Irreversible

Cuando esta película salió en el 2002, fue un centro de polémica por su fuerte contenido visual. Irreversible es narrada al estilo de Memento (hecha en el año 2000 por Cristopher Nolan, mejor conocido actualmente por ser el director de The Dark Knight), a la inversa, siendo la primera escena lo que sería la última de la película, y la última escena lo que sería el principio.

La película comienza con unos movimientos de cámara que tal vez mareen a más de una persona, pero este modo tan violento de mover los ángulos visuales tiene un porqué, ya que transmiten el sentimiento de caos que los personajes viven en ese instante. El brutal asesinato que se presencia en los primeros minutos deja a los espectadores sin habla, pensando por qué sucedió algo así. Conforme los minutos transcurren, los detalles se van revelando y uno comprende el motivo por el que acontece tal acto lleno de cólera e irracionalidad.
Los movimientos de cámara se suavizan conforme las escenas se acercan más a lo que sería normalmente el inicio de la película, pues estas partes se dedican más a informarnos sobre el porqué del violento "principio" y a darnos cuenta de cómo la vida puede cambiar en cuestión de minutos.
Con grandes actuaciones (incluyendo a Monica Bellucci), escenas extremadamente fuertes, explícitas y no aptas para todo público, un estilo de narrativa y de cámara inusual, y una fotografía que se adapta a las situaciones, Irreversible es una historia triste que vale la pena ver.

Time destroys everything.

Lady snowblood 2 Love song of vengeance

Después del final de Lady snowblood, uno pensaría que una segunda película es imposible, pero no. Filmada un año después de la magistral primera parte, esta historia sitúa a Yuki en un ambiente donde los problemas políticos están al rojo vivo, y donde ella es perseguida y cazada como un animal.
Al ver esta segunda entrega, uno se convence de que solamente la primera parte fue de las encargadas para inspirar a Quentin Tarantino en la realización de Kill Bill. La calidad de esta película es muy inferior y carece de un fuerte argumento que justifique la venganza que se lleva a cabo.
Es verdad que la trama de la parte uno fue simple, pero el desarrollo de los personajes estuvo bien hecho y la película contaba con todos los elementos para convertirse en el clásico que se volvió. Esta segunda no consigue desarrollar a plenitud la historia, que parece que fue escrita simplemente para llevar al personaje de Lady Snowblood de nuevo a la pantalla sin importar la calidad del guión, ya que Yuki Kashima (interpretada de nuevo por Meiko Kaji) parece quedar relegada a segundo plano por los problemas políticos.
Si uno ve esta película esperando un largometraje de la misma calidad que el primero, se llevará una enorme decepción. Pudieron haber hecho algo mejor con Shurayuki-hime 2, pero no fue así, desperdiciaron la oportunidad.

Marathon man

Dustin Hoffman ha protagonizado muchas películas que con el paso de los años se han convertido en clásicos (Straw dogs, The graduate, Kramer Vs Kramer). Marathon man, de 1976, quizá no es tan reconocida por algunos, pero es un film de suspenso que definitivamente ha influenciado a las películas actuales.

La trama presenta en un principio dos historias sin aparente relación, un estudiante de universidad que escribe su tesis y que desea correr el maratón (Hoffman) y un empresario que ve como poco a poco todos sus contactos son asesinados, impidiéndole avanzar en sus negocios. La vida de cada uno va transcurriendo por separado hasta que finalmente se unen y desencadena una serie de eventos que mantendrá al espectador atento al filme hasta el final.
Algo que es digno de reconocer de Marathon Man es la técnica empleada en la filmación, en múltiples ocasiones la cámara tendrá un ángulo subjetivo, alertando que algo va a suceder y manteniendo el suspenso latente. Ciertas escenas se han vuelto de culto en el cine, como la del inicio, cuando dos señores pelean desde sus vehículos, la de la persecución, y otras que transcurren en un "consultorio dental" improvisado. La película maneja un buen crescendo, empero, el final decae un poco y no está tan dramático como uno esperaba, pero aun así no es malo, sólo un poco anticlimático.
Recomendada para quienes quieran ver un buen thriller con elementos de suspenso, acción y espionaje.

Is it safe?

Hellraiser (1 y 2)

Muchos probablemente conozcan a Pinhead de Hellraiser (al menos en foto), y no es para menos, ya que el personaje es un clásico del cine de terror. Lo que muchos no saben es que las dos primeras entregas de la larga saga (son 8 hasta ahora) de Hellraiser, Pinhead no era más que alguien que complementaba la trama y no el foco de la historia (incluso en la primera parte se le conocía nada más como Lead Cenobite, y no por su nombre actual).

La primera película trata sobre Frank, un hombre obsesionado con averiguar lo que oculta el rompecabezas de la caja que conjura a los Cenobitas; cuando finalmente alcanza su cometido, sufre una trágica muerte, durante la cual se puede apreciar una escalofriante y memorable escenografía. Después de esto, Frank consigue salir del infierno de los Cenobitas de una manera poco usual, y regresa para sembrar el miedo entre sus antiguos familiares, mientras hace lo posible por huir de la amenaza de sus antiguos captores. Este filme destaca por mucho en su historia y el maquillaje tanto de los Cenobitas como del malformado Frank.
El segundo filme comienza exactamente donde el primero termina, dándole una auténtica continuidad a la historia. No obstante, debido a que uno de los actores principales de la primera parte se negó a salir en ésta de última hora, la trama sufrió graves consecuencias a causa de una apurada reestructuración del guión, dejando la trama algo débil y sin la consistencia de la uno. El principal ingrediente de esta película es el aspecto visual, ya que no sólo el maquillaje de los Cenobitas sigue siendo excelso, sino que los escenarios que utilizaron para representar el infierno son únicos (y recuerda por partes a los dibujos de M.C. Escher) y están bastante bien realizados. Como aditamente de esta segunda película, se detalla un poco sobre como Pinhead llegó a ser el individuo que es.
A partir de la tercera parte de Hellraiser, Pinhead toma más relevancia y se vuelve el foco central, y es enconces cuando todo parece tornarse en muertes sin sentido. Para muchos fanáticos de las dos primeras películas, la dos debió haber sido el final absoluto de la saga, pues le da un colofón adecuado a cada uno de los personajes.

It is not hands that summon us. It is desire.

Shadow of the vampire

Basada en la filmación de la mítica Nosferatu de 1922, Shadow of the vampire, del 2001, ofrece una visión extraña sobre la realización del clásico filme de los años veinte. Cuenta con las espectaculares actuaciones de John Malkovich y Willem Dafoe (quien gracias a esta interpretación, fue que lo contrataron para hacer del duende verde en Spiderman). Malkovich encarna al director de Nosferatu, Friedrich Wilhelm Murnau, quien se encuentra obsesionado por realizar una obra maestra en el cine; Dafoe intepreta de manera increíble a Max Schreck, personaje que a su vez, en la película, hace el papel del vampiro Orlock.

El filme comienza tranquilo, uno podría creer incluso que se encuentra bastante apegado a la realidad; pero conforme Murnau es seducido por su obsesión, y Schreck lleva su interpretación a los límites hasta el punto de hacer dudar si es humano en realidad, la trama se torna diferente y oscura, liderando hacia un extraordinario final que tal vez pocos esperen.
La fotografía y la dirección del largometraje son bastante buenas, en especial en las escenas donde Orlock aparece, donde el juego de iluminación propicia que el vampiro ostente una apariencia más siniestra y maligna.
Una película recomendada para quienes gusten del cine de arte y los vampiros.

If it's not in frame, it doesn't exist!

[Rec] 2

[Rec] fue una película que levantó mucha expectativa. La película trata sobre un una reportera y su camarógrafo que filman un documental sobre los bomberos, cuando de repente todo se sale de control y una epidemia empieza a convertir a la gente en una especie de zombi; todo esto, desde el punto de vista del camarógrafo. A grandes rasgos, de eso trató la primera parte (que a algunos no gustó por la gran cantidad de gritos y sangre que llenaba el filme), que fue bastante buena e introdujo al mundo del cine a Manuela Velasco.

La continuación, debido al éxito de la primera y al final que dejaba varias cosas inconclusas, era un hecho. [Rec] 2, trayendo el mismo formato de filmación que su antecesora, le tenía asegurado un séquito de seguidores que la verían en los cines apenas saliera, pero no por ello tendrían asegurado, una entrega de igual calidad que la primera.
El único apartado donde [Rec] 2 superó a [Rec] es que ahora se puede ver lo que acontece desde el punto de vista de varias personas, y lo hacen de manera justificada, lo cual da una nueva perspectiva a la película. En tanto a historia, el filme intenta ser mejor, pero en realidad sólo empeoró; hay dos relatos, el del equipo que entra a investigar, y el de unos niños entrometidos (siendo la peor parte de todo, pues sus actuaciones son mediocres y su forzada intervención, ni qué decir; se ve que los escritores no buscaron cómo llenar el tiempo). Un elemento que intentaron utilizar bien pero les salió contraproducente, es transmitir la sensación de caos a través de la vista de la cámara; abusaron del recurso y lo explotaron de un modo que el espectador no tiene ni la menor idea de qué está sucediendo porque todo está absolutamente oscuro y fuera de foco, plagado de gritos y sombras que no permiten siquiera imaginar qué sucede. La única parte decente del filme son los últimos minutos, donde puede rememorarse y revivir la verdadera tensión que causó [Rec].
Probablemente muchos estén en desacuerdo con esta crítica y digan que la película esté buena, debido a un contado número de escenas que valen la pena y al terror que pudiera ocasionar la primera mitad.

Dagon

El director Stuart Gordon es fan de H.P. Lovecraft, de eso no hay duda; en 2001 dirigió la película de Dagon, que es la combinación de dos relatos cortos de Lovecraft: Dagon y The shadow over Insmouth, siendo este último el relato más dominante del filme. El resultado es una historia que dejará satisfechos a los que gusten de las películas de terror que se apoyan mucho en la ambientación.
Todo empieza cuando un cuarteto de vacacionistas en un barco choca contra una roca, lo que obliga a dos de ellos a ir a la costa más cercana a pedir ayuda. Esto solamente desatará un encuentro con lo desconocido, que llevará a cada uno a sus límites, con tal de buscar un modo de sobrevivir en esa tierra de monstruos extraños.
El pueblo donde fue filmada la película realmente contribuye con sus escenarios a crear una atmósfera lúgubre, al igual que sus peculiares habitantes (quienes ofrecen una buena mímica en sus interpretaciones) y sus grotescos parecidos con seres marítimos. El ritmo de la narración al inicio es muy bueno y mantiene al espectador interesado y atento a lo que sucede, pero pasada la mitad, el crescendo se estanca levemente. El punto débil de Dagon, que tal vez no agrade a muchos, es el final, que tiene tintes poéticos y es un poco anticlimático.
Hay un guiño muy claro a Reanimator, pues el protagonista se parece físicamente a Herbert West y cuenta con una camisa que dice Miskatonic, el pueblo donde Reanimator se desarrolla.

Two possibilities

Poltergeist

Uno de los clásicos del terror de Estados Unidos es sin lugar a dudas Poltergeist. Steven Spielberg y Tobe Hooper (The Texas Chainsaw Massacre de 1974) trabajaron juntos para crear esta historia de fantasmas que ha pasado a la historia no tan solo por las actuaciones, los efectos especiales y el desarrollo de la trama, sino también por la cantidad de leyendas urbanas que se han creado en torno a ella, y el resto de la trilogía (al menos un actor murió después de cada entrega, después de la uno fue Domique Dunne, en la dos fueron Julian Beck y Zelda Rubinstein, y en la tres fue la protagonista principal, Heather O´Rourke).
Claramente se puede notar en esta película que Hooper no pudo dirigir completamente según su estilo (con excepción de los últimos minutos de la película), pues continuamente uno se topa con escenas que expresan la relación familiar y el amor entre los personajes (momentos clásicos en todas las películas de Steven Spielberg, y que en el caso de Poltergeist, daña claramente la tensión y el miedo que pueda ocasionar la película en el espectador). De hecho hay los rumores de que Spielberg estuvo metiéndose en la dirección de Hooper, quien por motivos de producción, no tuvo de otra más que aguantarse y acatar dichas órdenes.
Con buenas actuaciones y una dirección admirable (aunque Spielberg haya mancillado ciertas partes con sus intromisiones), este largometraje cambió la perspectiva sobre cómo hacer filmes de casas embrujadas, gracias a los efectos especiales y los sucesos que ocasionaban los supuestos seres espectrales. Recomendada para los amantes del terror y los clásicos.

They're here

Tideland

Director y escritor de la última película donde aparece Heath Ledger (The Imaginarium of doctor Parnassus), Terry Gilliam se caracteriza por hacer proyectos cineastas fuera de lo normal. Entre sus películas más reconocidas están Fear and loathing in Las Vegas (Miedo y asco en las Vegas) con Johnny Depp, la clásica Twelve Monkeys (Doce monos) con Bruce Willis y Brad Pitt, y Brazil.
Tideland es un filme que muchos podrán encontrar lento, e incluso aburrido (el mismo Gilliam al inicio, argumenta que muchos odiarán la película), pero si logran disfrutar de la primera hora de la película, se encontrarán con una obra original que presenta la cruel perspectiva del mundo en que vivimos de un modo muy particular, a través de los ojos de una inocente niña. Varios de los eventos del largometraje son bizarros y fuertes, pero el estilo en que se presenta minimiza un poco el impacto que ocasionan las imágenes, aunque no por ello deja de ser controversial.
La película cuenta con la actuación de Jodelle Ferland, (apareció en la miniserie Kingdom Hospital de Stephen King como el espíritu de la niña Mary, y también en la película de Silent Hill), quien interpreta perfectamente a Jeliza-Rose, una niña sin amigos que tiene que recurir a su imaginación, y cuatro cabezas de muñecas, para tener compañía.
Con una dirección y una fotografía muy cuidada, escenarios tanto coloridos como oscuros, una historia de lo más inusual, muchos ángulos de cámara inclinados (que sin lugar a dudas dan un matiz diferente a las tomas) y un par de escenas que el espectador probablemente no olvide en un tiempo, Tideland representa una buena opción para aquéllos que gusten de un cine diferente y artístico.

Revolver

Este filme del 2005 es una combinación de película de mafiosos, cargada con matices psicológicos, y una pequeña incluencia de Fight club (El club de la pelea) y Ocean´s Eleven (La gran estafa). Sí, la mezcla suena rara, y no es para menos; la película empieza con un desarrollo sencillo pero gradualmente se va complicando, hasta convertirse en un completo rompecabezas nada fácil de interpretar.
Este largometraje ha sido dilapidado por varias personas, que argumentan que es una basura debido a lo complicado de la historia. A esto, añádanle el trailer, que pinta un filme totalmente diferente, provocando con esto que muchos se decepcionen al verlo.

Pero haciendo a un lado todos los puntos en contra que la gente pinta contra Revolver, es un gran filme en realidad. Se encuentra protagonizada por Jason Statham (mejor conocido por sus papeles en Le transporteur o el Transportador y Crank), quien interpreta un personaje que quizá sea difícil de definir, debido a las muchas facetas que adopta. La dirección corre a cargo de Guy Ritchie (mejor conocido por muchos como el ex esposo de Madonna), quien también escribió la historia. La fotografía y las tomas de Revolver son realmente algo digno de admirar, pues van en acorde con cómo se desarrollan las escenas.
Si eres de las personas que les gusta las películas raras y para pensar, ésta es definitivamente la opción.

One thing I've learned in the last seven years: in every game and con there's always an opponent, and there's always a victim. The trick is to know when you're the latter, so you can become the former.

À l'intérieur

Conocida en inglés como Inside, y en español como Al interior, À l'intérieur es una película francesa de terror del 2007 no apta para gente sensible. La premisa del filme es muy simple, una mujer a punto de dar a luz, a 4 meses de haber sufrido un accidente automovilístico, es acosada por una maniática que desea el bebé que está por nacer. La verdad la trama no dice mucho, pero el suspenso creado durante buena parte le da a este largometraje mucho valor.
Habrá quienes vean esta película y lo primero que dirán es que se trata de gore sin sentido, de secuencias sádicas y gráficas cuyo único propósito es producir asco en el espectador, pero À l'intérieur se defiende bastante con la atmósfera que crea, siendo algo más que una película que solamente se dedica a mostrar escenas sangrientas sin parar.
El filme cuenta con un par de detalles que le restan puntos y hace pensar "¿Por qué pasó esto? Es ridículo", pero se pueden pasar por alto si uno no se preocupa demasiado por nimiedades, que incluso, son clásicas en el cine de terror. El soundtrack que acompaña al filme y ciertas técnicas de edición utilizadas en los momentos clave, dan una puntada adecuada a la historia.
Dirigida por los debutantes Alexandre Bustillo (quien escribió la historia) y Julien Maury, con apenas 83 minutos de duración, esta película es recomendada para quienes gusten de las escenas explícitas (en especial el final, que realmente, nadie lo espera) y un buen filme de suspenso y terror.

Trainspotting

Hecha en 1996, hay quienes la llaman la Naranja Mecánica (Orange Clockwork, una de las obras maestras de Stanley Kubrick) de los noventas. No sería justo hacer la comparación entre las dos películas, ya que Orange Clockwork es la odisea de un solo hombre mientras se reforma, en cambio Trainspotting es la historia de un hombre que pelea por sobrevivir a las amistades que mal encaminan su vida.

Hecha con un estilo dinámico y con un soundtrack orientado a la juventud, Trainspotting forma parte de las clásicas películas de drogas donde se retrata el mundo en el que los adictos viven. Empero, la película no es "una más" del género; los tintes de humor negro, las extravagantes personalidades de los personajes y la edición le dan un estilo diferente.
Mark Renton (interpretado por Ewan McGregor) es un joven que intenta salir del mundo de las drogas. Al principio del filme es tan notorio el profundo grado al que llega su adicción, que el espectador presenciará una escena que posiblemente le provoque asco, y lástima. La lucha contra su adicción cambiará pronto por los problemas que sus amigos le acarreen cuando Mark intente llevar una vida normal.
Con escenas fuertes, filmada solamente en siete semanas y media, Trainspotting es una opción viable para quien desee ver un drama alternativo combinado con humor negro.

We called him Mother Superior on account of the length of his habit.

Clash of the Titans (Furia de Titanes)

Con una nueva versión en puerta para el 2010, Clash of the Titans de 1981, narra la historia de Perseo en su cruzada por salvar a su amada Andrómeda de una muerte segura. Esta película cuenta con un amplio reparto de personajes mitológicos, tales como Ortro, Medusa, Caronte, Kraken y Pegaso; también aparecen los dioses del Olimpo (Zeus, Afrodita, Tetis, Hefesto, Palas Atena, Poseidón, Hera), cumpliendo su misión de mover las piezas en el mundo cuando sea necesario.
La escenografía utilizada es bastante buena, y los efectos especiales se encuentran basados, como todo lo hecho durante su época, en maquillaje y Stop motion. La historia es entretenida y narra como Perseo, con la ayuda de los dioses, va avanzando en su odisea, seguro de cumplir su cometido, su destino.
La escena en que Perseo enfrente a la Medusa es lo mejor del filme; el suspenso sostenido durante esta batalla es magnífico, así como la morada de la Medusa y la iluminación del lugar.
Recomendada para todos aquellos amantes de la mitología y películas fantásticas que deseen ver un clásico de este género, y que no sean exigentes con los efectos especiales.

Release the Kraken

Walled in

El trailer de este filme hace parecer que el tema principal es el terror, pero la realidad es otra. La primera mitad de la película se ve un desarrollo enfocado a fantasmas torturados por un cruento final a su vida humana; se le hace guiños a algunas otras películas de terror y suspenso como Psycho, Evil Dead y A Nightmare on Elm street (Pesadilla en calle del infierno). Incluso se puede notar una ligera influencia de Silent Hill en ciertas escenas (y quizá una referencia muy general al apellidar Sullivan al supuesto asesino).

Empero, todo se desmorona a la mitad, cuando el factor terror es tirado por la borda brutalmente y se da un giro a la historia que en vez de ser para bien, es para lo peor. El filme pasa a imitar burdamente un concepto de The silence of the Lambs (El silencio de los inocentes). Es enconces cuando el relato interesante tema de un extravagante arquitecto se transforma en un pobre drama sobre la obsesión. Las actuaciones no son de lo mejor, y de los huecos en la historia ni qué decir. El final simplemente termina de coronar el mal giro que todo toma.
En resumen, no vean esta película esperando que se ponga mejor o se componga al final, porque sólo terminarán más desilusionados de lo que acabarán por el simple hecho de verla. Una mala producción.

This one he called his masterpiece.

Ed Wood

Johnny Depp y Tim burton han colaborado varias ocasiones y en esta película de 1994 dedicada al denominado el peor director de todos los tiempos, ofrecen un filme bien ambientado y que hace honor a Edward D. Wood Junior.

Ed Wood como se le conoce normalmente a este director, obtuvo fama cuando al poco tiempo de su muerte se le declaró el peor realizador de películas de la historia. Contrario a dilapidar su nombre con este título, el director ganó una fama inmensa y sus obras se volvieron de culto. Fue gracias al coraje de Wood a la hora de hacer sus extravagantes largometrajes que llevó a muchos a seguir sus propias convicciones, dando nacimiento al llamado cine B; de este cine han aparecido directores actuales que, o se iniciaron en este género o son grandes admiradores de él (Peter Jackson, Quentin Tarantino y hasta el mismísimo Tim Burton, por citar unos cuantos).
La película fue filmada en blanco y negro (hay quienes claman que esto se debió a que los envueltos en la realización no imaginaban a uno de los personajes, Bela Lugosi, a colores) y cuenta con un estilo que varía de la narrativa y fotografía a la que Burton tiene acostumbrado, por lo que muchos de sus fans diferiran con los críticos de cine que catolagan ésta como la mejor película de Tim. Johnny Depp (Ed Wood) y Martin Landau (Bela Lugosi) son una muestra del espectacular reparto que interpretó a sus personajes de manera grandiosa.
La historia contiene tintes de drama y comedia, y gira en torno a tres de los filmes más famosos de Ed Wood, Glen or Glenda (de las películas más raras en la historia del cine), Bride of the Monster y Plan 9 from outer space (considerada la peor película de la historia por algunos). También hay el pequeño cameo de una de las primeros filmes de zombies que hubo, protagonizada por Lugosi: White Zombie.
Recomendada para aquél que quiera conocer un poco más sobre el famoso Ed Wood, y quienes quieran deseen ver un trabajo distinto, y muy bien realizado, de Tim Burton.

Pull the strings! Pull the strings!

The call of Ctulhu

Los admiradores de las historias de H.P. Lovecraft siempre han dicho que pocas veces se le ha hecho justicia a este escritor en el cine, que las adaptaciones que se le hacen son pobres o no se apegan a la novela original. The call of Ctulhu es una película que salió en 2005 que algunos consideran la mejor adaptación que se ha hecho a una narración de Lovecraft.
El formato del filme sin embargo, es poco convencional para algo actual, pues a pesar de ser del siglo 21, fue filmada como una película muda. A pesar de durar 47 minutos, la narración se encuentra bien estructurada y pareciera que dura más tiempo por la cantidad de cosas que acontecen. Las actuaciones y la fotografía del filme, así como las técnicas de cámara, la música y los efectos especiales, sí hacen pensar al espectador que se encuentran viendo una vieja obra cinematográfica.
La productora de este nuevo formato es HPLHS (H.P. Lovecraft Historical Society) y actualmente se encuentran produciendo una nueva historia del escritor: The whisperer in Darkness.
Altamente recomendada para quienes quieran ver una adaptación diferente de las historias de Lovecraft, o para quienes deseen ver un filme de terror relativamente nuevo con toda la pinta de ser antiguo.

Re-animator

Considerada un clásico del terror y cine de culto, Re-animator, de 1985, narra la historia de Herbert West (interpretado magníficamente por Jeffrey Combs), un brillante aspirante a doctor con una obsesión que lo consume: derrotar a la muerte, revivir a los muertos. El personaje está planteado de una manera maligna, de tal forma que Herbert hará hasta lo increíble para alcanzar los propósitos de su investigación, inclusive matar.
La historia se encuentra basada vagamente en uno de los relatos (Herbert West Re-Animator) del famoso escritor Howard Phillips (H.P.) Lovecraft. El largometraje contiene un pequeño segmento con una mezcla de terror y comedia que tan famosa hiciera Evil dead II. Los efectos especiales son lo que uno podría esperar de la época, contienen un poco de gore, y lucen bastante bien (habrá por tanto quienes encuentren varias escenas asquerosas). La escena que va antes del extraordinario intro (cuya canción es muy parecida al tema de Psycho) es el prólogo perfecto para el resto de la película. Algunos dirán que este filme recuerda a Frankenstein de Mary Shelley, y no es para menos, Lovecraft se basó en esa historia para concebir la suya.
La película cuenta con dos secuelas, Bride of the Re-animator y Beyond Re-animator que desgraciadamente no se encuentran a la altura de la primera, pero vale la pena ver si les gusta la primera. El director de las tres primeras, Stuart Gordon, se encuentra planeando otra secuela, House of the reanimator, para el 2010, que al menos contará con Combs interpretando a Herbert de nuevo.

I gave him life

Paranormal Activity

En 1998 fue Incident in Lake County, en 1999 fue Blair Witch Project, y de ahí, otras tantas como Rec y Cloverfield han seguido la fórmula de rodar películas desde el punto de vista de una persona que filma los acontecimientos. Paranormal Activity se enfoca en una pareja que intenta averiguar a qué se deben los extraños sucesos que ocurren en su casa.
La atmósfera creada durante el filme es única, sin necesidad de recurrir a sangre o violencia, se construye el ambiente lleno de tensión. Lo interesante de esta película es que no cuenta con un soundtrack, por lo que no hay música que ayude al espectador a prever cuando sucederá algo, manteniendo el suspenso durante varios minutos en ocasiones.
Originalmente fue hecha en el 2007, y pasó por una odisea para ser distribuida en los cines hasta este 2009. Fue hecha en una semana y con un escaso presupuesto, recuperando su inversión en cuestión de días y pasando a formar parte de la hilera de filmes que una vez más demuestra, que no es necesario tener efectos especiales extraordinarios ni actores de renombre para hacer un trabajo digno de recordar. Cuenta con tres finales, siendo uno recomendado por Steven Spielberg (lo que no implica que sea el mejor como algunos piensan; uno de los finales es trágico, el otro sorpresivo y el último es aterrador, por lo que habrá quien prefiera un final al otro). Recomendada para quienes quieran pasar un rato lleno de suspenso y deseen ver una película que quizá les recuerde a Blair Witch Project o Incident in Lake County.

What is your quest? What is your favorite color?

Dementia (Daughter of horror)

1955 fue el año que apareció Dementia, también llamada Daughter of horror. No obstante, la película fue censurada en algunos lugares durante tres años, y no fue sino hasta 1958 que vio la luz en los cines.
El filme explora la mente de una mujer que ha cruzado la línea entre la cordura y la locura. Dominada por los errores de su pasado, vive en una pesadilla constante y sin fin. El desarrollo de la historia empieza cuando ella se levanta en medio de la noche, y desde ese momento, una cadena de sucesos extraños y sin sentido aparente empieza a acontecer.
La fotografía es estilo Noir, con mucho alto contraste en los tonos. Los matices de surrealismo forman el plato fuerte, pues en ellos se apoya el pasado de la torturada mente de la mujer. La música instrumental que acompaña toda la película suple con dignidad la ausencia de diálogos en los personajes (sólo se escucharán risas y lamentos si acaso, no más).
Existen dos versiones de Dementia, una con narrador y otra sin éste. El narrador interviene no más de siete ocasiones en la historia, complementando lo que sucede en la escenas y ayudando a comprender el significado de las acciones. Sin lugar a dudas, ver la versión sin narrador cambia el punto de vista de muchas cosas y deja más a la imaginación del espectador.
Con escasos 55 minutos de duración, una historia rara, y un reparto prácticamente desconocido, Dementia es una buena opción para aquéllos que quieran ver otro tipo de cine psicológico y surrealista.

This is my world. Let me lead you into it. Let me take you into the mind of a woman who is mad.

Antichrist

Escritor y director de la serie (Riget) que inspiro el Kingdom Hospital de Stephen King, Lars Von Trier es un director europeo cuyas películas son siempre una experiencia poco convencional y difícil de olvidar. Entre sus obras más conocidas podría citarse Dogville, protagonizada por Nicole Kidman y filmada como si fuera una obra de teatro.
Antichrist cuenta con la participación de Willem Dafoe (Green Goblin en Spiderman 1) y Charlotte Gainsbourg, que en la película simplemente se les conoce como Él y Ella. El filme trata sobre una mujer que intenta superar el trauma de perder a su hijo, recibiendo la ayuda de su esposo, un terapeuta. La historia se divide en capítulos, siendo cada uno una etapa del "tratamiento" que la mujer recibe. No obstante, conforme todo se desarrolla, se van revelando secretos sobre Ella que hacen la trama más complicada e interesante, convirtiendo una simple terapia en una pesadilla. El factor surreal que ronda toda la película está compuesto de escenas lúgubres y realmente extrañas que suceden en el bosque, que añaden un montón de posibles interpretaciones para terminar de complementar y comprender el largometraje.
La película cuenta con una fotografía magistral basada en colores suaves, una ambientación absorbente e hipnótica, una edición poco común pero bastante buena, y varias figuras que aparecen sutil y rápidamente a lo largo del filme. Hay varias escenas fuertes que pueden afectar a personas sensibles, por lo que si ven Antichrist, estén preparados. Por sobre todo, este filme puede catalogarse como arte puro, no apto para todo mundo y definitivamente, uno de esos largometrajes que se queda en la mente del espectador aún cuando termina de verlo.

Chaos reigns

Drag me to hell (Arrástrame al infierno)

Después de Spiderman 3, Sam Raimi intenta volver a sus inicios, ese comienzo que tanta fama le dio, la trilogía de The Evil Dead. Mezclando una vez más comedia y terror, el director presenta este largometraje que puede dividir sus espectadores en dos partes: aquéllos que conocen la magnífica tercia de películas estelarizadas por Bruce Campbell, y aquéllos que no.
Será imposible para el primer grupo evitar hacer una infinidad de comparaciones, pues varios detalles usados en el pasado son repetidos nuevamente aquí, pero con la desgracia de que Alison Lohman no consigue transmitir el sentido de comedia que Campbell sí; aparte de que la mezcla entre horror y risas no fue bien manejada, siendo una combinación que en ocasiones parece hecha al azar. El segundo grupo verá una película de terror con escenas que probablemente encontrarán "fuera de lugar".
Pero no por lo dicho anteriormente la película es mala, pues cuenta con una banda sonora adecuada, unos ángulos de cámara precisos, buenos efectos especiales, una historia decente, y un final, que para ser una película salida de Hollywood, es de lo mejor (aunque cuenta con un pequeño detalle que le resta créditos).
Recomendada para quienes quieran ver un poco del viejo estilo de Sam Raimi y quienes deseen ver una película de horror diferente, con unos cuantos momentos que quizá pueda recordarles otro clásico del cine de terror: El día de la bestia (1995).

Inglorious Basterds (Bastardos sin gloria)

Más de diez años le tomó a Quentin Tarantino completar el guión para esta película cuya idea concibió desde que termino con Pulp Fiction (Tiempos Violentos) en 1994. Para cuando el proyecto de Kill Bill empezó, casi todo estaba listo, pero no había un final en concreto, por lo que la película quedó pendiente. Ahora, en 2009, y después de haber sido reeditada (durante su proyección en Cannes algunos dijeron que estaba muy lenta, por lo que el director modificó varias escenas) por fin ve la luz en los cines y demuestra que la espera valió la pena.

La violencia contenida está bien medida, pues cuando se presenta algo con imágenes fuertes sale el tiempo justo, ni muestra mucho, ni muestra poco. La edición es espectacular, en particular durante las ya clásicas escenas de pistolas y asesinatos a sangre fría que Tarantino siempre incluye en sus películas. El estilo del director está por demás marcado durante todo el filme, incluyendo el humor negro cada que puede y sus recurrentes y largas escenas de charla que aparentemente llevan a ningún lado pero que finalmente concluyen en algo importante. Otro factor que muchos reconocerán es la música, siempre cargando con aires antiguos.

Para quienes vayan a ver la película pensando que los Bastardos van a estar masacrando nazis durante las dos horas y media que dura, se llevaran una decepción, ya que no todo gira en torno a sus asesinatos, y hay otros personajes que se verán envueltos en la trama.
Existen ciertos parecidos con Kill Bill, como el hecho de que la película se encuentra dividida en capítulos, las tomas de cámara desde el cuerpo de alguien que esta tirado en el piso, y que Mélanie Laurent por la forma en que está arreglada recuerda mucho a Uma Thurman como Beatriz Kiddox.
Cinematográficamente, la película es muy buena (en especial la última escena del cine), y demuestra que los años sólo han pulido a Tarantino. Para quienes gusten de este director y hayan disfrutado sus proyectos anteriores como Reservoir Dogs (Perros de reserva), Pulp Fiction y kill Bill, ésta no los decepcionará.
Como nota final, cabe destacar que una vez más gracias a Tarantino una película es redescubierta. El primer ejemplo es Lady Snowblood, que inspiró Kill Bill, y ahora es Quel maledetto treno blindato, una película italiana de 1978 llamada en inglés Inglorious Bastards (Inglorious Basterds no es un remake de ésta).

The German will be sickened by us, the German will talk about us, and the German will fear us.

Sukiyaki Western Django

Takashi Miike es un director japonés que se caracteriza por hacer películas de todos los géneros, yendo desde filmes surrealistas como Gozu hasta los más bizarros como Bijitâ Q. Entre sus obras más conocidas figuran Ôdishon (Audition) y Koroshiya 1 (Ichi The Killer). Sukiyaki Western Django contiene elementos que la hacen única en tanto a la historia: dos grupos de bandidos japoneses que disputan un tesoro escondido, se ven interesados en un recién llegado cuyas habilidades con la pistola son únicas.

La película es entretenida y es algo diferente del género Western al que todos están acostumbrados, ya que combina las pistolas, espadas y ciertos detalles de la cultura oriental. Los colores empleados en la fotografía son variados en ocasiones, y una vez más, un director japonés recurre al uso del blanco y rojo (los de la bandera de Japón) como colores emblemáticos y representativos del filme.
La película cuenta con la participación efímera de Quentin Tarantino, interpretando un personaje que quizá arranque un par de sonrisas del espectador. Existen partes cómicas que hacen pensar si es necesario tomarse en serio la historia o no, pero la verdad eso es lo de menos, pues a pesar de todas las inconsistencias y exageraciones que se le puedan encontrar (los que ya hayan visto algo de Miike, sabrán a qué se está haciendo referencia), la película hace pasar un buen rato.

Recomendada para quienes quieran experimentar un poco con los Western (ver japoneses vestidos como vaqueros, usando espadas y disparando revólveres no es algo que se vea constantemente en películas) y conocer a un director de cine con una visión diferente sobre cómo hacer películas.

Session 9

Brad Anderson es un director (y guionista en ocasiones, como en este caso) que se caracteriza por construir las historias lentamente, juntar todos los detalles posibles que alimenten la trama para que al final todo culmine con un crescendo que hace que valga la pena toda la película. Session 9, Sounds like (Capítulo de la serie Masters of Horror, que muchos de los puristas catalogaron de basura porque no contenía gore, cuando en realidad el capítulo estaba más enfocado al aspecto psicológico) y más recientemente Transsiberian son claros ejemplos del particular estilo que matiza las películas de este director estadounidense.

Session 9, del 2001, es una película de terror psicológico poco conocida, pero no por eso menos interesante. Si algo se nota de inmediato es el espectacular y tétrico lugar en el que fue filmada: las paredes carcomidas y llenas de grafitis, viejos equipos que servía para tratar a los enfermos, estrechos pasillos derruidos por el tiempo y devorados por la oscuridad, los olvidados expedientes de los pacientes, iluminación tenue, una silla de ruedas abandonada en medio de la nada y un cementerio con lápidas marcadas sólo con números y no con nombres.
La historia trata sobre un grupo de limpieza que promete arreglar el edificio abandonado en un tiempo exageradamente corto, donde el poco apacible ambiente en el que se encuentran los trabajadores contribuirá a sacar a relucir detalles nada agradables de cada uno de los protagonistas. La historia se desarrolla aparentemente sin conducir al espectador a un final concreto, pues cada personaje es desarrollado y los eventos parecen suceder sin sentido. Sin embargo, en los últimos quince minutos todo cobra sentido y tal vez más de uno se quede con cara de "¿Qué fue lo que pasó aquí?" y no es para menos, el filme no es tan sencillo (no apto para todo público), y es que ésta es una de esas película que perdura en tu cabeza aun después de verla.
Los movimientos suaves de la cámara al recorrer los pasillos adentran al espectador al interior del lugar. La música que se cierne sobre las escenas contribuye a acentuar lo lúgubre del lugar.
Recomendada para aquéllos que gusten del cine de terror psicológico y las películas bien ambientadas.

I live in the weak and the wounded... Doc

Orphan

Esta película fue dilapidada por algunas personas, apenas salió este año, debido a que podía provocar que los índices de adopción disminuyeran gradualmente, pero eso es nada más llevar lo visto en pantalla grande a los extremos, la exageración.

Sorpresivamente, este filme es entretenido y solamente es mancillado al final por una serie de clichés que muestra que los escritores no encontraron otra manera de terminarla adecuadamente y complementar el buen giro que se le da a la historia en la última parte (se dice que el DVD traerá un final alterno, que muchos esperan sea mejor que el actual). Pero a pesar de esto, la película cumple con su cometido y consigue construir varios momentos de suspenso a lo largo de las dos horas y tres minutos que dura.
Isabelle Fuhrman, quien interpreta a Esther, hace un gran trabajo cambiando constantemente su semblante de niña dulce al de un auténtico demonio, en especial durante una escena en el hospital que mediante un juego de iluminación, se logra un interesante efecto. La historia se desarrolla con calma, presentando primero a los personajes y sus respectivas características, luego, poco a poco comienza a introducir los elementos de suspenso que permanecerán hasta el final.
Habrá quienes digan que aparte del final, el resto de la película está lleno de clichés (en especial si se ha visto muchos largometrajes pertenecientes al género de niños malignos), aunque sin importar eso, vale la pena darle una oportunidad y verla, ya que no siempre llegan a los cines películas de suspenso actuales y decentes.

..fetal movement. For sixteen days I carried...

Kakushi-toride no san-akunin (The hidden fortress)

Muchos la catalogan como la precursora de Star Wars, y muchos tal vez la vean pensando que tiene similitudes con la mundialmente famosa saga de George Lucas. En realidad, el único parecido que comparten The hidden fortress (la fortaleza escondida) y Star Wars, es el primer borrador que escribió George Lucas de su épica historia, que era una versión intergaláctica de este filme de 1958; más allá de esta característica, no existe motivo alguno para buscar semejanzas explícitas entre estos dos largometrajes, pues cada uno tiene su propio estilo y forma de desarrollarse.

Dirigida por Akira Kurosawa (quien colaboró también en el guión), mejor conocido por su película Shichinin no samurai (The seven samurai o Los siete samurai), The hidden fortress es la historia de una princesa que huye de un ejercito que quiere matarla. Escoltada por un general y un par de ayudantes engañados, los prófugos intentan llegar a un dominio donde la princesa podrá establecerse de nuevo y repuntar su reino.
La acción no es el ingrediente principal del filme, pues se centra más en la aventura del grupo mientras intenta arribar a su destino. Con tintes de comedia y drama, apoyada con grandes actuaciones y la escenografía adecuada que complementa la fotografía, esta película es ideal para aquéllos que gusten del cine clásico, y ni que decir de los seguidores de Kurosawa.
No hay que ver este largometraje esperando encontrar una montaña de similitudes con Star Wars, pues la decepción será gigante. El filme no es para todo público, ya que hay quien podrá encontrarla aburrida y lenta, pero quienes logren disfrutarla, encontrarán algo muy bueno.

Hide a stone among stones and a man among men

Psycho (Psicosis)

En 1960 Alfred Hitchcock sacó a la luz una película que marcaría época. Psycho, o mejor conocida en español como Psicosis, ha influenciado de manera vasta e interminable a múltiples filmes sobre asesinos. Basada en la novela breve (narrada en primera persona por sus personajes), del mismo nombre, del escritor Robert Bloch, esta historia presenta a un hombre perturbado por su pasado y que lidia contra sus demonios internos (es difícil dar una sinopsis más abundante sin estropear al espectador el relato.
El filme cuenta con un guión, mediante el cual, se le puede dividir en dos partes, antes y después de la ya conocida por todos, escena de la ducha. Hay quienes se preguntan qué ha hecho tan especial a este momento para que trascienda en la historia; en realidad, son varios factores los que convierten esa escena en mítica, como la edición, la fotografía, los simbolismos, y ni qué decir de la música que la compone.
La película cuenta con dos secuelas, Psycho 2 (1983), que transcurre veinte años después del final de la primera, y Psycho 3 (1986). Por supuesto, ninguna de las dos se compara a la original, a pesar de que Norman Bates, el personaje principal, sigue siendo interpretado por Anthony Perkins. En 1998 se le hizo un remake a la primera, el cual copió exactamente cada escena de la película, utilizando el mismo guión; como fue de esperarse, se despotricó ampliamente contra esta versión, catalogándola como innecesaria y desperdicio de dinero.
El largometraje de 1960 continúa vigente hasta el día de hoy, siendo exhibido en festivales y recomendado a todo amante del cine psicológico y de suspenso. La música, hecha con puro cuarteto de cuerdas, le da fuerza a varios momentos, el mise en scene compagina muy bien con la fotografía, y las magníficas actuaciones junto con la bien cuidada edición, convierten a esta película en lo que es, un clásico etiquetado como parte de las mejores películas en la historia del cine.

"Why, she wouldn't even harm a fly..."

Bin-jip (3-Iron)

Kim Ki-duk es un director coreano reconocido por el modo artístico en que dirige sus películas; Bin-jip, que salió en el 2004, no es la excepción a esa regla. El filme cuenta con una fotografía magnífica, un movimiento suave y fluido de la cámara, así como una historia poco usual, pero que sin lugar a dudas, transmite varios mensajes.
Nominada y ganadora de premios, la película trata sobre un hombre que irrumpe de casa en casa y vive en ellas como si fuera la suya, pero todo cambia cuando conoce a una mujer que vive un matrimonio diezmado por el irritante carácter del marido. La historia suena simple, pero por la manera en la que es contada, no lo es; el protagonista no habla y transmite todas sus emociones mediante expresiones faciales. Es impresionante como sin depender de los diálogos, Kim Ki-duk (quien también escribió, editó y colaboró en la producción del filme) consiguió que los personajes contaran la trama de la manera más natural posible, llevando al espectador a concentrarse más en las acciones que en las palabras.

Otro aspecto importante de la película es el modo en que cambia. Empieza de una manera tranquila, luego muta a una especie de romance, y termina con un estilo surrealista que ha llevado a algunos a compararla con el budismo. El final ha sido objeto de debate, pero sea cual sea la interpretación que se le dé, la película es bastante buena y es algo diferente a lo que se está acostumbrado a ver. Muy recomendada para quien busque algo original y visualmente expresivo.

Suspiria

Dario Argento es un director italiano cuya carrera ha estado llena de altibajos. En ocasiones sus trabajos han sido alabados y recibido buenas críticas, y otras veces, ha sido lo contrario.
Suspiria, que salió en 1977 y es considerada la obra maestra del director, es en realidad la primera parte de una trilogía de películas titulada The three mothers (las tres madres); las otras dos que forman parte del trío son Inferno (1980) y La Terza Madre (2007). A pesar de formar parte de un mismo concepto, las películas pueden ser vistas de manera independiente.
Suspiria trata sobre una joven estadounidense que llega a un instituto de baile alemán, donde conocerá extraños personajes y vivirá horrores que la llevarán a descubrir lo que realmente oculta la escuela. La trama de la película no tiene nada del otro mundo, en realidad es muy simple. Donde Suspiria destaca es en el apartado visual: ángulos de cámara particulares y un uso de colores vívido, variado y agradable a los ojos. En el aspecto musical se encuentra bien ambientado y va de la mano con el estilo del filme (aunque sea un poco escándaloso y se trague el audio de ambiente), no obstante, si se es un espectador que opina que la música solamente debe estar presente en los momentos sentimentales y de tensión, entonces se terminará catalogando esta película como musicalmente sobresaturada.

Sin lugar a dudas, el modo artístico en que fue rodado este filme es lo que lo ha hecho trascender con el paso de los años. Recomendada para quienes quieran ver algo clásico, artístico, y que ha influido en las películas actuales (por ejemplo, el uso de un color para matizar las tomas que aplica David Lynch en sus películas, es similar al que se puede apreciar en Suspiria).

Onibaba (Devil Woman)

Esta película de origen japonés salió en 1964. Algunos la catalogan como un filme de terror, pero la verdad es que se encuentra más orientada hacia el apartado artístico que al de asustar. El factor miedo que algunos podrían considerar latente se encuentra ya al final y es del tipo psicológico.
La historia es acerca de una señora y la prometida de su hijo, quienes esperan que éste vuelva de la guerra, que tiene al país en una difícil situación; ellas, para sobrevivir, se dedican a cazar samuraís mal heridos para luego vender sus pertenencias a cambio de comida. El problema empieza cuando regresa uno de los amigos de su hijo e informa lo sucedido con éste.
La fotografía de este largometraje es de lo mejor; utilizan mucho alto contraste, dejando en muchas escenas varios puntos casi en la oscuridad, mientras que se resalta con luz los factores importantes de la toma. La atmósfera se crea mostrando el ambiente donde se desarrolla la historia, creando el lugar adecuado para la última media hora del filme.
La película no es muy dinámica y probablemente aburra a varios, en especial si se ve con la idea de que es terror, como algunos argumentan. Si se encuentran buscando un largometraje artístico con ligeros tintes de terror psicológico, ésta es la elección.

I'm not a demon! I'm a human being!

Female Prisoner Scorpion

Durante la década de los setentas se puso de moda un género que muchas mujeres catalogarían ahora de sexista, el de cárceles femeninas. Desde entonces, varias películas han sido rodadas y en ellas varios elementos se repiten, tales como desnudos, maltratos y escenas de lesbianismo. Female Prisoner Scorpion es una tetralogía de películas que así inició.
La primera de ellas fue Joshuu 701-gô: Sasori (Female Prisoner #701: Scorpion) que salió en 1972 y trata sobre la venganza de Nami Matsushima, apodada la Escorpión, en contra del hombre que la traicionó y usó vilmente. La película se desarrolla en la prisión, donde Nami es sometida a múltiples abusos y castigos por parte de los vigilantes, quienes buscan romper su inquebrantable fuerza de voluntad.
La segunda, Joshuu sasori: Dai-41 zakkyo-bô (Female Convict Scorpion Jailhouse 41), que también salió en 1972 y es considerada la mejor, parece al inicio ser una copia de la primera, pero posteriormente cambia a un estilo más surrealista, que en la anterior sólo estuvo presente por momentos. La historia se desenvuelve mientras un grupo de mujeres huye de la justicia.
La tercera, Joshuu sasori: Kemono-beya (Female Prisoner Scorpion: Beast Stable), que salió en 1973, pierde bastantes elementos surrealistas y se vuelve un poco más urbana; fue la última que dirigió Shunya Ito y se considera la más débil de las tres que hizo. La cuarta parte, Joshuu sasori: 701-gô urami-bushi (Female Prisoner Scorpion: #701's Grudge Song), de 1973 igual, estuvo a cargo de otro director, quien aunque trató de mantener la línea de las primeras, no se siente igual.
Las películas comparten varios puntos, como el maltrato a mujeres, el abuso de poder, los asesinatos mediante arma blanca y el enexpresivo rostro de Escorpión. Pero el plato principal es el estilo visual y artístico que las caracteriza, ángulos de cámara particulares, acentuar el sentimiento mediante el uso de colores, las ideas transmitidas por medios surrealistas, etcétera. La edición de las escenas evita alargar los filmes, obviando detalles innecesarios y centrándose plenamente en la historia, aunque quizás algunos encuentren esto muy drástico. A pesar de que ciertas partes pueden parecer forzadas, repetitivas o sexistas, las películas en sí son buenas (incluso la primera, que pertenece a un género con mala fama, tiene sus detalles que la hacen sobresalir) y ofrecen algo distinto en tanto a cómo presentar un largometraje.

Farinelli

En 1994 apareció esta película, cuyos títulos alternativos son Farinelli Il Castrato y Farinelli voce regina. El desarrollo de la historia recuerda un poco a la clásica Amadeus de 1984, en la cual se retrataba la vida de Wolfang Amadeus Mozart desde un punto de vista particular. En el caso de Farinelli, se habla sobre quien quizás fue el más popular de los Castrati (castrados), que eran un grupo de niños que durante el siglo XVIII, se les castraba para que desarrollaran magníficas voces durante su etapa adulta.
La trama gira en torno a la vida de los hermanos Carlo y Riccardo Broschi, quienes desde niños se vuelven inseparables y se acostumbran a trabajar en grupo. Riccardo es el encargado de escribir las partituras que Carlo (Farinelli) canta para impresionar a todo el mundo, hasta que surge una rivalidad con George Handel, lo que cambiará el curso de la vida de los personajes, revelando duras verdades sobre el pasado de Carlo.
Las escenas de canto están bien coordinadas, no se sienten pesadas y no tardan tanto, como a veces se sentía con Amadeus. Los colores empleados en la fotografía son muy buenos y variados, en especial durante las escenas donde Farinelli canta (donde el espectador podrá escuchar una impresionante voz capaz de alcanzar y sostener notas bastante altas). Habrá quizás un par de cosas raras en la película, pero en general, el filme es bueno y mezcla perfectamente la música con el ambiente biográfico. Recomendado para quienes hayan disfrutado Amadeus y también para quienes gusten de películas de arte con pinceladas de musical.

Shurayukihime (Lady Snowblood)

En Kill Bill, Quentin Tarantino se encargó de hacer un montón de referencias a viejas películas orientales, una de las que más inspiración otorgó para el desarrollo de la vengativa trama fue sin lugar a dudas Lady Snowblood. Varias cosas se nota que forman parte de la saga de Bill, como el tipo de melodías de las canciones, la dura forma en la que entrenan a la mujer, el hecho de que todo gira en torno a una venganza, que la película se encuentra dividida en capítulos, entre otros más.

A pesar de lo anterior, tratar de comparar Lady Snowblood con Kill Bill y decir "ésta es mejor que la otra" sería una tontería. Cada película posee un estilo propio, siendo el filme de Tarantino más dinámico y con toques de humor negro, en tanto la película japonesa tiene un desarrollo más serio y sin estar atascado de violencia a cada rato.
La fotografía de Lady Snowblood esta caracterizada por los colores blanco y rojo (la bandera de Japón) así como el manejo constante de tonos oscuros en ciertas tomas y filmar sin tripode en varias ocasiones. La premisa es simple, una señora presencia el asesinato de su esposo a sangre fría por unos bandidos y es violada por algunos de ellos, con el paso del tiempo se embaraza y da a luz a una niña, que será la encargada de llevar a cabo la venganza; el relato no consiste en la protagonista yendo de lugar en lugar destajando gente todo el tiempo, se presenta igual la trágica vida que la vengadora lleva.
Esta película ha destacado más de la cuenta en los últimos meses debido al filme de Tarantino, lo que en parte es bueno, ya que es un buen largometraje que recibe la atención que merece, pero también es malo, ya que muchos la verán con el mero afán de compararla con Kill Bill y hacer un montón de críticas.