Cloud Atlas

Basada en la novela del mismo nombre, obra del autor David Mitchell, Cloud Atlas es un filme que relata seis historias que se desarrollan en diferentes eras y que se encuentran unidas por detalles que en ocasiones son demasiado obvios, pero en otros son más sutiles.

La película muestra en primera instancia una introducción a cada uno de los relatos que compondrán el resto de la cinta, para después intercalar las historias frecuentemente, saltando de una a otra sin parar, exhibiendo en ocasiones porciones de menos de diez segundos, para moverse a otro tiempo. Uno pensaría que esto va a complicar y volver extenuante el filme, pero no es así; la edición se convierte en el ingrediente principal para conservar al espectador enganchado, ya que se recurre a una técnica en apariencia simple, pero que si se examina el matiz de cada relato (ciencia ficción, post-apocalíptico, crimen, drama, comedia), la duración del largometraje y los incontables cambios que entretejen el trabajo, esto se convierte en un logro impresionante. El método consiste en que al final de cada fracción y antes de cambiar de época-historia, se menciona una frase o se muestra una escena que conecta dos o más segmentos, manteniendo una cadena que no se rompe y que preserva el ritmo hasta que aparecen los créditos.

Se ha hablado mucho acerca de los actores repitiendo en varias de las historias, en ocasiones en todas ellas, pero es sorprendente cómo el maquillaje modifica el rostro y las apariencias, causando que ni una persona sea capaz de reconocer a la primera el rol de todos cuando les toca repetir, pues existen unos que no son evidentes y que sorprenderán si esperan al final de la película para ver las maravillas que el equipo detrás de cámaras consiguió. Los intérpretes involucrados son varios preferidos de la gente (Hugo Weaving, Halle Berry, Tom Hanks, Hugh Grant, Susan Sarandon) y otros tal vez no tan conocidos en occidente, pero que poseen una carrera que los avala como Xun Zhou (Suzhou he) y Doona Bae (Take care of my cat, Air doll, Mr Vengeance).

La dirección estuvo a cargo de los hermanos Wachowski (cuyas historias se orientaron más al pasado y al futuro, The Pacific Journal of Adam Ewing, An Orison of Sonmi~451, Sloosha's Crossin' an' Ev'rythin' After) y Tom Tykwer (director de los segmentos más enfocados a la era actual: Letters from Zedelghem, Half-Lives: The First Luisa Rey Mystery, The Ghastly Ordeal of Timothy Cavendish), quienes hicieron un gran trabajo al otorgarle a cada parte un estilo y ambientación diferente, que ayuda a no volver monótona la narrativa. Para cumplir con las fechas, ambos equipos filmaron en paralelo, cambiando de actores cada que era necesaria su intervención.

Siendo el filme independiente más caro hasta el día de hoy, Cloud Atlas es una obra muy recomendada que hecha con mucho cuidado y que toca una variedad muy amplia de temas, no obstante, la estructura con que fue realizada y su duración puede apartar a aquéllos acostumbrados a películas de corte más ortodoxo.

From womb to tomb, our lives are not our own

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Mad detective

Hay quienes afirman que la demencia es simplemente otra manera de percibir la realidad, Mad detective  (título original, San taam) del 2007 adopta este enfoque, al presentar a Bun, un detective retirado que posee la peculiar habilidad de "ver las personalidades interiores" de la gente que lo rodea, así como de visualizar crímenes y actos ocurridos en otro tiempo; esto propicia que Ho, un joven que busca resolver un caso, que consiste en encontrar la verdad detrás de la desaparición de un oficial cuya pistola se ha utilizado para cometer varios crímenes, acuda a él para acelerar la investigación.

La dirección y la constante iluminación tenue, junto con las interpretaciones por parte de los actores y el paso continuo con que se desarrolla la historia, conforman una atmósfera de misterio que juega continuamente con la distinción entre realidad y fantasía, obligando a estar atentos para saber qué está sucediendo. La combinación entre los elementos de filme policiaco y la sutil intervención de elementos fantásticos elaboran un trabajo inigualable que tal vez propicie ciertos problemas para entenderlo durante la escena final (una secuencia ejecutada con precisión, con tonos artísticos y dramáticos) si no se adapta uno al mensaje que la película intenta transmitir.

Takashi Miike ha realizado su versión de un extraño investigador con la adaptación de Multiple Personality Detective, Shinya Tsukamoto hizo su parte con Nightmare detective, esta película corre a cargo del portabandera principal cuando se trata de dar vida a películas de mafiosos en oriente, Johnnie To. Colaborando con Ka-Fai Wai, ambos logran ejecutar una mezcla thriller-supernatural que dejará satisfechos a los que deseen ver un largometraje con estilo único.

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M

Antes de que Alfred Hitchcock hiciera Psicosis para consumar y hacer famoso el género de asesinos en serie, que posteriormente desembocaría en una era de películas durante los setentas y ochentas que definiría el estilo que perduraría en los años venideros, Fritz Lang filmaría en Alemania para presentar durante 1931 la que se considera la primera en su nicho.

M relata la historia de un asesino de niños que pone de cabeza toda una ciudad. La gente, en estado de histeria y nerviosismo porque sus pequeños están en peligro, gradualmente cae en la desesperación y comienzan a sospechar de cualquier persona en la calle. Los policías, ante la incapacidad de atrapar al monstruo y para sosegar al populacho, recurren a medidas un tanto extremas. El problema llega hasta el extremo de afectar a los criminales, quienes hartos de la constante intervención policiaca que perjudica sus negocios, organizan su propio escuadrón de búsqueda para encontrar y ajusticiar al verdugo, dando lugar a una carrera por atrapar al individuo.

Llena de controversia, con múltiples versiones, y vetada por los nazis durante una larga temporada, M cuenta con un estilo de dirección bastante marcado. Lang emplea magistralmente el uso del espacio en pantalla, manipulando el mise en scene (posición de objetos dentro del encuadre) como mejor le parece, mostrando ángulos y perspectivas bastante revolucionaras para su época y que hasta la fecha sirven para los nóveles cineastas. Otro punto que resalta dentro de las escenas, es la sutileza de Lang para "encapsular" a sus personajes en escena, por ejemplo, durante una escena, limita a ciertos personajes dentro de un arco, mientras una chusma aglomerada se encarga de trazar el diámetro de una semicircunferencia, dando una sensación ligeramente claustrofóbica.

Con un aire noir y siendo el primer filme con sonido que Fritz Lang filmaría, M (llamada también The Vampire of Düsseldorf porque se basa en un asesino real con este apodo) ha trascendido con el paso de los años y ha servido como una gran influencia para diversas películas (inclusive video juegos, si se toma en cuenta que Heavy rain presenta elementos similares a la trama) y series de televisión.

This won't bring back our children. We, too, should keep a closer watch on our children.

The Devil's rock

Del 2011, The Devil's rock trata sobre una misión de los aliados para destruir un arma nazi durante la la madrugada del histórico día D, pero la curiosidad del dueto a cargo de la asignación, irá más alla y descubrirán una base de la SS cuyo propósito es el control de las artes oscuras y su aplicación en el conflicto armado.

Algunas de las portadas del filme deja qué desear y lleva a pensar que se trata de una producción barata de ésas que se filman sin propósito alguno más que el de ridiculizar el género de terror, pero sorprendentemente la historia consigue entretener, esto a pesar de ser una producción pequeña que carece de efectos especiales de última generación, una historia profunda y unas actuaciones memorables.

La narrativa (que es bastante simple pues se centra en sólo tres personajes) no tarda en arrojar la carne al asador y casi desde el inicio pone de manifiesto las tan sonadas leyendas de la división nazi encargada de controlar las artes oscuras, algo que muchos han querido ejecutar pero no lo consiguen hacer con seriedad; tal vez este largometraje no sea la perfección en el tema, pero sí maneja la situación de un modo aceptable.

Una película sobre nazis con una dirección decente, gore que no raya en los extremos y una atmósfera bastante acorde al tema, The devil's rock no es mala como parece, por el contrario proporciona un buen rato de entretenimiento.

War is a bitch

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The shock labyrinth

Del 2009 y dirigida por Takashi Shimizu (Ju-on, Marebito), The shock labirynth (el título original es Senritsu meikyû) es la historia de una joven que desaparece durante su pubertad bajo extrañas circunstancias y que reaparece años después; cubierta de moretones y abrumada con traumas de lo que vivió durante su ausencia, el nuevo y paranoico comportamiento la llevará junto con sus antiguos compañeros hacia una vieja locación donde se verán envueltos por lo paranormal.

La película empieza bien y promete entregar un buen relato, pero conforme progresa quedan evidentes varios detalles que la detrimentan. La narrativa se vuelve confusa, pero no para darte pistas que ayuden a entender qué sucede, sino para lanzar los acontecimientos de forma arbitraria y apoyándose nada más en el factor sobrenatural para "justificar" lo que sucede. La iluminación y el uso de filtros otorga una buena apariencia visual, pero el exceso de efectos de computadora, enfocados a la versión 3D, reduce el impacto en ciertas escenas. Las actuaciones tampoco contribuyen a impulsar cómo todo se desarrolla, ya que son demasiado planas.

The shock labyrinth es un fallo por parte de Shimizu, un filme con la intención de llevar el terror en 3D a otro nivel, que no salió del todo bien.

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Salem's Lot

Años atrás las historias de Stephen King se caracterizaban por algunos de los siguientes factores: un menor de edad como clave de la historia, gatos y/o perros como participantes activos, gran variedad de personajes extravagantes, un pueblo situado en Maine, un escritor como protagonista, la muerte de al menos un personaje principal, un pausado desarrollo de la historia y una red de tramas alternas que se dedicaban a complementar y describir más sobre los integrantes del relato. Con el paso de los años estos puntos se han mantenido latentes, pero no se concentran con tanta fuerza como en sus viejas historias. Salem's Lot es parte de la vieja escuela que concentra todas esas características.

Con Tobe Hooper como director (Poltergeist, The Texas chainsaw massacre) esta adaptación de 1979 (hay otra hecha en el 2004) es una miniserie que contiene un despliegue muy interesante de tomas. La dirección oscila entre ángulos propios de series televisivas y algunos dignos de superproducciones. Las actuaciones cumplen con su cometido y exhiben las clásicas locaciones pequeñas que King describe en la mayoría sus libros.

El punto en contra es que la longitud del metraje vuelve a esta miniserie ligeramente pesada. Las tramas alternas son implementadas como de costumbre, pero durante la primera hora acaparan casi todo y dejan el tema principal a un lado: Ben Mears, un viejo residente del lugar, llega al pueblo para escribir un libro basado en una vieja casa plagada de leyendas, pero se entera que hay alguien viviendo ahí actualmente, un inquilino que podría ser la causa de los vampiros que empiezan a acechar sobre todos los habitantes.

Si algo resalta también es el maquillaje. Ante la ausencia de efectos por computadora, Salem's Lot recurre a maquillar perfectamente a sus actores, dando la apariencia que solamente las producciones antiguas de terror podían conseguir.

Con marcadas influencias del libro de Drácula de Bram Stoker y la clásica Nosferatu de 1922, Salem's Lot dejará satisfechos a quienes sean admiradores de King o Hooper.

The master wants you. Throw away your cross, face the master. Your faith against his faith

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Occult

Kôji Shiraishi (A slit mouthed woman, Dead girl walking) posee un estilo particular a la hora de elaborar falsos documentales. En el 2005 creó Noroi, posiblemente uno de los mejores trabajos que se han realizado en este género,  y en el 2010 realizó la infructífera Shirome. En medio de las dos, se encuentra una menos conocida, que tal vez no ofrezca la calidad de Noroi pero sí la atmósfera de originalidad que tanto destila el director en este género.

Shiraishi sale en el filme como él mismo, investigando junto a su equipo un triste evento de años atrás: un hombre repentinamente entró en un estado violento durante el cual asesinó e hirió a personas, para finalmente tirarse de un peñasco; el cuerpo del asesino nunca fue encontrado, pero esto es tan sólo el inicio de todo los misterios que los involucrados descubrirán cuando comiencen a seguir al sobreviviente del suceso.

Durante los primera mitad del filme, el espectador no sabe qué es lo que está sucediendo. Múltiples pistas son otorgadas en torno a lo sucedido, pero ninguna de ellas parece tener relación alguna entre sí. Conforme el equipo más se adentra en la investigación, descubrirán que lo que está ocurriendo va más allá de su percepción y de todo lo que creyeron podía existir, mostrando un mundo con el cual es mejor no entrometerse.

Un punto que mantiene la tensión es el apartado auditivo, los efectos simples de sonido crean un ambiente que ayuda a mantener cierta tensión. El notorio bajo presupuesto invertido en la realización del largometraje, proporciona un sentido de realismo que dejará satisfechos a los admiradores del terror oriental.

Llamada originalmente Okaruto (algunos se refieren a ella como The unidentified también), Occult del 2009 es una combinación de reportaje, terror y drama (con un cameo del director Kiyoshi Kurosawa) que demuestra que el terreno del Falso documental no tiene que ser necesariamente como muchos lo han catalogado a últimas fechas.

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PELÍCULA (BAJA CALIDAD)

Nineteen Eighty-Four

Muse, NIN, Marilyn Manson, V de Vendetta, Equilibrium, reality shows... la lista sigue y no termina. Muchos artistas y trabajos han tomado como base esta historia de George Orwell publicada en 1949. 1984 (Nineteen Eighty-Four es el nombre alterno con el que se le identifica) es un relato que cuenta sobre una sociedad oprimida por un regimen que mantiene a los ciudadanos vigilados de una manera exagerada y obsesiva, al grado de que aquéllos que no coinciden con los estamentos del gobierno, viven traumados y temerosos de que cada acción que realicen los delate y los lleve a sufrir las consecuencias.

Esta novela ha trascendido con el paso de los años no tan sólo por la estructuración de la sociedad que presenta, sino por la cantidad exagerada de referencias que se adaptan perfectamente al modo en que el hombre vivió, vive y vivirá. Muchas de las fallas de los gobiernos, del ser humano, de los grupos, entre otros, son plasmados aquí con un tono gris, melancólico y realista con el que se sentirán identificados.

La película, como toda adaptación literaria, no incluye todos los detalles de la novela, pero sí consigue transportar el ambiente desolado y frío a la pantalla grande. John Hurt (V de Vendetta, Hellboy II, Inmortals, Alien) interpreta sin problemas al apático Winston Smith, convirtiendo al personaje escrito en una viva imagen.

Lo que muchos no saben, es que el concepto del conocido programa Big brother nace de 1984, esto debido a la constante vigilancia que se aplica a los individuos. A pesar de que puede sonar igual a cómo se maneja el sobre explotado recurso de los reality show, es imposible y una ridiculez pensar en siquiera comparar 1984 con este género televisivo, pues construye su propio y peculiar universo que está repleto de crítica a la sociedad y la manipulación que los medios ejercen sobre ella.

Filmada curiosamente en 1984, este película no es apta para todo público, dado que lleva un desarrollo lento y carente de un clímax, enfocándose principalmente en el retrato del grisáceo mundo donde viven los protagonistas.

Power is not a means, it's an end.

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Prometheus

Prometheus fue planeada en un inicio como una precuela directa de Alien (1979), pero el director Riddley Scott decidió adoptar otro rumbo con esto. En cambio, la película tendría constantes guiños hacia la famosa saga, pero desarrollaría una historia propia cuya relación con su secuela sería mínima. Como es de esperarse, el largometraje gira en torno a la nave Prometheus, que llega a un planeta desolado en busca de quienes pueden ser los creadores de la raza humana, pero el objetivo de la expedición se verá afectado por los secretos que oculta uno de los miembros de la tripulación.

Las actuaciones se encuentan lideradas por Michael Fassbender (X men: first class, A dangerous method) y Noomi Rapace (La trilogía de Millenium), quienes apoyados por el resto del elenco que incluye a Guy Pearce (Memento) y Charlize Theron, llevan el desarrollo a buen ritmo y con interpretaciones adecuadas (por desgracia, ciertos personajes presentan ligeras inconsistencias que pueden pasar desapercibidas si no se les presta la atención debida).

Mucha gente acude a ver la película esperando ver aliens, pero la verdad es que su participación en el largometraje es reducida y hecha a un lado prácticamente; de esta manera Prometheus exhibe su narrativa sin colgarse del filme que creó una de las franquicias más conocidas del mundo cinematográfico, y demuestra que no necesita de otros trabajos para destacar. No obstante, la historia contiene cosas que no son explicadas y quedan aparentemente inconclusas (a pesar de que algunas se pueden intuir si se analiza un poco lo que sucede), pero cuando se mira a los créditos y se nota a Damon Lindelof, uno de los escritores más constantes en Lost, como uno de los guionistas, se puede entender porque este método de dejar eventos al aire.

Filmada en tercera dimensión y haciendo uso minimo de animación por computadora (CGI) para apoyarse más en efectos especiales convencionales (VFX), Riddley Scott dio a la industria una super producción de ciencia ficción que no resalta simplemente por su aspecto visual, un suceso que rara vez se da en Estados Unidos.

Big things have small beginnings

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Ichimei (Death of a samurai)

Pocos creerían que el realizador de esta película es el mismo que tuvo bajo su cargo Ichi the killer, Audition, Bijitâ Q, Sukiyaki Western Django, entre muchos otros. A pesar de que la versatilidad ha sido el sello de Takashi Miike durante toda su carrera, es un hecho que Ichimei y 13 assassins demuestran que el crudo estilo del director también se adapta perfectamente a trabajos serios que exhiben la madurez y experiencia que sólo se alcanza con los años.

Los factores que más resaltan en este filme son el pausado y dramático modo en que la historia se desenvuelve, la ausencia de situaciones bizarras y una disminución notoria en el gore, un par de características que otrora, eran muy arraigadas a los trabajos de Miike. A cambio, se obtiene algo que el director ya había expuesto con anterioridad, pero que ahora demuestra junto con su equipo de fotografía a plenitud: una impresionante capacidad de manipular iluminación opaca y repleta de colores muertos, permitiendo al espectador tener visión absoluta de todo lo que acontece dentro del universo grisáceo y sin perder detalle, a pesar de que en primera instancia todo luce muy oscuro.

La historia relata cómo un samurai desempleado llega a una importante casa para pedir la oportunidad de cometer seppuku (conocido también como hara-kiri, el honorable suicidio que consistía en que el samurai use la espada para cortar sus entrañas). Antes de que le permitan realizar la ceremonia, le cuentan la trágica historia de un joven que llegó con el mismo propósito, a la cual, el guerrero responderá con una importante revelación.

Con la actuación de la multifacética Hikari Mitsushima (Kakera, Love exposure, Sawako decides), Ichimei cuenta cómo existe el honor incluso en los actos de venganza. Tal vez a los seguidores de vieja escuela de Miike no les agrade este cambio, pero eso no resta crédito al director, quien coordinó a su elenco para conseguir un buen largometraje, orientado hacia un punto más artístico.

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Callalilly

Cortometraje escrito, producido, relatado y musicalizado por Christy Kane, ésta es la historia de una joven que toca el piano con gran habilidad, pero al notar que no puede convertirse rápidamente en una intérprete excelsa, deja que su carácter la domine y perjudique hasta que las consecuencias son irreversibles. Haciendo uso de muñecos, una narración poética, gran fotografía y una fantástica pieza musical que raya en lo atonal y que va cambiando su intensidad conforme la historia avanza, Callalilly consigue transmitir su moraleja de una particular manera.

Realizada en blanco y negro, con una atmósfera oscura y ligeramente gótica, este corto del 2007 es una opción diferente y bien realizada que demuestra que no es necesario ambiantar las narraciones en mundos infantiles para dar lecciones de vida.

A temper if not tamed, can leave a little rag doll maimed

Cortometraje entero (Sin subtítulos)

They live

De 1988, adaptada de la novela Eight O'Clock in the Morning y dirigida por John Carpenter, They live es una historia que relata cómo un hombre común y corriente se topa con una conspiración que tiene envuelta a gran parte de la población, quienes viven rodeados de mensajes subliminales que encauzan sus vidas por un rumbo privado de libertad. Durante su afán por detener a las peligrosas entidades, el individuo se verá forzado a ingresar a un mundo cargado de violencia y duras verdades.

Más que ser un filme de terror, They live es un thriller que lleva un clara crítica acerca de cómo la sociedad actual ha moldeado la existencia del ser humano de tal manera que si no se cumple con los estratos dictados, uno será juzgado y rechazado fuertemente, enajenando a las personas. Esto es lo que el protagonista vive, quien al enterarse de todo el complot, busca un modo de ponerle fin por cuenta propia, pero se ve constantemente amenazado por aquéllos a los que no les conviene que se sepa la verdad, incapaz de vivir como solía hacerlo, busca quienes puedan ayudarlo a combatir la amenaza.

Carpenter demuestra con esta película que en Hollywood se solían escoger guiones originales para producir, una tendencia que se ha degenerado en los últimos años, dándole al género del terror de Estados Unidos una fama de predecible y escueto con muy aislados destellos de grandeza.

Put the glasses on! Put 'em on! 

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This is not a movie

Describir el trama de este filme no es difícil, disfrutar el modo en que se desarrolla, puede serlo. This is not a movie es una película dirigida por Olallo Rubio y hecha en México (lo que es notable pues después de ver los nombres de los actores, casi todo el equipo detrás de cámaras tiene apellidos latinos), la cual relata cómo Pete Nelson trata de comprender su vida horas antes de que se acabe el mundo, para lo cual entabla pláticas con otras versiones de su personalidad y un fantasma.

Lo que complica seguir todo es que los diálogos parecen estar fuera de foco, añadiendo a eso, la inclusión de "comerciales" o "adelantos" de otras películas y una ausencia de clímax en la trama. La idea del final no se ve tan mala, pero las actuaciones y el guión realmente no ayudan a imprimir en el espectador emoción alguna por lo que está sucediendo, lo que deja el largometraje en un nivel plano y casi imposible de degustar.

En tanto a dirección, hay ciertas cosas a resaltar, en especial al inicio, donde se puede apreciar un juego para manipular la presencia de blanco y negro, permitiendo que el color se filtre dependiendo de dónde este localizado el personaje en escena (una técnica empleada en Zentropa de Lars Von Trier), añadiendo un buen efecto, que luego se pierde con el transcurrir de los minutos.

This is not a movie cumple con su título y presenta un trabajo extraño e inusual, pero desgraciadamente no es ejecutado de la manera apropiada y termina siendo un experimento fallido.

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Evidence

Un grupo de jóvenes toma una cámara y decide grabar su viaje al bosque. Todo transcurre pasivamente hasta que unos ruidos los perturban y un animal muy extraño merodea alrededor de ellos. Todo se agravará conforme transcurran las horas de su estancia.

Si bien la trama suena genérica y como algo que se ha hecho antes, pero lo que caracteriza a Evidence no es tan solamente el haber sido filmada en el ya muy famoso formato de Falso documental o Mockumentary, sino que la primera mitad del filme es completamente diferente a la segunda. Los últimos cuarenta minutos exhiben otra perspectiva y se convierten en una auténtica secuencia de caos y desesperación que no para hasta que los créditos terminan de aparecer en pantalla (literalmente).

Dentro de este género existe un parámetro relacionado con cuánto se sacude la cámara, ya sea para implementar "realismo" o para remarcar una filmación más seria. Evidence cae dentro del primer grupo, el encuadre es movido constantemente y sin piedad durante una buena parte del metraje, en especial durante la ya mencionada segunda mitad, lo que puede ocasionar, que aquéllos que no estén acostumbrados a esto, terminen menospreciando el largometraje por esta propiedad.

Tal vez no sea nada del otro mundo y deje muchas cosas sin responder (lo cual añade un elemento de misterio que queda adecuadamente con la historia), pero si disfrutaron de películas como [REC], Evidence les gustará.

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Boy wonder

Del 2010, este filme relata cómo un joven obsesionado por haber vivido el asesinato de su madre cuando era apenas un niño, entrena su mente y cuerpo para convertirse en un vigilante que pelea contra los criminales y que busca al hombre que marcó su vida para cobrar venganza. Su inusual y sospechosa actitud atrae la curiosidad de una detective, quien tratará de descubrir qué es lo que oculta el muchacho.

Varios puntos se pueden resaltar de esta película. Las actuaciones están hechas a la medida, Caleb Steinmeyer, quien interpreta el papel principal, otorga una actuación bastante creíble y lleva a uno a pensar por qué no ha hecho más largometrajes después de este trabajo; el resto del reparto tampoco se queda atrás y se comporta a la altura. La edición y la dirección son excelsas y van de la mano con la historia, que mantiene su ritmo desde el inicio, describiendo por qué el joven ha mantenido su obsesión tan vívida con el paso de los años y cómo el único modo en que encuentra paz temporalmente es durante sus peleas, aunque a un precio alto.

A pesar de ser un filme que no tiene la promoción de muchas otras super producciones y de no contar con "actores de renombre", Boy wonder definitivamente está encima de varias películas actuales de Hollywood, y demuestra que el cine independiente de Estados Unidos también tiene mucho qué ofrecer, sólo es cuestión de buscar. Largometraje muy bueno, realista y recomendado en general.

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Dellamorte Dellamore

De 1994 y llamada en inglés Cemetery Man, este filme italiano sobre zombies es uno de esos trabajos que difícilmente son igualados, y no es tanto por el tema que trata sino por cómo la trata. La historia relata la vida de Francesco Dellamorte (Francisco de la Muerte), un joven encargado de vigilar el cementerio de su comunidad, y de lidiar también con una epidemia que lo invade: ciertos días despues de que los difuntos son enterrados, vuelven a la vida para hacer estragos.

¿En qué difiere esta película del resto? Durante la primera mitad podrá considerarse como otro filme B, pero conforme progresa, la historia toma un ambiente surrealista, algo confuso y que incluso puede dar la sensación de que la narrativa no va a ningún lado y simplemente está tirando varios sucesos al azar en pantalla. No obstante, cuando los últimos minutos transcurren, todo da un giro inesperado, que aunque no faltará quien lo considere como muy pretencioso, es cierto que le da un enfoque diferente a la película y anima a recapitular los eventos pasados.

En tanto a aspectos técnicos, el largometraje se pinta solo, pues contiene tomas elaboradas y bien orquestadas, una fotografía que varía según el momento, efectos especiales acorde al género, varias capas narrativas, y una banda sonora que se aferra a lo que el encuadre de pantalla muestra.

Rara, surreal, original, muchos adjetivos se pueden atribuir a Dellamorte Dellamore, pero sin importar cuáles sean, es un hecho que resalta por sí sola y que es una experiencia única. Recomendada para los que gustan de las películas raras y los zombies.

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Gandahar

 Dirigida y adaptada de la novela The Machine-Men versus Gandaha (Les Hommes-machines contre Gandahar, el autor es Jean-Pierre Andrevon) por René Laloux en 1988, Light years o Gandahar, esta película relata cómo una pacífica civilización es invadida por individuos del futuro que poseen una tecnología sumamente avanzada; ellos, con los poco recursos que tienen, buscarán un modo de frenar esta inevitable destrucción.

Al igual que en Fantastic planet, el tema es una raza oprimida pero esta vez bajo una diferente circunstancia; otros temas son recurrentes, como las analogías con otros aspectos de la vida. Laloux presenta un universo rico en imaginación, presentando una fauna y flora muy variada. El despliegue de colores es grandioso, creando paisajes complicados y llenos de vida. Sobre la música ni qué decir, uno de los mejores apartados del filme, haciendo hincapié en los momentos más importantes del relato y agregando dramatismo.

El surrealismo se encuentra a la orden del día y satisfacerá a quienes busquen una pieza de ciencia ficción con un buen trasfondo. Gandahar es un filme francés recomendado para los fanáticos de género, no quedarán decepcionados ante la dirección y la historia.

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Samurai avenger

Un padre de familia pierde todo lo que tenía por vivir ante una mala jugada del destino; ciego, como consecuencia de lo ocurrido, decide entrenar arduamente para buscar venganza contra el causante de su desgracia.

Cine B que usa un poco de varios géneros como zombies, western, brujería, etcétera, para crear una mezcla que junto a su particular edición (por ejemplo, un estilo de viñetas cuando se proyecta alguna memoria) crean un universo cuyo propósito es cualquiera menos provocar que la historia sea tomada en serio.

El tema del Zatoichi (samurai ciego) es uno muy utilizado para las películas japonesas, sólo que en esta ocasión el enfoque es más ligero y carente de complejidad.

En corto, Samurai avenger, se dedica a hacer mofa de varios de los clásicos preceptos de este tipo de largometrajes. Filme recomendado solamente si están conscientes del tipo de película que van a presenciar.

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Profondo rosso

De 1975 y dirigia por el uno de los máximos exponentes del estilo giallo (cine de terror italiano), Darío Argento (Suspiria), Profondo rosso (Deep Red o Rojo Profundo) es un clásico de suspenso que lidia con un criminal que se dedica a asesinar a gente de manera aparentemente arbitraria; un pianista, obsesionado por la amenaza que se cierne sobre su existencia, decide realizar su propia investigación para desenmascarar al peligroso ser.

Como es costumbre en las películas italianas de suspenso de esa época, el modo en que la música se encuentra estructurada juega un papel fundamental al unirse con lo que se exhibe en encuadre, y a pesar de que este filme aplica esta regla como es debido, Profondo rosso peca a veces de utilizar estribillos inadecuados durante ciertas escenas que teóricamente tienen el objetivo de transmitir enigma, angustia, y terminan siendo una extraña mezcla que saca de balance al espectador y pierde su efecto original.

Gráficamente, el filme es magnífico. Argento utiliza tomas de todo tipo, como una que está casi al inicio del metraje, donde pasa de una toma cerrada con solamente dos personajes a una amplia que incluye capas de profundidad. La calidad de los escenarios seleccionados, la distribución de objetos en pantalla y los balanceados colores, edifican una compleja fotografía que es un total deleite visual.

La duración es un poco excesiva para la trama, la edición podría haber recortado veinte minutos o más para agilizar el desarrollo de la historia y hacer que ésta no perdiera el crescendo. A esto, se le aúna un par de fallos lógicos a nivel narrativa que para ciertas personas serán nimios e insignificantes, en tanto para otros podrá representar un motivo de disgusto.

Sea como sea, con o sin las faltas, no se puede negar que Profondo rosso es una pieza del cine italiano que ha definido mucho con el paso de los años. Reconocida como una de las mejores obras de Argento, ésta es una clásica recomendada para los que gustan de ver una narración visual hecha con dedicación y para satisfacer al ojo.

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Nightmare detective (1 y 2)

 

 

Un hombre nace con la habilidad de leer mentes y de ingresar a las pesadillas de las personas, convirtiéndolo en un individuo solicitado por la gente, aunque esto usualmente lo pone peligro, colocándolo constantemente en el dilema de ayudar a otros y enfrentar las consecuencias de sus actos o sumirse en la soledad para pelear con sus demonios.

El personaje de Kyoichi Kagenuma es muy interesante en varios niveles. Atormentado por su habilidad e incapaz de encajar en la sociedad, es un modelo de antihéroe que rápidamente define su estilo cuando aparece en pantalla. La manera en que es interpretado por Ryûhei Matsuda también influye en la presencia del personaje.

La primera película (2006) es sobre un caso de aparentes suicidios, donde las víctimas, antes de morir, llaman a un extraño hombre (el mismo director de los dos trabajos: Shinya Tsukamoto) conocido como "cero". La policía deberá acudir a Kyoichi para resolver el caso, dado que los asesinatos suelen ocurrir durante los sueños. La segunda historia (2008) contiene un corte más sicológico, ya que se adentra en la mente de Kagenuma, mostrando los traumas que fueron generados durante su niñez debido a las manías de su madre; en esta ocasión, el caso es sobre un grupo de muchachas que son aterrorizadas en sus sueños por una compañera de salón, sin saberlo, el detective encontrará una relación con su pasado que volverá personal la resolución del inconveniente.

El primer trabajo contiene una cinematografía muy marcada por el estilo de Tsukamoto, el azul, la música y la exposición de los momentos importantes, todos se encuentran organizados de la manera bizarra que el director ha marcado en sus anteriores trabajos. La narrativa es buena y la historia también, pero pareciera que la decisión de tener al detective sobrenatural en segundo plano durante gran parte del metraje, resta un poco de fuerza a la trama.

En el segundo filme el concepto cambia y tiene un acercamiento más artístico, ahora el detective es el personaje principal pero la historia es un poco más lenta y carente de un clímax como en la primera, lo cual es implementado para explorar más la mente de Kyoichi; todo esto es realizado adecuadamente hasta que las escenas se vuelven algo pretenciosas y dificultan la comprensión de lo que sucede. En tanto a dirección, el método es un poco más convencional, pero sigue conservando su grandeza.

Nightmare detective (título original es Akumu Tentei) es una pequeña saga que crea una historia original. A pesar de que no son las mejores obras de Tsukamoto, sin lugar a dudas contienen escenas y momentos muy particulares, un concepto fílmico que vale la pena ver.

NIGHTMARE DETECTIVE TRAILER

NIGHTMARE DETECTIVE 2 TRAILER

The wicker man

 De 1973, The wicker man es considerada por algunos como uno de los mejores filmes sobre sectas de la meca cinematográfica. La historia gira en torno al sargento Howie, un policía que acude a una remota isla para investigar la desaparición de una niña; al arribar, el oficial no solamente se encuentra con una serie interminable de comportamientos que rayan en lo degenerado y profano (desde su punto de vista cristiano) sino que también los habitantes no mostrarán interés alguno en cooperar para resolver el caso.

Lo primero que resalta es el bizarro y en ocasiones, libertino modo de vida que los ocupantes del poblado llevan, edificando una atmósfera oscura y hermética, un controversial y singular mundo que se podría considerar la estrella principal del largometraje.

Con un último e imponente segmento que define el verdadero estilo de vida de los lugareños, The wicker man es un largometraje que ha dejado marca en otros con el paso de los años. En el 2009, se realizó una nueva versión protagonizada por Nicolas Cage, la cual para muchos no le llega ni a los talones de esta versión original. Muy recomendada para los amantes del terror y aquéllos que quieran ver uno de los trabajos más influyentes en el cine de este tipo.

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Infection

Del 2004, este filme trata sobre un hospital cuya escasez de recursos lo tiene al borde del colapso administrativo; doctores y enfermeras hacen todo lo que está a su alcance para mantener a flote el lugar, aunque esto implique someterse a períodos extenuantes de trabajo... pero todo cambia cuando un paciente con una extraña y mortal patología llega, obsesionando a un doctor con tratar la contagiosa y especial enfermedad sin preocuparse por las consecuencias que tendrá en los empleados.

Varios factores resaltan con rapidez en Infection (el título original es Kansen), el primero es la ambientación, que es el ingrediente principal que caracteriza al largometraje, recurriendo a técnicas que pueden hartar a la gente que no esté acostumbrada a las películas que concentran el factor terror en lo sicológico en vez de los sustos e impacto visual. La fotografía oscura combinada con colores fuertes y mucho gris, así como los sonidos, hace del hospital el lugar perfecto para desarrollar la historia

Durante la primera media hora, el espectador puede sentir que está viendo un episodio de E.R. o cualquier otra serie del tipo drama médico, ya que la trama se limita a exponer a los protagonistas, así como el trauma que cada uno de ellos tiene: una enfermera que no puede aplicar inyecciones, un pediatra frustrado, una señora que ve familiares muertos en espejos, entre otros. Esta variedad de caracterizaciones es el elemento ideal para exponer la infección que agrava el interior del hospital, llevando la narrativa con un ritmo lento pero bastante efectivo.

Quizás el final sea lo único que confunda a quienes vean Infection, pero no por ello deben privarse de ver esta película. Poco conocida, esta obra es muy recomendada para los que adoran el terror sicológico.

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Kill list

Un asesino con problemas en su matrimonio decide tomar un trabajo que solventará sus problemas económicos, sin embargo él y su amigo no saben lo que cumplir este trato les costará, ignorantes ante las dificultades que afrontarán para poder sobrevivir y resolver el misterio detrás de la gente que los contrató.

Del 2011, Kill list es un filme que ha levantado controversia por el modo en que se encuentra estructurado. La película muta en hora y media drásticamente, saltando entre terror, drama y thriller de manera violenta. Muchos claman que la primera hora  es completamente diferente a lo que se presencia durante el último segmento, como si se tratarán de dos piezas diferentes. No obstante, este cambio tan repentino es lo que da un toque especial a la película y pone a prueba al espectador.

Otros han reclamado lo difícil que es comprender qué está sucediendo; Kill list no es el largometraje convencional donde uno se sienta y al final tendrá todo resuelto y en la palma de las manos, aquí se ofrecen las pistas de manera sutil (muchas tal vez pasen desapercibidas a la primera o requieran un poco de pensamiento), haciendo que los diálogos posean importancia, sin saber en qué momento se dirá o hará algo que sea de alta repercusión para comprender el tan discutido "cambio" del final. Una gran mayoría llegará a los crédito y se cuestionará "¿Me habré perdido de algo?", y la respuesta como se ha comentado es sí, los elementos para entender la historia principal están ahí, es cuestión de recapitular las escenas con cuidado.

Las actuaciones por parte de lso tres protagonistas principales son grandiosas, sus interpretaciones ayudan bastante a identificar los problemas que cada uno tiene. La edición es bastante ágil, cambiando entre escena y escena, eliminando los tiempos muertos, aunque tal vez dejando unos cuantos detalles al aire. La fotografía está bien adaptada y cumple con los requisitos dependiendo del género que esté siendo proyectado en pantalla.

Dilapidada y etiquetada de pretenciosa por algunos, incomprendida por otros, es un hecho que esta película no será fácil de ver para la mayoría. La mejor postura en que uno puede verla es con la mente alerta para todo lo que ocurra, y estar preparado para ver una obra cinematográfica muy particular.

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Paris by night of the living dead

En medio de un apocalipsis zombi, una pareja decide contraer nupcias, prometiendo en sus votos el librar a su alma gemela de la plaga que los rodea en caso de ser necesario; en plena ceremonia, los muertos vivientes atacan al cura y los recién casados deberán limpiar su camino para escapar con vida, acabando con cuanto zombi se les atraviese.

Corto de 12 minutos de duración, Paris by night of the living dead es una joya francesa del 2009 que ofrece dosis de acción, "romance", muertos vivientes y humor negro, todo mezclado para ofrecer un producto que destaca a plenitud en todo momento. La historia no es quizás lo más sobresaliente, el concepto es bastante simple pero para lo que el filme propone es más que perfecto.

La fotografía y los efectos especiales destacan junto con la música; los zombis se encuentran bien maquillados, y aunando a esto el uso apropiado de la computadora para post-producción, se construye un mundo "creíble".

Cortometraje muy recomendado si disfrutan del género zombi.

CORTO SON SUBTÍTULOS EN ESPAÑOL

Martha Marcy May Marlene

Martha es una joven que huye de una casa donde habitaba una especie de secta con prácticas que abusaban de sus integrantes femeninas. Al llegar a la civilización, la mujer busca cómo refugiarse con su hermana. De ahí en adelante, su pesadilla comienza, pues intentará incorporarse nuevamente a la vida normal, pero los recuerdos del pasado no pararán de perseguirla y arruinarle su percepción del mundo, sumiéndola en paranoia.

El desarrollo es lento, la historia va cambiando entre la vida actual de Martha y las experiencias que tuvo en el grupo. La edición es la encargada de marcar la diferencia entre el presente y el pasado, facilitando saber en qué momento se encuentra la protagonista. Esta fórmula empleada para desenvolver los acontecimientos es el ingrediente principal para desarrollar a los personajes y para contar los sucesos apropiada e inteligentemente.

La actuación de Martha corre a cargo de Elizabeth Olsen, quien ofrece una gran interpretación y muestra una faceta muy diferente a la que solía exhibir años atrás; con Silent house (versión estadounidense de la espectacular La casa muda), y otros proyectos cercanos que está terminando, la gemela busca demostrar que puede levantar su carrera nuevamente y con la actuación de esta película, está más que demostrado que es muy capaz de hacerlo.

Drama sicológico con un final que caracteriza el cine independiente, Martha Marcy May Marlene es un largometraje que no ofrece ni giros repentinos, ni un clímax trepidante que mantendrá al espectador al filo del asiento, pero sí proporciona una narrativa bien elaborada como pocos trabajos hacen. Muy recomendada si les gusta el cine independiente.

There's no such thing as dead or alive; we just exist

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Mr Nobody

Protagonizada por Jared Leto (conocido por algunos como el vocalista de 30 seconds to Mars, y por otros como el protagonista de Requiem for a dream de Darren Aronofsky), Mr Nobody es un filme que relata cómo un longevo Nemo Nobody, el último mortal en un mundo donde las células humanas pueden ser regeneradas, cuenta las experiencias de su vida a un reportero, el problema yace en que Nemo no es del todo coherente con la historia de su vida, pues narra múltiples versiones que incluyen diferentes esposas y decisiones (todas tomadas al mismo tiempo), e incluso su propia muerte.

La premisa es atractiva, pues se contempla las opciones que uno posee en la vida, así como las devastadoras consecuencias que puede acarrear una "pequeña" decisión, llevando a reflexionar la clásica frase: sólo se vive una vez. No obstante, la justificación que explica el entretejido y complicado relato es del tipo controversial, pues a pesar de que si le otorga sentido a lo sucedido, también le proporciona al filme una etiqueta muy pretenciosa que no dejará satisfechos a algunos.

Con una edición que puede complicar la comprensión y separación de los diferentes arcos que componen el relato,  y buenas interpretaciones, Mr Nobody es un filme original que destaca por su historia, pero ésta misma es también la causa de que la gente la etiquete de presuntuosa.

I can predict my every reaction.

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