Onibaba (Devil Woman)

Esta película de origen japonés salió en 1964. Algunos la catalogan como un filme de terror, pero la verdad es que se encuentra más orientada hacia el apartado artístico que al de asustar. El factor miedo que algunos podrían considerar latente se encuentra ya al final y es del tipo psicológico.
La historia es acerca de una señora y la prometida de su hijo, quienes esperan que éste vuelva de la guerra, que tiene al país en una difícil situación; ellas, para sobrevivir, se dedican a cazar samuraís mal heridos para luego vender sus pertenencias a cambio de comida. El problema empieza cuando regresa uno de los amigos de su hijo e informa lo sucedido con éste.
La fotografía de este largometraje es de lo mejor; utilizan mucho alto contraste, dejando en muchas escenas varios puntos casi en la oscuridad, mientras que se resalta con luz los factores importantes de la toma. La atmósfera se crea mostrando el ambiente donde se desarrolla la historia, creando el lugar adecuado para la última media hora del filme.
La película no es muy dinámica y probablemente aburra a varios, en especial si se ve con la idea de que es terror, como algunos argumentan. Si se encuentran buscando un largometraje artístico con ligeros tintes de terror psicológico, ésta es la elección.

I'm not a demon! I'm a human being!

Female Prisoner Scorpion

Durante la década de los setentas se puso de moda un género que muchas mujeres catalogarían ahora de sexista, el de cárceles femeninas. Desde entonces, varias películas han sido rodadas y en ellas varios elementos se repiten, tales como desnudos, maltratos y escenas de lesbianismo. Female Prisoner Scorpion es una tetralogía de películas que así inició.
La primera de ellas fue Joshuu 701-gô: Sasori (Female Prisoner #701: Scorpion) que salió en 1972 y trata sobre la venganza de Nami Matsushima, apodada la Escorpión, en contra del hombre que la traicionó y usó vilmente. La película se desarrolla en la prisión, donde Nami es sometida a múltiples abusos y castigos por parte de los vigilantes, quienes buscan romper su inquebrantable fuerza de voluntad.
La segunda, Joshuu sasori: Dai-41 zakkyo-bô (Female Convict Scorpion Jailhouse 41), que también salió en 1972 y es considerada la mejor, parece al inicio ser una copia de la primera, pero posteriormente cambia a un estilo más surrealista, que en la anterior sólo estuvo presente por momentos. La historia se desenvuelve mientras un grupo de mujeres huye de la justicia.
La tercera, Joshuu sasori: Kemono-beya (Female Prisoner Scorpion: Beast Stable), que salió en 1973, pierde bastantes elementos surrealistas y se vuelve un poco más urbana; fue la última que dirigió Shunya Ito y se considera la más débil de las tres que hizo. La cuarta parte, Joshuu sasori: 701-gô urami-bushi (Female Prisoner Scorpion: #701's Grudge Song), de 1973 igual, estuvo a cargo de otro director, quien aunque trató de mantener la línea de las primeras, no se siente igual.
Las películas comparten varios puntos, como el maltrato a mujeres, el abuso de poder, los asesinatos mediante arma blanca y el enexpresivo rostro de Escorpión. Pero el plato principal es el estilo visual y artístico que las caracteriza, ángulos de cámara particulares, acentuar el sentimiento mediante el uso de colores, las ideas transmitidas por medios surrealistas, etcétera. La edición de las escenas evita alargar los filmes, obviando detalles innecesarios y centrándose plenamente en la historia, aunque quizás algunos encuentren esto muy drástico. A pesar de que ciertas partes pueden parecer forzadas, repetitivas o sexistas, las películas en sí son buenas (incluso la primera, que pertenece a un género con mala fama, tiene sus detalles que la hacen sobresalir) y ofrecen algo distinto en tanto a cómo presentar un largometraje.

Farinelli

En 1994 apareció esta película, cuyos títulos alternativos son Farinelli Il Castrato y Farinelli voce regina. El desarrollo de la historia recuerda un poco a la clásica Amadeus de 1984, en la cual se retrataba la vida de Wolfang Amadeus Mozart desde un punto de vista particular. En el caso de Farinelli, se habla sobre quien quizás fue el más popular de los Castrati (castrados), que eran un grupo de niños que durante el siglo XVIII, se les castraba para que desarrollaran magníficas voces durante su etapa adulta.
La trama gira en torno a la vida de los hermanos Carlo y Riccardo Broschi, quienes desde niños se vuelven inseparables y se acostumbran a trabajar en grupo. Riccardo es el encargado de escribir las partituras que Carlo (Farinelli) canta para impresionar a todo el mundo, hasta que surge una rivalidad con George Handel, lo que cambiará el curso de la vida de los personajes, revelando duras verdades sobre el pasado de Carlo.
Las escenas de canto están bien coordinadas, no se sienten pesadas y no tardan tanto, como a veces se sentía con Amadeus. Los colores empleados en la fotografía son muy buenos y variados, en especial durante las escenas donde Farinelli canta (donde el espectador podrá escuchar una impresionante voz capaz de alcanzar y sostener notas bastante altas). Habrá quizás un par de cosas raras en la película, pero en general, el filme es bueno y mezcla perfectamente la música con el ambiente biográfico. Recomendado para quienes hayan disfrutado Amadeus y también para quienes gusten de películas de arte con pinceladas de musical.

Shurayukihime (Lady Snowblood)

En Kill Bill, Quentin Tarantino se encargó de hacer un montón de referencias a viejas películas orientales, una de las que más inspiración otorgó para el desarrollo de la vengativa trama fue sin lugar a dudas Lady Snowblood. Varias cosas se nota que forman parte de la saga de Bill, como el tipo de melodías de las canciones, la dura forma en la que entrenan a la mujer, el hecho de que todo gira en torno a una venganza, que la película se encuentra dividida en capítulos, entre otros más.

A pesar de lo anterior, tratar de comparar Lady Snowblood con Kill Bill y decir "ésta es mejor que la otra" sería una tontería. Cada película posee un estilo propio, siendo el filme de Tarantino más dinámico y con toques de humor negro, en tanto la película japonesa tiene un desarrollo más serio y sin estar atascado de violencia a cada rato.
La fotografía de Lady Snowblood esta caracterizada por los colores blanco y rojo (la bandera de Japón) así como el manejo constante de tonos oscuros en ciertas tomas y filmar sin tripode en varias ocasiones. La premisa es simple, una señora presencia el asesinato de su esposo a sangre fría por unos bandidos y es violada por algunos de ellos, con el paso del tiempo se embaraza y da a luz a una niña, que será la encargada de llevar a cabo la venganza; el relato no consiste en la protagonista yendo de lugar en lugar destajando gente todo el tiempo, se presenta igual la trágica vida que la vengadora lleva.
Esta película ha destacado más de la cuenta en los últimos meses debido al filme de Tarantino, lo que en parte es bueno, ya que es un buen largometraje que recibe la atención que merece, pero también es malo, ya que muchos la verán con el mero afán de compararla con Kill Bill y hacer un montón de críticas.

El castillo de la pureza

Las películas de México en los últimos años son vistas en el mundo como una mezcla de los mismos elementos: sexo, insultos, drogas, pandillas, historias entrelazadas, finales apresurados, y el uso de los mismo actores jóvenes una y otra vez. Estos componentes han propiciado que decaiga la calidad de las producciones mexicanas (siendo unas muy contadas las encargadas de presentar algo nuevo) y que dicho mercado haya sido devorado al saturar las salas de cine con filmes estadounidenses.
El castillo de la pureza, de 1973, pertenece a la vieja escuela, aquélla que trataba mantener un estilo propio. La historia se encuentra basada en un hecho de la vida real, trata sobre un hombre que encierra a su familia durante dieciocho años en su casa, prohibiéndoles todo contacto con el exterior (ni siquiera hay ventanas en la casa que permitan ver afuera) y siendo él, el único nexo de la casa que puede salir a "lidiar con el horrible mundo". El hombre, poseedor de una personalidad machista, caprichosa y dominante, ofrece una educación dura a sus hijos, pues los hace trabajar elaborando raticidas para vender y los encierra en una especie de calabozo cada que cometen una falta o hacen algo que no le place; la esposa igual sufre de constantes maltratos y abusos por parte de su marido, quien poco a poco comienza a ver como su castillo se desmorona y las cosas empeoran.
El drama es lento, pues las cosas van sucediendo poco a poco, encargándose de mostrar las facetas de todos los personajes, en especial las del tirano papá. La película fue dirigida por Arturo Ripstein, quien también escribió el guión en colaboración con José Emilio Pacheco. Entre las actores, se cuenta con la participación de una joven Diana Bracho. Recomendada para los que gusten de las películas de arte y los dramas que relaten historias únicas.

Los voy a matar a todos
ToBu

Santa sangre

Alejandro Jodorowsky es un director mexicano que no hace películas muy seguido, su estilo es prácticamente indefinible, pues combina varios temas en sus filmes, siendo uno muy usual el surrealismo. En 1968, al estrenar Fando y Lis, levantó polémica por las fuertes escenas que incluía (un hombre maltratando y humillando a su esposa minusvalida es sólo un ejemplo) y desde eso, el director adquirió fama, lo que lo llevo a realizar otros largometrajes como El topo y La montaña sagrada (ambos de corte surrealista).
Una de sus películas más normales, es Santa sangre, hecha en 1989. Entre sus peculiaridades está que se encuentra filmada en México, sin embargo, está hablada en inglés la mayor parte. El elemento surreal está presente en el desarrollo de la historia, pero los simbolismos son una parte de la historia, no constituyen la historia entera como en las películas mencionadas en el párrafo anterior.
El ambiente del filme es de lo más bizarro, lo que contribuye a crear una atmósfera oscura junto con los extraños personajes que pululan frente a las cámaras. Las actuaciones son de lo mejor (contando con Blanca Guerra entre los protagónicos), y aunque ciertas partes puedan parecer "falsas", todo tiene su porqué.
La trama empieza con Fénix, un joven recluido en un manicomio que se comporta como un animal. Posteriormente escapa para reunirse con su madre y comenzar una nueva vida, un reencuentro que probablemente signifique más sufrimiento que alegría, y que lo termine llevando a la desesperación total. A través de los recuerdos se va construyendo el pasado de Fénix, explicando el porqué de ciertos sucesos.
La película es definitivamente algo diferente a lo que el espectador conoce como cine mexicano, un tipo de historia que difícilmente volverá a ser rodada en estos territorios.

You can't atone for your sins with nightmares

Dark Corners

Esta película del 2006 puede ser definida como una mezcla de la grandiosa Jacob's Ladder con una de las clásicas pesadillas cinematográficas de David Lynch. El filme en sí no es apto para cualquier persona, y es que si hubo quien encontró difícil entender Jacob's Ladder, definitivamente pasará un rato mucho más complicado con este largometraje.
La historia sigue a Karen Clarke y Susan Hamilton, ambas interpretadas por Thora Birch. Cada uno de los personajes habita en un mundo diferente, uno donde la luz del sol abunda e ilumina con alegría los escenarios, y el otro, es un universo plagado por colores muertos y una fotografía lúgubre que en parte recuerda a la saga de video juegos de Silent Hill. Cada mujer sufre de manera diferente en su propio terreno, hasta que al final, ambas convergen para revelar una verdad que nadie espera.
El chiste para entender la película es prestar atención a los múltiples detalles que van saliendo durante la narración (y todavía así puede dificultarse un poco su pleno entendimiento). El filme es muy subestimado no tan solo porque fue la primera obra del director y escritor Ray Gowen, sino porque varios la catalogan de rebuscada al no esforzarse un poco por encontrarle sentido.
A pesar de todos los contras que muchos le ponen, esta película no es mala como algunos afirman y ciertamente dejará a muchos con la frase "¿qué sucedió aquí?" en la boca. Si quieren ver algo diferente, con escenas fuertes, y que les deje pensando después de verla, ésta es la elección.

Hell is when your sins are served to you in loops of torture

The Descent (El descenso)

Jeff Long escribió un libro en 1999 llamado The descent, el cual relata la historia de un grupo de personas que se adentran bajo tierra para explorar una serie de túneles que interconecta todo el planeta; en el interior se encuentran con seres extraños, que dificultan todo. A grandes rasgos, y sin ahondar mucho en el libro (una novela de ciencia ficción y terror bastante buena), ésta es la premisa que lleva a muchas personas a comparar la obra del autor Long con esta película del 2005 y preguntarse por qué no se le da crédito alguno.
El filme trata sobre un grupo de mujeres aventureras que entran en unas cuevas con el puro propósito de explorar. Empero, la situación se sale gradualmente fuera de control conforme más penetran en las profundidades, hasta encontrarse con algo desconocido que torturará sus existencias.
Las similitudes entre el libro y la película son bastante generales, pues cada una se desenvuelve de diferente manera, enfocándose el primero un poco más a la ciencia ficción, en tanto el largometraje va más por el terror y suspenso; además, los personajes son completamente diferentes.
Las tomas del filme son una mezcla de claustrofobia y nictofobia, pues las protagonistas se verán rodeadas por este ambiente prácticamente todo el tiempo una vez que ingresen a las cuevas.
La película está bastante decente, de lo mejor que ha salido de Hollywood, en lo que terror respecta, en los últimos años, y si no consigue arrancar un par de sustos al espectador, al menos sí lo mantendrá en suspenso. Hay dos finales para esta película, siendo el extendido un tema de debate, pues hay quienes afirman que es la mejor manera en que se pudo acabar el filme y hay quienes dicen que no sirve.
Hay planeada una segunda parte que saldrá durante el último trimestre del 2009.

I'm an English teacher, not fucking Tomb Raider

Aguirre, der Zorn Gottes (Aguirre, Wrath of God)

El director alemán Werner Herzog es reconocido en Europa y poco conocido en América, tal vez porque el estilo de sus películas dista por mucho de lo que es considerado convencional. La fotografía de sus filmes es destacable, las historias se desarrollan sin prisas y las personalidades de sus personajes son peculiares.
Aguirre, Wrath of God, de 1972, es una muestra de lo artísticas que pueden ser las películas y narrar una serie de eventos de una manera muy diferente a lo que Hollywood tiene acostumbrado. Varias de las tomas fueron hechas sin la ayuda de un tripode y con cámara en mano, pero no por ello pierden fuerza las escenas, al contrario, las realza. En ciertas partes, el modo de filmación hace pensar que tal vez lo que se está viendo es un documental y no una película.
El largometraje trata sobre una expedición que va en busca del tesoro del Dorado. Ante las dificultades del camino que complican el transporte de un largo número de personas, se envía un pequeño grupo para analizar el resto del camino. No obstante las desgracias persiguen sin cesar a este grupo; además de lo anterior, se añade el factor de un villano con aires de conquista llamado Don Lope de Aguirre, interpretado magníficamente por el difunto Klaus Kinski, quien le da una personalidad única.

La película es recomendable para los que gusten de las películas de arte y alternativas, ya que la historia no es retratada de una manera a la que todos estén acostumbrados, y eso puede propiciar que ciertas personas tachen a Aguirre de aburrida o basura.

I am the wrath of God. Who else is with me?
ToGo

Vertigo

Alfred Hitchcock, conocido por muchos como el maestro del suspenso, mostró esta película en 1958 sin pensar que se convertiría en un clásico con el paso de los años. La trama es acerca de un detective retirado que sufre de acrofobia (miedo a las alturas), a quien un amigo le pide que investigue las actitudes extrañas de su esposa, que pueden estar relacionadas con el turbulento pasado de su familia.
La escenografía del filme es maravillosa y cuidada en extremo detalle. Oficinas y restaurantes están plagados de una miríada de objetos que los hacen lucir con magnificencia; la aparición de varios actores extras solamente vuelven más realista el ambiente donde todo se desarrolla. Otro factor que identifica al filme es el uso de los colores rojo y verde (este último aparece de manera más notoria). La banda sonora complementa los momentos críticos y dramáticos, añadiendo el condimento adecuado.
La historia no es del todo convencional y posee un desarrollo lento, pero aun así no es aburrida en lo más mínimo. Si no es la trama, son los múltiples componentes del filme lo que mantiene entretenido al espectador, como los explicados en el parrafo anterior, o los constantes ángulos de cámara que muestran diferentes capas de profundidad, volviendo las escenas bastante agradables a los ojos.
El guión es una adaptación de la novela D'entre les morts (De entre los muertos) de Pierre Boileau y Thomas Narcejac.

Give me your hand. Give me your hand.
ToSo

Horsemen

Horsemen, del 2009, es una película que recordará a muchos a la ya clásica Se7en (Seven) que fue dirigida por David Fincher. Pero a diferencia de la pieza maestra de suspenso de 1995, Horsemen va cayendo poco a poco y perdiendo todo elemento que la haga ser recordada con el paso del tiempo.

La trama gira en torno unos asesinatos que están relacionados con los jinetes del apocalípsis de la biblia. Por muy interesante (o cliché) que pueda sonar para algunos, termina decepcionando. El inicio del filme es bueno, pero al cabo de unos minutos, las acciones y las actuaciones empiezan a deteriorar todo; lo anterior, es seguido por un cambio radical en uno de los personajes, tratando de cambiar drásticamente el desarrollo de la historia, pero consiguiendo nada más que se vuelva altamente predecible, hasta llegar a un débil final que parece más de un drama malo que de película de suspenso.
Entre los puntos positivos del filme, está el modo en que están editadas ciertas secuencias, proveyendo la información necesaria para los ojos en pocos segundos. Fuera de lo anterior, la película falla en entregar algo original y satisfactorio y desperdicia a actores con trayectoria como Dennis Quaid y Ziyi Zhang.