011 y protagonizada por Rina Takeda, Karate girl lidia con la historia de dos hermanas separadas desde su infancia, partiendo por destinos opuestos y marcadas para ser enemigas.
A pesar de mostrar a Takeda como protagonista principal, el largometraje repite la misma jugada que en High kick girl, donde la actriz compartió la estelaridad con Tatsuya Naka (que tiene unas apariciones en esta película) a pesar de estar anunciada como la única al frente en los posters.
La historia de Karate girl es floja y su atractivo radica en las constantes escenas de pelea, coreografiadas con verdaderos artistas marciales. Fuera de eso, el desarrollo carece de un clímax que despierte emoción.
Takeda pinta para ser una artista de filmes de artes marciales pero necesita mejores producciones para lucir sus habilidades y cobrar más relevancia en la industria de su país, así como también tomar el reto de ser la única protagonista de un largometraje. Recomendada si desean ver un filme sobre karate (en especial si no están muy interesados en la historia y sólo en las peleas) o si les gustó High kick girl.

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domingo, 30 de octubre de 2011

Bubba Ho-Tep


Hecha en el 2002 por Don Coscarelli, creador de la saga de terror Phantasm, Bubba Ho-Tep cuenta con al participación de un ícono del género, Bruce Campbells, mejor conocido por algunos como Ash en la saga de Evil dead. La película relata cómo un viejo Elvis Presley conoce al presidente John F. Kennedy en un asilo para personas de la tercera edad; ambos, acabados por la edad y sus ignoradas justificaciones sobre cómo es que siguen con vida, deben reunirse para investigar y confrontar una antigua amenaza que pone en peligro las almas de sus compañeros.
Coscarelli no es alguien que haga filmes a menudo, y es una lástima, pues su extraordinario manejo de fotografía oscura, un sello particular en sus obras, se exhibe en Bubba Ho-Tep con total naturaleza (en especial durante los últimos minutos). La historia se encuentra basada en una historia corta de Joe R. Landale, con el guión hecho por el mismo Coscarelli.
La sinopsis da la apariencia de ser Cine B, y lo es, en toda la extensión de la palabra. Campbells hace un gran trabajo en su papel de Elvis, y proporciona la actuación necesaria para propiciar risas en el espectador con las ocurrencias del personaje.
Combinación de terror con comedia negra, Bubba Ho-Tep es un filme recomendado si disfrutan de las películas que no son para ser tomadas en serio y cuyo único propósito es hacer pasar un rato agradable con sus ocurrencias (con una buena dirección como ingrediente extra).

Even a big bitch cockroach like you should know... never, but never, fuck with the King

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jueves, 20 de octubre de 2011

Sleeping beauty


Primera película dirigida por la novel Julia Leigh, Sleeping beauty es un relato que describe cómo Lucy, una estudiante con varios trabajos de medio tiempo, acude a una entrevista para un nuevo trabajo, donde eventualmente le es revelado que tendrá que ser sedada y abandonada indefensa ante los deseos de los clientes, pero con la seguridad de que no habrá coito alguno.
A destacar aquí la actuación de Emily Browning (Sucker punch), quien hace un estupendo trabajo como la protagonista de la historia. Al ver a Lucy, muchos pensarán que carece de personalidad y que su frialdad le quita algo de sentimiento a la trama, lo cual es cierto, pero hay que tomar en cuenta que éste es el personaje y que la actriz realmente hizo un gran trabajo para transmitir esa sensación de vacío, una vida frívola y sin identidad.
Sí, la narrativa no es sencilla de seguir, la edición corta de un punto a otro en la vida de Lucy, yendo de sus trabajos, a su escuela, su vida personal, etcétera, provocando una especie de desconexión entre las tomas. Esta técnica obliga al espectador a sacar varias conclusiones con respecto a lo presentado y dificulta el seguimiento para los que no están acostumbrados.
El desarrollo es lento, la música casi inexistente, pero lo que resalta es la dirección y la fotografía, que se encuentran coreografeadas de manera excelsa y provee una muestra de la capacidad que Leigh tiene como directora, al presentar ángulos suaves, sencillos, pero ciertamente llamativos.
La película es bastante alternativa e indudablemente hay que tener carácter para verla con detenimiento hasta el final. La polémica que ha levantado es debido a las escenas de tipo sexual, donde se exhibe el trato de la mujer como un objeto para satisfacer los deseos del hombre.
Sleeping beauty no es la historia que la mayoría conoce de Disney, es una versión completamente diferente y más adulta. Recomendada solamente si disfrutan de las películas de arte.

domingo, 16 de octubre de 2011

Melancholia

Mucha expectativa ha levantado este filme, y en parte es debido a las declaraciones que su director y escritor Lars Von Trier hizo en el festival de Cannes. Otro motivo de controversia es el modo en que se encuentra estructurado el filme; Melancholia es una gigantesca metáfora acerca de la depresión, con toques de ciencia ficción, lo que provoca dos grupos: aquéllos que buscan un relato convencional y dinámico que terminan argumentando que el largometraje es aburrido, y aquéllos con paciencia que buscan algo más profundo, quienes desean tomarse la molestia de entender el concepto de lo descrito. Y es que ése es el principal motivo de división al ver Melancholia, hay que saber lo que se va a visualizar por más de dos horas, no simplemente desesperarse por la algarabía que ha levantado y verlo para cerciorarse de los motivos que tanta discusión han armado; caer en este grupo los hará pensar que ésta película es una pérdida de tiempo.
Los primeros siete minutos se encuentran orquestados por el Preludio de Tristan und Isolde, compuesta por Richard Wagner (mejor conocidos por algunos como el creador de La cabalgata de las Valquirias). La música, en acompañamiento de las extraordinarias imágenes, construyen uno de las mejores introducciones que se han hecho en la industria cinematógrafica. Esta secuencia parecerá no tener sentido, pero conforme la historia se vaya desarrollando, cada una de las partes que edifican la entrada, tomarán un significado evidente.
La narración se divide en dos secciones, Justine (Kirsten Dunst, que ofrece la mejor actuación de su carrera) y su hermana Claire (Charlotte Gainsbourg, conocida por trabajos como The cement garden, y que ha trabajado previamente con Von Trier en Antichrist). La primera parte trata sobre la boda de Justine y todo lo relacionado con ella; esta primera hora es pesada y aparenta no tener nada que ver con la introducción del filme (más aún si se espera ver tan pronto el factor ciencia ficción que tanto se menciona sobre esta película), no obstante, la importancia de la historia y las acciones de Justine radican en el plano psicológico y en todo lo que sucede en la segunda parte. La última hora se centra en Claire, quien acoge a una enferma Justine en su casa para ayudarla a recuperarse; durante la estadía, la relación de las hermanas será clave para enfrentar una potencial amenaza para la Tierra, un enorme planeta llamado Melancholia que amenaza con destruir todo.
Lo interesante de esta película no es tan solo la cantidad de analogías e interpretaciones que se pueden aplicar entre la primera y la segunda parte, sino también la impresionante fotografía que Von Trier despliega durante todo el metraje, así como su ya acostumbrada técnica de filmación, en la cual se prescinde casi por completo del uso de tripodes.
Un filme al que hay que tenerle mucha paciencia y que no todos disfrutarán al mismo nivel. Con un impactante final, Melancholia (cuya trama basó el director en una depresión que experimentó) es una obra de arte combinada con un poco de ciencia ficción que dará mucho de qué discutir debido a su desarrollo.

I know things

Hesher


Pocos hubieran imaginado el rumbo que la carrera de Joseph Gordon-Levitt tomaría después de La tercera roca del sol. Y es que son contados los actores de comedias televisivas que en Estados Unidos dan el salto a la pantalla grande. Joseph, llevando una selección de papeles muy variados que han demostrado sus dotes artísticas, gradualmente está tomando el lugar que merece. Inception se encargó de recordarle a mucha gente quién era y en Hesher, comprueba su capacidad para interpretar diversos papeles.
Este largometraje es un drama combinado con humor ácido y negro. La historia trata sobre TJ, un adolescente con una vida difícil que en una de sus andadas conoce a un vago despreocupado, un completo vividor sin miedo a las autoridades: Hesher; una serie de eventos propiciará que este problemático rockero entre en su casa, simplemente para complicar más su existencia, pero también para enseñarle una importante lección.
El filme también cuenta con la actuación de Natalie Portman (Black swam) y Rainn Wilson (Super), que aunque tienen interpretaciones que quedan en segundo plano si se compara con la interacción TJ-Hesher, influyen bastante en el desarrollo.
La forma en que el drama y la comedia se mezclan no es del todo convencional (lo que tal vez espante a algunos), pero es algo bastante refrescante que muchos disfrutarán. En ocasiones, las escenas harán cuestionar si las acciones en pantalla son para tomarse en serio, o a la ligera. Con Natalie Portman como parte del equipo de producción, éste es un filme muy recomendado, de esos que no se hacen muy a menudo y que ofrecen un buen producto.

HESHER WAS HERE

domingo, 9 de octubre de 2011

White: The Melody of the Curse

Filme coreano del 2011, White: The Melody of the Curse (título original es Hwa-i-teu: Jeo-woo-eui Mel-lo-di) trata sobre un grupo de pop con problemas de audiencia llamado Pink dolls, quienes al borde de la desintegración, son trasladadas a un viejo estudio que oculta un cruel pasado y una vieja cinta con un video que dará una nueva oportunidad al grupo, pero a un costo elevado.
La atmósfera de la película se encuentra bien armada, muchas tomas y momentos importantes son orquestados por juegos de luces y audio que encajan adecuadamente con el ambiente musical donde todo se desarrolla. Es cierto que ésta es una historia de fantasmas, donde el tema final es el mismo de siempre: ¿por qué algo sobrenatural persigue a los humanos? A pesar de esto, el filme cuenta con un estilo que lo pone más allá de la media de este tipo de películas, mostrando escenas nuevas y una buena historia.
El énfasis hecho en la competencia y el egoísmo de las muchachas por el liderazgo y reconocimiento encima de las demás es lo que añade el ingrediente extra a la narrativa. Las actuaciones por parte de las protagonistas son aceptables, hacen lo suficiente para transmitir el mundo de hipocresía en el que están sumergidas, así como las constantes pruebas a las que deben someterse para soportar la presión de sus responsabilidades.
Con un final bien montado, White es un largometraje de terror recomendado para los amantes de este género.

Fase 7

Largometraje argentino del 2011, Fase 7 exhibe desde un inicio que su presupuesto no es grande, y es que la simplicidad de la música y la dirección de cámaras hacen pensar que éste será un filme B más a la cuenta... pero lo que este trabajo demuestra, es que lo que le falta en presupuesto, lo compensa con su grandiosa historia.
Coco y Pipi compran en un supermercado, mientras un caos se comienza a desarrollar a su alrededor, sin que ellos le presten mucha atención. Cuando llegan a casa, se enteran en las noticias de que una mortal pandemia se extiende a nivel mundial y que en su edificio hay un posible infectado; después de son puestos en cuarentena, un conflicto interno explota entre los habitantes, formando facciones, desesperados por no contraer la enfermedad.
La cantidad de cambios que la historia da es magnífica, manteniendo el entretenimiento constante y sin parar (lo único incrédulo tal vez, es la ignorancia de uno de los personajes ante todo el problema). El ritmo también es bastante bueno y en dueto con las actuaciones, elaboran un mundo que hace que cualquiera olvide que se encuentra viendo una película con bajo presupuesto.
Con humor negro integrado, Fase 7 es una sorpresa agradable y algo fresco dentro del género de películas sobre pandemias, una más de esas producciones de ciencia ficción que demuestra que los efectos especiales muy caros no son algo necesario para elaborar una buena película. Muy recomendada.

domingo, 2 de octubre de 2011

Trilogía Millenium

Filmadas en fila entre el 2009 y 2010, esta famosa trilogía basada en los libros de Stieg Larsson, narra cómo Mikael Blomqvist, el editor de la revista Millenium, y Lisbeth Salander, una inteligente y sagaz investigadora, se unen para completar el misterio detrás del caso de una mujer desaparecida; lo que no saben, es que esto dará lugar a una peculiar y complicada amistad que llevará a Blomqvist a sumergirse en una importante conspiración política, donde tendrá que arriesgar todo por ayudar a Salander para escapar con vida de su turbio pasado.
Está por demás decir que cada película gira en torno a una temática en particular, ofreciendo una vasta cantidad de personajes y temas lo suficiente amplia para mantener el interés en la historia. Espionaje, maltrato a mujeres, chantajes, asesinatos, investigación, juicios, acción, son algunos de los puntos tratados durante los tres largometrajes. La música y la cinematografía hacen un conjunto muy atractivo, que junto con las bien logradas actuaciones (en especial Noomi Rapace en su papel de Lisbeth, una gran interpretación) construyen un resultado que no decepcionará a quienes gusten de este tipo de filmes. Habrán momentos que algunos considerarán lentos, y habrán detalles que otros notarán faltantes, pero a pesar de esto, la trilogía es bastante buena.
Ahora, la pregunta que sacude a muchos después de ver las tres cintas : ¿es realmente necesario que Hollywood haga su versión? Nadie niega que el equipo juntado es de lujo (David Fincher como director, el maestro Trent Reznor con Atticus Ross para el apartado musical, Daniel Craig como Mikael), pero considerando la calidad de los originales y que fueron hechos en un formato general que es aceptado a nivel mundial, pone en duda el propósito de la industria estadounidense.

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The girl with the dragon tatoo


The girl who played with fire


The girl who kicked the hornet's nest

jueves, 22 de septiembre de 2011

Balada triste de trompeta

Del 2010, Balada triste de trompeta es un filme español que muestra el humor negro que ha caracterizado a Alex de la Iglesia desde su primera obra Mirindas asesinas. Y es que el creador de la conocida película El día de la bestia, no escatima en arrojar su estilo en una narrativa plagada de "bromas" inusuales y una trama muy particular.
La historia relata cómo Javier, un payaso triste, llega a un circo para trabajar como la pareja de Sergio, el payaso alegre que es ampliamente aclamado por los niños; la relación entre los dos no es muy apegada, y un coqueteo con la novia de Sergio propiciará que la situación se complique hasta extremos inimaginables y sicóticos. Esta descripción constituye el pilar de la película, aunque el filme cambia drásticamente sus temas y se muda de una historia a otra continuamente, ofreciendo un formato similar al que vive "El pequeño Alex" en la Naranja Mecánica de Stanley Kubrick.
En el aspecto cinematográfico, Balada triste de trompeta resalta bastante. La fotografía gris matiza todo el largometraje y coincide con el retrato de la melancólica vida que el payaso triste lleva; la música, caracterización de los personajes, edición y dirección tampoco desentonan y ofrecen una mezcla que no defraudará a los que busquen un trabajo oscuro y variado. Muy recomendada si disfrutaron de la ya mencionada El día de la bestia, o si buscan humor negro.

Sino fuera payaso sería un asesino


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martes, 6 de septiembre de 2011

Shirome

Dirigida por Kôji Shiraishi (Noroi, Dead girl walking, A slit mouthed woman) y hecha en el 2010, Shirome es un filme que trata sobre un grupo de pop conformado por muchachas entre los 13 y 16 años, que son convencidas de filmar un programa donde ellas tendrán que acudir a un edificio que alberga la leyenda de un dios que concede deseos; si el deseo (el cual consiste en aparecer en un famoso programa de televisión para jóvenes talentos) es pedido de corazón, será otorgado a la persona, pero si no lo es, serán arrastradas al infierno.
La película toma como una fuerte base a Noroi, uno de los filmes que el director mejor ha elaborado y posiblemente uno de los más originales dentro del género de falso documental. Muchas técnicas de Noroi son retomadas aquí al momento de filmar, sólo que dentro de un ambiente diferente. Ignorando las conceptos de cámara repetidos, hay otras cosas que le restan cierta fuerza a la película, como el abuso de jovencitas aterrorizadas gritando y sollozando; es totalmente comprensible que bajo la situación que se encuentran rompan en llanto continuamente, pero la cantidad de tiempo que esto es expuesto en pantalla se llega a volver una exageración.
A pesar de que Shirome no está a la altura de su predecesora, hay que reconocerle que el tema tocado es algo distinto para este tipo de películas y esto mantiene cierto interés. Para aquéllos que vean poco creíble el propósito del programa que las adolescentes filman, sería buena idea que investigaran un poco sobre lo originales y excéntricos (al menos para la gente de occidente que no está acostumbrada) que pueden ser las transmisiones de oriente.
Si disfrutan de las películas de este tipo, ésta les hará pasar un buen rato; quizás no sea la octava maravilla, pero sí es algo completamente diferente si se compara con otras producciones de este estilo y por tanto ofrece una historia nueva. Si les convence, no duden en ver también Noroi, un largometraje del 2005 poco conocido pero con una atmósfera tan particular como la de Shirome.

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domingo, 4 de septiembre de 2011

Don't look back

Con Sophie Marceu (Les femmes de l'ombre) y Monica Bellucci (Irreversible), Don't look back del 2009, cuyo título original es Ne te retourne pas, es un largometraje que relata cómo Jeanne, una mujer casada y con dos hijos que intenta cambiar su trabajo de escritora de biografías por el de novelista, repentinamente comienza a ver que su mundo sufre cambios físicos: su casa, su familia e inclusive ella toman otro aspecto; a punto de desmoronarse y tener un colapso mental, Jeanne buscará comprender el porqué de su estado tan astillado.
La historia es grandiosa y mantiene atento a lo que sucede, pues toda la mutación que el personaje de Marceau-Bellucci vive, retrata cómo gradualmente ella va perdiendo la calma. Los efectos especiales utilizados para los momentos de transiciones físicas en personas están muy bien montados, ya que no se ve falso ni forzado y sí muy natural.
Un factor importante es la justificación de lo sucedido, dado que no provee una explicación sencilla de entender (esto si no se presta atención a ciertos detalles) pero sí una que encaja con lo sucedido y que no cae en lo pretencioso. Hay quienes se quejan de lo anticlimático del final, pero aunque muchos lo critiquen, la opción manejada es la más práctica si se compara con cualquier otro final predecible y convencional que las producciones comerciales emplean a menudo.
Con muy buenas actuaciones, Don't look back es un thriller sicológico complejo que aporta una historia original y deja al espectador recapitulando los hechos aun cuando los créditos han terminado. Muy recomendada.

sábado, 3 de septiembre de 2011

Cowboys & Aliens

Protagonizada por Daniel Craig, Olivia Wilde (Dr. House), Sam Rockwell (Moon) y Harrison Ford, Cowboys & Aliens es un filme basado en un comic del mismo nombre creado por Scott Mitchell Rosenberg y publicado en 2006. Este trabajo está dentro de la larga lista de películas que han recibido malas críticas debido a que muchos no ven lo que esperan; esto es contradictorio e inclusive raya en lo ridículo porque, ¿qué es lo que estas personas esperan ver en el cine de un largometraje cuyo título define desde un principio que no será una trama "para tomarse en serio"?
La sinopsis es digna de un filme B, pero con mucho presupuesto y adaptado a un estilo más comercial. Que alguien disfrute Cowboys & Aliens es cuestión de enfoque, de saber que se va a ver un western plagado de situaciones fantásticas y carentes de sentido.
La historia solamente toma el comic como una base; por menciomar algunas diferencias están: los personajes son diferentes, se pierde el hincapié y la analogía que la historieta hace entre la conquista vaqueros-indios y alienígenas-humanos, el motivo de los extraterrestres para estar en la Tierra es una estupidez si se compara con la versión original, la mayoría de las situaciones muy exageradas de la obra de Rosenberg, fueron cambiadas por algo "más real". Otros elementos del comic son presentados en pantalla, pero bajo distintas circunstancias. A pesar de la enorme cantidad de diferencias existentes, se retiene la esencia, que es el duelo humano-alienigena.
La historia relata como un vaquero con amnesia, y un extraño brazalete, se ve envuelto en una cruel batalla por sobrevivir entre habitantes del espacio exterior y un pueblo olvidado.
Con acción y cargada de cliches clásicos del cine estadounidense, Cowboys & Aliens es una película que se puede disfrutar bastante, si se está conciente del tipo de cine que se va a ver: algo que no fue filmado para ganarse un premio de academia, que tendrá inconsistencias, y que no se esforzara un solo minuto del metraje para transmitir una moraleja. Una bocanada fresca en otro género olvidado, los western.

The good, the bad and the weird

Producción coreana del 2008 y con una clara influencia de El bueno, el malo y el feo, The good, the bad and the weird es un western ambientado a mediados del siglo XX que relata la historia de 3 hombres que están detrás del mapa de un supuesto tesoro; operando bajo distintas intenciones, el trío competirá por llegar al preciado destino y reclamar el premio.
Este trabajo combina de manera espectacular dirección, edición, fotografía, movimientos de cámara, uso de efectos especiales y actuaciones. Kang-ho Song (Thirst, Sympathy for Mr. Vengeance) hace un buen trabajo como The Weird (o en español, el raro) y a su manera, evoca recuerdos del papel que Tuco Benedicto Pacífico Juan María Ramírez, mejor conocido como El Feo, jugara en la inolvidable obra de Sergio Leone.
Buena parte de la historia está plagada de acción, aunque una ligera reducción del metraje (dura dos horas veinte minutos) hubiera ayudado a mejorar el dinamismo. Las secuencias de disparos son magníficas y aportan buenos ángulos de cámara no vistos con anterioridad en este género.
Con un buen apartado musical y toques de comedia, The good, the bad and the weird es una excelente recomendación si disfrutan de los western con estilo propio.

miércoles, 31 de agosto de 2011

H

Del 2002, esta película trata sobre la investigación de una serie de asesinatos que comienzan a repetirse con un patrón bastante similar al de un sicópata encerrado en la cárcel y esperando ser ejecutado. Los detectives se verán en la necesidad de hurgar en los viejos archivos con tal de predecir el siguiente movimiento del imitador.
La historia se desarrolla a un ritmo decente, no tan trepidante como algunos esperarán, pero aun así no llega a ser tan lenta como otras produccioens de oriente; las pistas se van revelando gradualmente y al final hay un giro en la trama que tendrá opiniones que variarán entre: predecible, innecesario, tonto, muy bueno. El modelo del largometraje recordará vagamente a Dragon rojo y/o El silencio de los inocentes, esto debido a que se recurre a consultar un asesino para poder atrapar a otro. Las actuaciones son muy buenas y coooperan a relatar los acontecimientos, los dos detectives principales y el asesino encarcelado (cuyo papel de villano posee un comportamiento odioso, pero carismático), interpretan magistralmente sus correspondientes personajes. El gore no es exagerado, se mantiene a la raya ofreciendo escenas que apuestan más por el realismo que por el impacto visual.
H es un largometraje bueno, pero ciertos escollos lo separan de la grandeza y lo dejan dentro del montón. Lo que es un hecho es que sí hará pasar un buen rato a quienes busquen un filme sobre detectives o sicópatas.

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miércoles, 24 de agosto de 2011

Source code

Del 2011 y protagonizada por Jake Gyllenhaal (Donnie Darko, Zodiaco) y Vera Farmiga (Orphan), Source code relata la historia de Colter Stevens, un soldado de la guerra que es reclutado en un experimento que permite revivir los últimos minutos de alguien que ha muerto una y otra vez, esto con el propósito de resolver crímenes. Colter descubre que no recuerda cómo fue que terminó siendo parte del nuevo programa militar, por lo que intenta averiguar qué hay detrás del avanzado experimento, sin saber que la revelación cambiará todo para él.
La primera hora del filme cae dentro de un tema que ha sido utilizado previamente en el cine: revivir un evento indefinidamente para corregir el error; aunque esto sea un factor repetitivo que puede resultar cansado, hay que reconocer que el trasfondo, el origen de source code, es lo que mantiene la intriga y el interés, dado que la explicación del sistema es un tema que muy pocos se atreven a explorar en la meca del cine y aquí es tratado de manera inteligente y audaz. Afortunadamente todo esto es explotado apropiadamente durante los últimos treinta minutos, que es donde el largometraje se luce y presenta una historia de ciencia ficción espléndida, dando una muestra de lo que los guionistas de Hollywood deberían de hacer para darle un empuje a un género olvidado por muchos.
Con buenas actuaciones y edición, Source code es una muestra de que todavía hay películas, que no están plagadas de presupuesto y publicidad, que valen la pena en la industria estadounidense. Recomendada si disfrutan de la ciencia ficción y los filmes originales.

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lunes, 15 de agosto de 2011

Les femmes de l'ombre

Filme francés del 2008, Les femmes de l'ombre (Las mujeres de las sombras) relata cómo Louise Desfontaines (interpretada por Sophie Marceau) recluta a un grupo de mujeres para llevar a cabo una misión de rescate en medio de territorio nazi; para su desgracia, su asignación es algo más que una simple extracción, ya que tendrán que buscar el modo de matar a un oficial alemán sin importar lo que suceda con ellas.
La historia de la película es bastante buena, va cambiando de ambiente conforme se desarrolla. Al principio uno puede pensar que ésta será otra más de la larga fila de trabajos cuyo tema principal es un rescate durante la guerra, pero afortunadamente esto no es siquiera la cuarta parte del metraje, ya que luego cambia su estructura hacia otro tema, y es aquí donde la narración se torna interesante. Las cinco mujeres deberán pasar por diversas situaciones, alianzas y traiciones, con tal de llevar a cabo su cometido.
Algo importante a resaltar, es que muchos pensarán que por tratarse de un quinteto de mujeres como protagonistas, el fator amoroso estará presente para darle un toque mucho más femenino al largometraje, pero en realidad no es así, la película se centra más en demostrar cuánta fortaleza llega a tener una mujer, así como la importancia que ellas tuvieron durante la segunda guerra mundial.
La ambientación y vestuario se encuentran orquestados de acuerdo a la época que representan. Hay escenas montadas de manera grandiosa, en especial un de las últimas, un claro homenaje al viejo cine noir. Las actuaciones por parte de las protagonistas son muy creíbles, cada una actúa de acuerdo a la personalidad que le toca.
Matizada con acción, drama y espionaje, Les femmes de l'ombre es una de esas películas sobre la guerra con un toque diferente (y un par de escenas que ciertas personas considerarán innecesarias), algo que muchos agradecerán cuando la vean. Muy recomendada.

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domingo, 14 de agosto de 2011

Pistol Opera

Pistol opera es parte del grupo de filmes cuya excelencia depende de la persona que la vea, ya que este trabajo coquetea descaradamente con la delgada línea que divide lo grandioso de lo terrible.
Demasiados aspectos la convierten en una película muy difícil, siendo el primer inciso la historia. Es muy complicado tratar de ofrecer una sinopsis sobre lo que realmente acontece, ya que la inusual edición, el uso de monólogos y secuencias surrealistas, así como las tomas que simulan una puesta teatral, no contribuyen a clarificar cuál es el propósito de todo el relato. A grandes rasgos sería algo así: una organización de asesinos que se enumeran y apodan a sus integrantes de acuerdo a sus habilidades entran en una especie de cacería para ver cuál es el mejor de los primeros, Stray cat, la número tres, tratará de sobrevivir a la persecución del número uno y sus aliados.
Lo que en verdad destaca es la dirección. La combinación de estilos, colores, vestimentas y ángulos de cámara crean una atmósfera extraña y rica en fotografía. La música está conformada de piezas que recuerdan los largometrajes de los sesentas y setentas.
La forma en que se integran los actores tampoco es la más convencional, pues los actores interactúan como si no tuvieran relación entre ellos. Algo difícil de definir y que es más fácil de entender viéndolo en acción.
Del 2001 y considerada por algunos la secuela Branded to Kill, un filme de 1967 dirigido por el mismo director (Seijun Suzuki), Pistol opera no es muy conocida más que nada por el desarrollo cinematográfico que expone, un filme artístico hecho con el puro propósito de ser único e inigualable, pero también criticado de prepotente por su innovación y exceso de metáforas. Recomendada para quienes gustan del cine de arte y las películas raras.

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jueves, 11 de agosto de 2011

Sennentuntschi

Filme de origen alemán del 2010 que relata la historia de una chica que aparece en un poblado justo después del aparente suicidio de un cura; la sospechas que levanta su presencia junto con la constantes acusaciones sobre su procedencia diabólica, propiciará que el pueblo atraviese por una terrible situación.
La película no recurre a mostrar muertes constantemente para captar la atención del espectador, en vez de eso se dedica a desarrollar con calma toda la historia que hay alrededor de la misteriosa mujer, revelando gradualmente cada detalle que hay detrás de su existencia, mezclando mucho drama con suaves toques de terror. La banda sonora destaca en varias escenas, junto con algunas técnicas de edición y movimientos de cámara.
Si se analiza el núcleo del apartado dramático, habrá quienes aseveren que Sennentuntschi no es muy innovadora, y están en lo cierto, pero el modo en que se maneja el factor sobrenatural es lo que provee a la película de una atmósfera que sí es atractiva.
El final podrá resultar algo confuso para quien esté acostumbrado a que todo sea explicado durante la trama, ya que el espectador debe tener sus propias conclusiones. Recomendada para aquéllos que disfrutan de los trabajos de terror con una historia qué contar.

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martes, 2 de agosto de 2011

Black rat

Del 2010, Black rat (Kuronezumi en su idioma original) narra cómo un grupo de estudiantes acuden al llamado de una compañera que se suicidó seis meses atrás; la curiosidad por saber si es en verdad la difunta quien los convoca, los arrastrará hacia una interminable pesadilla en el interior de la escuela donde se reúnen.
Kuronezumi apuesta mucho por iluminación oscura, y hace un trabajo muy aceptable la mayor parte del tiempo; su historia también lleva un ritmo bastante adictivo, pero a la mitad comienzan una serie de giros que podrán agradar a algunos, en tanto a otros les parecerá un infructífero y desesperado intento por mantener al espectador interesado y darle un final distinto. La imagen que caracteriza a la película es la de la asesina portando la máscara de una rata negra, lo cual es un símbolo creativo si se compara a otros filmes, aunque para mala fortuna, el uso de este ícono cae de su gracia conforme se aproxima el final y le quita toda rasgo enigmático que pudo haber tenido al inicio.
El filme pudo haber dado para más si en vez de introducir un grupo de vueltas drásticas en el guión, se hubieran concentrado más en explotar adecuadamente el suspenso que matiza la primera mitad. Kuronezumi es un filme más de slashers para el montón, aunque hay que reconocerle que posee concepto un poco diferente y con pinceladas bizarras.

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viernes, 29 de julio de 2011

Hotel

Dirigida y escrita por Jessica Hausner, este filme europeo del 2004, cuyo título original es Oteldeki Sır, es una película de bajo presupuesto que ha sido dilapidada por muchos como una basura; sus malas críticas han ido izadas por frases como: nada sucede, no tiene sentido, ofrece y al final nada, es muy pretenciosa, y una pérdida de tiempo.
Hotel al igual que muchas otras películas de esta clase, sufren simplemente del estigma de ser incomprendidas. Para la gente acostumbrada al cine comercial, tras ver los primeros treinta minutos es obvio que esperen que el filme "despierte" y comience a revelar secretos que le den sentido y proporcionen sustos. Sin embargo, esto nunca sucede, ya que al igual que muchos trabajos de corte alternativo, Hotel muestra una coraza exterior, que en este caso está compuesta de terror sicológico y misterio (que recordará a algunos ciertas escenas de Lost Highway de David Lynch), cuando en realidad es una historia con un toque artístico que describe los actos de manera críptica.
La dirección es sublime en varios aspectos. Los colores se encuentran distribuidos inteligentemente, destacando con fuerza en diversas escenas. Las tomas de los bosques y de los pasillos que son consumidos por la oscuridad son bastante simples, pero el modo en que se encuentran montadas les otorga un ángulo visual bastante atractivo.
El largometraje cuenta cómo Irene, quien llega a sutituir a una antigua dependiente de un desolado hotel, intenta encajar entre sus compañeros de trabajo. La relación con la gente, la poca información que existe acerca de la joven que tuvo antes su puesto, una leyenda de los bosques y extraños acontecimientos, harán que la nueva integrante ponga en duda su posición laboral.
Con una duración de apenas 73 minutos (algunos cortes varían en tanto a metraje), Hotel no es un filme para todo mundo, puesto que su lenta narrativa, su "ausencia" de momentos emocionantes y sus pocos diálogos la convierten más que nada en una obra de corte alterno destinada a un público muy reducido.

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