Bronson

Basada ligeramente en la vida del prisionero más violento de Gran Bretaña, Michael Gordon Peterson (actualmente se llama Charles Ali Ahmed), Bronson es un filme del 2008 protagonizado por Tom Hardy (Inception, aunque algunos lo identificarán igual como el que encarnará a Bane en The dark knight returns).

La historia relata cómo Michael recurre a la violencia continuamente durante toda su vida como si fuera "lo más normal", liándose a golpes con todo mundo (guardias de cárcel, prisioneros, civiles) sin arrepentimiento alguno. Envuelto por su particular estado mental, Michael adopta el sobrenombre de Charles Bronson y se convierte en una persona temida, sin un lugar fijo para habitar.

Bronson es un deleite visual que armoniza adecuadamente con la música y la edición. La variedad de estilo en la dirección proporciona un auténtico despliegue cinematográfico que pocas películas se aventuran a exponer, dado que es un arma de dos filos que puede resaltar un trabajo, o plasmarlo de prepotente; afortundamente, Bronson cae en el primer grupo.

A pesar de todo lo bueno mencionado, hay que comentar que el largometraje no será fácil de seguir para ciertas personas, puesto que el modo en que es relatado deja de lado la narrativa convencional. Recomendada si gustan del cine de arte o las películas con un toque único que las distinga de las demás.

I am Charlie Bronson, I am Britain's most violent prisoner

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Karate girl

Del 2011 y protagonizada por Rina Takeda, Karate girl lidia con la historia de dos hermanas separadas desde su infancia, partiendo por destinos opuestos y marcadas para ser enemigas.

A pesar de mostrar a Takeda como protagonista principal, el largometraje repite la misma jugada que en High kick girl, donde la actriz compartió la estelaridad con Tatsuya Naka (que tiene unas apariciones en esta película) a pesar de estar anunciada como la única al frente en los posters.

La historia de Karate girl es floja y su atractivo radica en las constantes escenas de pelea, coreografiadas con verdaderos artistas marciales. Fuera de eso, el desarrollo carece de un clímax que despierte emoción.

Takeda pinta para ser una artista de filmes de artes marciales pero necesita mejores producciones para lucir sus habilidades y cobrar más relevancia en la industria de su país, así como también tomar el reto de ser la única protagonista de un largometraje. Recomendada si desean ver un filme sobre karate (en especial si no están muy interesados en la historia y sólo en las peleas) o si les gustó High kick girl.

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Bubba Ho-Tep

Hecha en el 2002 por Don Coscarelli, creador de la saga de terror Phantasm, Bubba Ho-Tep cuenta con al participación de un ícono del género, Bruce Campbells, mejor conocido por algunos como Ash en la saga de Evil dead. La película relata cómo un viejo Elvis Presley conoce al presidente John F. Kennedy en un asilo para personas de la tercera edad; ambos, acabados por la edad y sus ignoradas justificaciones sobre cómo es que siguen con vida, deben reunirse para investigar y confrontar una antigua amenaza que pone en peligro las almas de sus compañeros.

Coscarelli no es alguien que haga filmes a menudo, y es una lástima, pues su extraordinario manejo de fotografía oscura, un sello particular en sus obras, se exhibe en Bubba Ho-Tep con total naturaleza (en especial durante los últimos minutos). La historia se encuentra basada en una historia corta de Joe R. Landale, con el guión hecho por el mismo Coscarelli.

La sinopsis da la apariencia de ser Cine B, y lo es, en toda la extensión de la palabra. Campbells hace un gran trabajo en su papel de Elvis, y proporciona la actuación necesaria para propiciar risas en el espectador con las ocurrencias del personaje.

Combinación de terror con comedia negra, Bubba Ho-Tep es un filme recomendado si disfrutan de las películas que no son para ser tomadas en serio y cuyo único propósito es hacer pasar un rato agradable con sus ocurrencias (con una buena dirección como ingrediente extra).

Even a big bitch cockroach like you should know... never, but never, fuck with the King

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Sleeping beauty

Primera película dirigida por la novel Julia Leigh, Sleeping beauty es un relato que describe cómo Lucy, una estudiante con varios trabajos de medio tiempo, acude a una entrevista para un nuevo trabajo, donde eventualmente le es revelado que tendrá que ser sedada y abandonada indefensa ante los deseos de los clientes, pero con la seguridad de que no habrá coito alguno.

A destacar aquí la actuación de Emily Browning (Sucker punch), quien hace un estupendo trabajo como la protagonista de la historia. Al ver a Lucy, muchos pensarán que carece de personalidad y que su frialdad le quita algo de sentimiento a la trama, lo cual es cierto, pero hay que tomar en cuenta que éste es el personaje y que la actriz realmente hizo un gran trabajo para transmitir esa sensación de vacío, una vida frívola y sin identidad.

Sí, la narrativa no es sencilla de seguir, la edición corta de un punto a otro en la vida de Lucy, yendo de sus trabajos, a su escuela, su vida personal, etcétera, provocando una especie de desconexión entre las tomas. Esta técnica obliga al espectador a sacar varias conclusiones con respecto a lo presentado y dificulta el seguimiento para los que no están acostumbrados.

El desarrollo es lento, la música casi inexistente, pero lo que resalta es la dirección y la fotografía, que se encuentran coreografeadas de manera excelsa y provee una muestra de la capacidad que Leigh tiene como directora, al presentar ángulos suaves, sencillos, pero ciertamente llamativos.

La película es bastante alternativa e indudablemente hay que tener carácter para verla con detenimiento hasta el final. La polémica que ha levantado es debido a las escenas de tipo sexual, donde se exhibe el trato de la mujer como un objeto para satisfacer los deseos del hombre.

Sleeping beauty no es la historia que la mayoría conoce de Disney, es una versión completamente diferente y más adulta. Recomendada solamente si disfrutan de las películas de arte.

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Melancholia

Mucha expectativa ha levantado este filme, y en parte es debido a las declaraciones que su director y escritor Lars Von Trier hizo en el festival de Cannes. Otro motivo de controversia es el modo en que se encuentra estructurado el filme; Melancholia es una gigantesca metáfora acerca de la depresión, con toques de ciencia ficción, lo que provoca dos grupos: aquéllos que buscan un relato convencional y dinámico que terminan argumentando que el largometraje es aburrido, y aquéllos con paciencia que buscan algo más profundo, quienes desean tomarse la molestia de entender el concepto de lo descrito. Y es que ése es el principal motivo de división al ver Melancholia, hay que saber lo que se va a visualizar por más de dos horas, no simplemente desesperarse por la algarabía que ha levantado y verlo para cerciorarse de los motivos que tanta discusión han armado; caer en este grupo los hará pensar que ésta película es una pérdida de tiempo.

Los primeros siete minutos se encuentran orquestados por el Preludio de Tristan und Isolde, compuesta por Richard Wagner (mejor conocidos por algunos como el creador de La cabalgata de las Valquirias). La música, en acompañamiento de las extraordinarias imágenes, construyen uno de las mejores introducciones que se han hecho en la industria cinematógrafica. Esta secuencia parecerá no tener sentido, pero conforme la historia se vaya desarrollando, cada una de las partes que edifican la entrada, tomarán un significado evidente.

La narración se divide en dos secciones, Justine (Kirsten Dunst, que ofrece la mejor actuación de su carrera) y su hermana Claire (Charlotte Gainsbourg, conocida por trabajos como The cement garden, y que ha trabajado previamente con Von Trier en Antichrist). La primera parte trata sobre la boda de Justine y todo lo relacionado con ella; esta primera hora es pesada y aparenta no tener nada que ver con la introducción del filme (más aún si se espera ver tan pronto el factor ciencia ficción que tanto se menciona sobre esta película), no obstante, la importancia de la historia y las acciones de Justine radican en el plano psicológico y en todo lo que sucede en la segunda parte. La última hora se centra en Claire, quien acoge a una enferma Justine en su casa para ayudarla a recuperarse; durante la estadía, la relación de las hermanas será clave para enfrentar una potencial amenaza para la Tierra, un enorme planeta llamado Melancholia que amenaza con destruir todo.

Lo interesante de esta película no es tan solo la cantidad de analogías e interpretaciones que se pueden aplicar entre la primera y la segunda parte, sino también la impresionante fotografía que Von Trier despliega durante todo el metraje, así como su ya acostumbrada técnica de filmación, en la cual se prescinde casi por completo del uso de tripodes.

Un filme al que hay que tenerle mucha paciencia y que no todos disfrutarán al mismo nivel. Con un impactante final, Melancholia (cuya trama basó el director en una depresión que experimentó) es una obra de arte combinada con un poco de ciencia ficción que dará mucho de qué discutir debido a su desarrollo.

I know things

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Hesher

Pocos hubieran imaginado el rumbo que la carrera de Joseph Gordon-Levitt tomaría después de La tercera roca del sol. Y es que son contados los actores de comedias televisivas que en Estados Unidos dan el salto a la pantalla grande. Joseph, llevando una selección de papeles muy variados que han demostrado sus dotes artísticas, gradualmente está tomando el lugar que merece. Inception se encargó de recordarle a mucha gente quién era y en Hesher, comprueba su capacidad para interpretar diversos papeles.

Este largometraje es un drama combinado con humor ácido y negro. La historia trata sobre TJ, un adolescente con una vida difícil que en una de sus andadas conoce a un vago despreocupado, un completo vividor sin miedo a las autoridades: Hesher; una serie de eventos propiciará que este problemático rockero entre en su casa, simplemente para complicar más su existencia, pero también para enseñarle una importante lección.

El filme también cuenta con la actuación de Natalie Portman (Black swam) y Rainn Wilson (Super), que aunque tienen interpretaciones que quedan en segundo plano si se compara con la interacción TJ-Hesher, influyen bastante en el desarrollo.

La forma en que el drama y la comedia se mezclan no es del todo convencional (lo que tal vez espante a algunos), pero es algo bastante refrescante que muchos disfrutarán. En ocasiones, las escenas harán cuestionar si las acciones en pantalla son para tomarse en serio, o a la ligera. Con Natalie Portman como parte del equipo de producción, éste es un filme muy recomendado, de esos que no se hacen muy a menudo y que ofrecen un buen producto.

HESHER WAS HERE

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White: The Melody of the Curse

Filme coreano del 2011, White: The Melody of the Curse (título original es Hwa-i-teu: Jeo-woo-eui Mel-lo-di) trata sobre un grupo de pop con problemas de audiencia llamado Pink dolls, quienes al borde de la desintegración, son trasladadas a un viejo estudio que oculta un cruel pasado y una vieja cinta con un video que dará una nueva oportunidad al grupo, pero a un costo elevado.

La atmósfera de la película se encuentra bien armada, muchas tomas y momentos importantes son orquestados por juegos de luces y audio que encajan adecuadamente con el ambiente musical donde todo se desarrolla. Es cierto que ésta es una historia de fantasmas, donde el tema final es el mismo de siempre: ¿por qué algo sobrenatural persigue a los humanos? A pesar de esto, el filme cuenta con un estilo que lo pone más allá de la media de este tipo de películas, mostrando escenas nuevas y una buena historia.

El énfasis hecho en la competencia y el egoísmo de las muchachas por el liderazgo y reconocimiento encima de las demás es lo que añade el ingrediente extra a la narrativa. Las actuaciones por parte de las protagonistas son aceptables, hacen lo suficiente para transmitir el mundo de hipocresía en el que están sumergidas, así como las constantes pruebas a las que deben someterse para soportar la presión de sus responsabilidades.

Con un final bien montado, White es un largometraje de terror recomendado para los amantes de este género.

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Fase 7

Largometraje argentino del 2011, Fase 7 exhibe desde un inicio que su presupuesto no es grande, y es que la simplicidad de la música y la dirección de cámaras hacen pensar que éste será un filme B más a la cuenta... pero lo que este trabajo demuestra, es que lo que le falta en presupuesto, lo compensa con su grandiosa historia.

Coco y Pipi compran en un supermercado, mientras un caos se comienza a desarrollar a su alrededor, sin que ellos le presten mucha atención. Cuando llegan a casa, se enteran en las noticias de que una mortal pandemia se extiende a nivel mundial y que en su edificio hay un posible infectado; después de son puestos en cuarentena, un conflicto interno explota entre los habitantes, formando facciones, desesperados por no contraer la enfermedad.

La cantidad de cambios que la historia da es magnífica, manteniendo el entretenimiento constante y sin parar (lo único incrédulo tal vez, es la ignorancia de uno de los personajes ante todo el problema). El ritmo también es bastante bueno y en dueto con las actuaciones, elaboran un mundo que hace que cualquiera olvide que se encuentra viendo una película con bajo presupuesto.

Con humor negro integrado, Fase 7 es una sorpresa agradable y algo fresco dentro del género de películas sobre pandemias, una más de esas producciones de ciencia ficción que demuestra que los efectos especiales muy caros no son algo necesario para elaborar una buena película. Muy recomendada.

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Trilogía Millenium

Filmadas en fila entre el 2009 y 2010, esta famosa trilogía basada en los libros de Stieg Larsson, narra cómo Mikael Blomqvist, el editor de la revista Millenium, y Lisbeth Salander, una inteligente y sagaz investigadora, se unen para completar el misterio detrás del caso de una mujer desaparecida; lo que no saben, es que esto dará lugar a una peculiar y complicada amistad que llevará a Blomqvist a sumergirse en una importante conspiración política, donde tendrá que arriesgar todo por ayudar a Salander para escapar con vida de su turbio pasado.
Está por demás decir que cada película gira en torno a una temática en particular, ofreciendo una vasta cantidad de personajes y temas lo suficiente amplia para mantener el interés en la historia. Espionaje, maltrato a mujeres, chantajes, asesinatos, investigación, juicios, acción, son algunos de los puntos tratados durante los tres largometrajes. La música y la cinematografía hacen un conjunto muy atractivo, que junto con las bien logradas actuaciones (en especial Noomi Rapace en su papel de Lisbeth, una gran interpretación) construyen un resultado que no decepcionará a quienes gusten de este tipo de filmes. Habrán momentos que algunos considerarán lentos, y habrán detalles que otros notarán faltantes, pero a pesar de esto, la trilogía es bastante buena.

Ahora, la pregunta que sacude a muchos después de ver las tres cintas : ¿es realmente necesario que Hollywood haga su versión? Nadie niega que el equipo juntado es de lujo (David Fincher como director, el maestro Trent Reznor con Atticus Ross para el apartado musical, Daniel Craig como Mikael), pero considerando la calidad de los originales y que fueron hechos en un formato general que es aceptado a nivel mundial, pone en duda el propósito de la industria estadounidense.

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The girl with the dragon tatoo


The girl who played with fire


The girl who kicked the hornet's nest