Hotel

Dirigida y escrita por Jessica Hausner, este filme europeo del 2004, cuyo título original es Oteldeki Sır, es una película de bajo presupuesto que ha sido dilapidada por muchos como una basura; sus malas críticas han ido izadas por frases como: nada sucede, no tiene sentido, ofrece y al final nada, es muy pretenciosa, y una pérdida de tiempo.
Hotel al igual que muchas otras películas de esta clase, sufren simplemente del estigma de ser incomprendidas. Para la gente acostumbrada al cine comercial, tras ver los primeros treinta minutos es obvio que esperen que el filme "despierte" y comience a revelar secretos que le den sentido y proporcionen sustos. Sin embargo, esto nunca sucede, ya que al igual que muchos trabajos de corte alternativo, Hotel muestra una coraza exterior, que en este caso está compuesta de terror sicológico y misterio (que recordará a algunos ciertas escenas de Lost Highway de David Lynch), cuando en realidad es una historia con un toque artístico que describe los actos de manera críptica.
La dirección es sublime en varios aspectos. Los colores se encuentran distribuidos inteligentemente, destacando con fuerza en diversas escenas. Las tomas de los bosques y de los pasillos que son consumidos por la oscuridad son bastante simples, pero el modo en que se encuentran montadas les otorga un ángulo visual bastante atractivo.
El largometraje cuenta cómo Irene, quien llega a sutituir a una antigua dependiente de un desolado hotel, intenta encajar entre sus compañeros de trabajo. La relación con la gente, la poca información que existe acerca de la joven que tuvo antes su puesto, una leyenda de los bosques y extraños acontecimientos, harán que la nueva integrante ponga en duda su posición laboral.
Con una duración de apenas 73 minutos (algunos cortes varían en tanto a metraje), Hotel no es un filme para todo mundo, puesto que su lenta narrativa, su "ausencia" de momentos emocionantes y sus pocos diálogos la convierten más que nada en una obra de corte alterno destinada a un público muy reducido.

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Shaun of the dead

Mucho antes de que Zombieland existiera, Europa produjo en el 2004 Shaun of the dead, una película que mezcla terror y comedia de una manera particular. A pesar de que las ambos trabajos se parecen en tanto a temática, lo que concierne el desarrollo, personajes y características de los zombis son diferentes.

Si algo destacaba en Zombieland era la edición y la dirección, y Shaun of the dead no se queda atrás bajo ninguna circunstancia e incluso supera a su hermana menor. Ambos apartados son excelsos y llevan la historia a buen ritmo; si esto se mezcla con las grandes actuaciones, se tiene un gran trabajo.

La historia relata como Shaun, quien pasa problemas en su relación amorosa, con su familia y amigos, se ve obligado a tomar una actitud diferente en su vida ante la epidemia que ataca su ciudad, esto con tal de defender a sus seres queridos. Shaun y sus compañeros pasarán por toda una odisea para llegar a un lugar seguro donde atrincherarse contra la amenaza.
A pesar de que este filme fue primero, habrá opiniones encontradas em tanto a cuál es mejor. Si bien el humor de Shaun of the dead posee un estilo semejante al de Zombieland, el ambiente, la historia y las personalidades de los personajes le otorgan a cada película un toque diferente. Pero independientemente de cuál sea la favorita, ambas son una buena adición al género de comedia-horror.

We're coming to get you, Barbara!

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Cold fish

Dirigida y co-escrita por el cineasta de culto Sion Sonno, y basada levemente en hechos reales, Cold fish (su nombre original es Tsumetai nettaigyo) cuenta cómo Shamoto, un hombre pasivo e introvertido que es el dueño de una pequeña tienda de peces, por azares del destino se topa con Murata, el dueño de una tienda mucho más grande que la de él; la relación entre ambos surge, pero circunstancias oscuras empiezan a deteriorarla y afectar gravemente la tranquila vida de Shamoto.

El filme dura poco más de dos horas veinte, y es verdad que la primera hora cuarenta puede ser un poco lenta por ratos, pero todo se ve compensado durante los últimos cuarenta minutos, que es donde la película da un giro violento (algo usual dentro de los largometrajes de este director) y cambia totalmente su desarrollo para ofrecer una visión todavía más lúgubre y retorcida de lo sucedido con anterioridad.
Las actuaciones son magníficas y retratan la personalidad de cada uno de los personajes, lo que le otorga credibilidad al desarrollo de los eventos. Los personajes de Shamoto y Murata son los que se encargan de llevar a cuestas toda la historia, pues la extraña dependencia mutua (y las consecuencias de ésta) que ambos tienen es el núcleo de Cold fish.
El gore está presente, por lo que aquéllos de estómago débil pasarán un par de momentos difíciles viendo ciertas escenas. La violencia también es un elemento presente durante buena parte del metraje, la historia no escatima cuando llega el momento de mostrar maltratos y vejaciones.
Cold fish contiene muchos géneros: comedia negra, drama, gore, erotismo y suspenso. Esta mescolanza la convierte en el retrato de un lento y complicado descenso por la cruel psique humana. Definitivamente una opción viable para quienes disfrutan del cine variado y alternativo.

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Gothic & Lolita psycho

Protagonizada por la modelo y gravure idol Rina Akiyama, Gothic & lolita psycho es otro filme B japonés con todas las características principales que han definido a sus predecesoras (Vampire girl versus Frankenstein girl, Robo geisha, Machine girl, Mutant girl squad, por mencionar algunas), sangre en cantidades exageradas, efectos especiales que lucen falsos a propósito, creatividad en las armas utilizadas y una historia simple.
La película contiene ciertas deficiencias que no la hacen destacar como es debido. La narrativa gira en torno a una venganza y pretende crear un balance entre relatar el pasado y las peleas, pero la fórmula está tan bien manejada y no consigue convencer a plenitud por ninguno de los dos lados; tal vez si hubieran hecho como en Geisha assassin, concentrándose solamente en las peleas y dejando la historia en segundo plano hubiera resultado mejor. Otro factor en contra es la interpretación de Akiyama, quien no logra convencer completamente en su papel de cine B, ya que su actuación es demasiado "seria".
El largometraje cuenta cómo Yuki busca retribución contra un grupo de asesinos por haber acabado cruelmente con su madre. Para esto, se valdrá de una serie de armas basadas en una sombrilla, y de un traje oscuro muy llamativo. La búsqueda de sangre le revelará un secreto del pasado que cambiará toda su existencia.
Gothic & Lolita psycho no es mala, y muy posiblemente entretenga a quienes disfruten del cine B, pero sus carencias le restan la importancia que otros filmes de este género han conseguido.

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Tropa de élite

Filme brasileño del 2007 que habla sobre la corrupción policial y un grupo muy reducido de agentes llamados La tropa de élite, una selecta asociación de policías honestos y bien entrenados que son los encargados de lidiar con las situaciones difíciles, apoyándose en métodos poco ortodoxos y cuestionables. Por su país de origen, no falta quienes comparen este filme con Ciudad de Dios, pero la realidad es otra, a pesar de que las locaciones donde se desarrollan son parecidas, la trama es diferente.
Uno de los temas más polémicos es la muestra de brutalidad a la que en ocasiones tienen que recurrir los policías para conseguir la información apropiada, los modos en que torturan, y la poca humanidad que deben de mostrar para influir el miedo necesario en los traficantes. Mucha crítica social es mencionada en la película, aunque sea de un modo sutil (por ejemplo, como la alta sociedad, rodeada por sus lujos y vicios, se jacta constantemente de varias cosas como si conocieran lo que en realidad que las masas viven).
El largometraje relata cómo dos amigos de la infancia van escalando y mostrando sus habilidades para mostrar parte del exclusivo grupo, así como uno de los líderes, que busca su reemplazo adecuado. La historia es lenta en ciertos pedazos durante el inicio, y el exceso de habla por parte del narrador puede desesperar a quienes busquen acción desde el comienzo. Cuando el metraje está por la mitad, la narración adquiere más dinámica.
Un filme bien hecho y con una historia dura pero cierta, Tropa de élite (Elite Squad) les gustará si disfrutaron de Ciudad de Dios, otro clásico internacional del cine brasileño.

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13 assassins

Del 2010 y al más puro estilo de Los 7 samurai de Akira Kurosawa, 13 assassins (Jûsan-nin no shikaku) es una muestra más de como Takashi Miike puede alternar entre diferentes géneros cinematográficos con una facilidad inigualable. La película relata cómo se reúne un grupo de samurais para asesinar a un peligroso y sádico lord del shogún cuyo poder va en ascenso; no obstante, el reducido bando deberá enfrentarse contra una marabunta de enemigos para cumplir su cometido, para lo cual tendrán que hacer uso de su imaginación y sus habilidades.
La dirección es digna de resaltar. El avance de la historia emula a la obra más conocida de Kurosawa: reclutamiento, preparación, ataque. Los últimos cuarenta minutos de metraje se concentran plenamente en el enfrentamiento de los 13 guerreros y el uso de su inteligencia para tratar de sobrevivir. Debido a esto, se nota un cambio drástico en el estilo de dirección. Mientras que la primera parte del filme es un obra que se explaya en iluminación (las tenues tonalidades utilizadas con las velas le dan un aspecto muy realista a las escenas), colores y vestuario, la última es un juego rápido de tomas que procura mostrar todos los ángulos posibles de la gigantesca querella.
Algo que posiblemente los fans de Miike notarán raro es la falta del gore exagerado al que suele recurrir. A pesar de que no está explícito y violento como normalmente hace, hay escenas que se dan a entender bastante bien lo que está ocurriendo, incluso si no hay sangre en escena.

Si disfrutan de las películas de samurais, 13 assassins los dejará satisfechos. Tal vez no contenga los grandes planos y variedad inagotable de colores que Kurosawa manejaba en sus largometrajes de este tipo, pero sí es un hecho que lleva una gran dirección y guión a cuestas a pesar de lo simple de su desarrollo.

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La casa muda

Filmes que propician controversia y críticas encontradas son muchos. El hacer algo inusual en la meca del cine divide las opiniones en dos tendencias: "no sirve, muy pretencioso" o "es una obra innovadora". La casa muda cae dentro de esta categoría, un trabajo uruguayo del 2010, que en un principio estaba destinado para pequeñas audiencias, pero su formato le dio auge y fama, que provocó su distribución a un nivel internacional.

Basada en hechos reales de los años cuarenta, la historia cuenta como Wilson y su hija Laura, llegan a restaurar una casa, pero deciden llegar la noche anterior para comenzar a primera hora del día siguiente. Las cosas se complican cuando Laura escucha ruidos extraños y su papá va a averiguar qué sucede; a partir de aquí, Laura deberá investigar por su cuenta qué le ha pasado a su progenitor, sumergiéndose en la penumbra del abandonado hogar y descubriendo una serie de secretos que cambiarán todo.
Se dice que casi toda la película fue filmada en una sola toma, aunque ciertos momentos provocarán duda en los escépticos, pues con el uso de edición esto puede ser disfrazado. Incluso si lo de la toma única no fuera cierto, hay escenas bastantes largas que ni con edición se pueden fingir.
Detalles que resaltan son el bajo presupuesto, actuaciones que no son nada del otro mundo pero cumplen con su trabajo, el uso de una cámara sin tripode (se utilizó una cámara fotográfica de alta resolución) y manejada completamente a mano, un reparto de actores reducido (sólo tres actúan), y una apuesta por mas realismo en lugar de presentación visual, lo cual se nota en la oscura iluminación y el ángulo de ciertas tomas.
Casi todo el tiempo la toma sigue a Laura, su fiel lámpara y su hoz; el recorrido del lóbrego lugar, el balance entre la música y la ausencia de sonido, así como otros factores, proporcionan a La casa muda un ambiente que los amantes de filmes de suspenso adorarán. Si las películas al estilo de Paranormal activity les aburren, es muy posible que este trabajo surta el mismo efecto, por lo cual no es muy recomendable en esos casos.
El estado de la novel actriz Florencia Colucci va evolucionando conforme va viviendo todas las desgracias que le ocurren. El desarrollo de los eventos es en tiempo real, lo cual constituye aproximadamente 86 minutos de metraje.
El filme apenas cobra auge y es distribuido lentamente por todo el mundo. Es un hecho que más críticas encontradas verán la luz. Quizás la explicación de todo no sea lo que muchos esperen al final, pero es un hecho que sí cae dentro del esquema del filme.
Como nota final, y dato curioso, sucederá con esta película lo que siempre ocurre cuando algo extranjero tiene éxito: Hollywood ya tiene un remake en puerta.

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Tras el cristal

Filme español de 1987 que en inglés es llamado "In a glass cage", Tras el cristal narra cómo Klaus, un viejo doctor nazi y pederasta, tras intentar fallidamente cometer suicidio y quedar confinado a un pulmón de acero, es acosado por el recatado y lúgubre Ángelo, que se infiltra como enfermero en su vida; obsesionado por el pasado nazi de Klaus, el joven perderá el control de su raciocinio mientras estudia una y otra vez las trágicas anécdotas.
La película tiene un guión fuerte y contiene escenas que muy posiblemente ofendan (a pesar de no ser explícitas, pero sí perturbadoras) a varios espectadores, ya que se encuentran relacionadas con abuso infantil. A pesar de esto, el tema es tratado seriamente para continuar la historia y no es arrojado dentro de la trama sin sentido. Algunas partes del pasado nazi de Klaus son narradas simplemente o se alude a ellas mediante otras acciones, dejando las imágenes al aire.
La dirección es artística y basada en el color azul. Habra algunas tomas que por la naturaleza de la iluminación luzcan muy oscuras. La escenografía está montada de tal manera que se vea como si todo estuviera sucediendo durante la segunda guerra mundial. Entre las actuaciones cabe destacar la de David Sust como Ángelo, que le da un buen cambio a su interpretación si se compara el fráfil inicio con el obsesivo final.
Tras el cristal no es fácil de ver, ya que habrá quienes la califiquen mal y argumenten que las partes sobre pedofilia no son más que morbo, por lo tanto se recomienda discreción antes de verla, en especial si son conservadores respecto a este tema.

¡Yo soy tu padre!

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Valerie and her week of wonders

De 1970, este filme checo cuyo nombre original es Valerie a týden divu basa su historia en los cuentos de hadas como el de Alicia en el país de las maravillas de Lewis Carrol. La narrativa sigue a Valerie, una joven que vive con su abuela que repentinamente se ve perseguida por un extraño monstruo; un misterioso hombre con sombrero se dispone a ayudarla y liberarla del pasado que la pretende atrapar.
La historia es muy surrealista, al extremo que después de 20 minutos de metraje uno puede quedar perdido intentando descifrar qué está sucediendo en realidad. Algunas escenas son bastante claras con lo que ocurre y parecen crear el camino para comprender el largometraje, pero luego ingresan otras más simbólicas que confunden el significado adquirido con antelación.
Pasando por alto lo difícil de su narración (que incluye temas como el despertar de la sexualidad, vampiros, curas lascivos, y embrujos), la película es un festín fotográfico de colores y tomas que junto con el vestuario y la música, exhiben de manera exquisita los acontecimientos.
Valerie and her week of wonders se recomienda para quienes disfruten de los filmes surrealistas o con un extraordinario despliegue gráfico.

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Ichi the killer

Posiblemente el filme más conocido de Takashi Miike, Ichi the killer (Koroshiya 1) del 2001 es un trabajo que ha trascendido y formado su grupo de seguidores. Basado en un manga japonés del mismo nombre, la historia trata sobre Kakihara, quien se entera de la muerte de su jefe y usa todos los recursos de su bando para encontrar al peligroso Ichi, un misterioso asesino que deja un inmenso rastro de sangre y visceras cada vez que mata a alguien.
El reparto cuenta con actores de la talla de Tadanobu Asano como Kakihara (Last life of the universe, Zatoichi y Rampo Noir, Vital) y el director Shinya Tsukamoto como el antagonista. Todo el elenco da vida a una hilera de personajes con características y comportamientos únicos. Lo malo, es que son tantos los que Miike pretende manejar, que se siente incompleto el desarrollo de ciertos inidividuos.

Como es tradicional, la narrativa es lo que mantiene en pie el filme, mostrando uno de los asesinos más sádicos y raros de la historia del cine. El humor negro y el gore abundan en el largometraje, junto con el drama, formando una mezcla muy particular. El punto en contra de la historia, es que son tantas cosas las que suceden, que puede sentirse sobrecargada y con minutos de sobra, pudiendo provocar cansancio en determinadas secciones.

La dirección y la edición (que contiene algunos toques de otra película de Miike, Dead or Alive) hacen un gran trabajo al mostrar planos de todo tipo. Ciertos efectos especiales dejan que desear, pues se nota descaradamente los efectos hechos a computadora.
Este filme cuenta con una precuela llamada 1-Ichi, que fue realizada en el 2003 y ahonda un poco más en cómo Ichi se convierte en el demente sicópata. Igual existe un episodio de animación llamado Koroshiya Ichi Episode 0.
Una película básica para ingresar al extenso, inverosímil y variado mundo de este aclamado director, cuyo estilo lleno de versatilidad lo ha llevado a dirigir todo tipo de cintas. No es la mejor de su filmiografía, pero es recomendada para quienes disfruten de las películas de gore, yakuzas o personajes muy inusuales.

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From beyond

Entre las obsesiones de H.P. Lovecraft a la hora de escribir sus historias estaban las dimensiones paralelas, y éste es el aperitivo principal de From beyond. Stuart Gordon se encargó una vez más de llevar una historia de este mítico escritor a la pantalla grande (otras adaptaciones de Lovecraft que ha dirigido son Re-animator y Dagon, así como también Dreams in the Witch-house de la serie Masters of Horror).

El filme cuenta como Crawford Tillinghast queda internado y al borde de la locura despues de llevar a cabo un experimento sobre dimensiones con el profesor Pretorius; una doctora le pedirá que repita el experimento para demostrar que no está loco, lo cual provocará caos alrededor de los que se encuentren cerca del peligroso portal.
La historia se desarrolla a buen ritmo y contiene mucha ciencia ficción. Los efectos especiales son los propios de su época, viéndose algunos falsos y otros bastance aceptables. Las actuaciones son las apropiadas para los personajes en escena y la iluminación ayuda mucho durante las secuencias de la otra dimensión.
Parte del equipo de este filme de 1986 (Productor Brian Yuzna, y los protagonistas Barbara Crampton y Jeffrey Combs) formó parte de Re-animator, lo cual da una idea del estilo de película que es From Beyond. Recomendada si gustan de las adaptaciones de Howard Phillips Lovecraft, uno de los padres de las historias de terror.

Humans are such an easy prey

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Take care of my cat

Protagonizada por la multifacética actriz Doona Bae (Sympathy for Mr Vengeance, Air doll), Take care of my cat es un drama que exhibe como unas grandes amigas de escuela lidian por mantener su amistad después de terminar sus estudios, pero tanto el mundo en el que cada una vive como los problemas adultos a los que se enfrentan, complican no tan solo la frecuencia con que se encuentran, sino también su otrora estrecha relación.

Las personalidades de cada una de las cinco mujeres son diferentes y están bien marcadas durante la historia, esto ocasiona que los conflictos que se propician entre ellas se noten naturales y le dé realismo a la historia. Las actuaciones de las protagonistas también contribuyen al pasivo desarrollo.
La fotografía y la dirección son magníficas todo el tiempo, con un abanico muy variado de colores y locaciones. La edición cuenta con unos aditamentos curiosos en pantalla, lo que da un toque especial a ciertas escenas.
Del 2001, Take care of my cat (su nombre original es Goyangileul butaghae) es un drama coreano bien estructurado y con una historia realista, que muestra cómo las amistades pueden cambiar para bien o para mal conforme cambiamos de etapas en la vida.

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Insidious

Dirigida por James Wan (Saw) Insidious es la historia de una familia que se muda a su nueva casa, solamente para encontrar que algo extraño los acosa y no les deja vivir en paz. El extraño estado comatoso en el que cae uno de sus hijos detonará la desesperación entre ellos y empeorará los peligrosos sucesos.
Si bien el filme inicia como terror, después da un giro que se combina un poco con ciencia ficción, lo que genera una explicación alternativa y original de los eventos que ocurren, lo caul tal vez no sea de agrado general para los puristas. La dirección de Wan es buena y se pueden apreciar los clásicos elementos que lo caracterizan: muñecos, iluminación oscura, giros repentinos en la narración y un final "inesperado". Mención aparte merece una secuencia única que ocurre cerca del final, matizada con una atmósfera creativa, lúgubre y llena de surrealismo.
Los sustos repentinos que tanto definen al género del suspenso también están presentes, siendo algunos muy predecibles y otros no tanto. Los protagonistas son Rose Byrne (X men: First class, 28 weeks later, Sunshine) y Patrick Wilson (Watchmen, Hard Candy) quienes otorgan unas actuaciones creíbles.
La historia definitivamente está sobre la media actual de las actuales películas de terror estadounidenses y ofrece un producto bien trabajado que dejará satisfechos a varios.

Leave this vessel! Leave this vessel!

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