Cloud Atlas

Basada en la novela del mismo nombre, obra del autor David Mitchell, Cloud Atlas es un filme que relata seis historias que se desarrollan en diferentes eras y que se encuentran unidas por detalles que en ocasiones son demasiado obvios, pero en otros son más sutiles.

La película muestra en primera instancia una introducción a cada uno de los relatos que compondrán el resto de la cinta, para después intercalar las historias frecuentemente, saltando de una a otra sin parar, exhibiendo en ocasiones porciones de menos de diez segundos, para moverse a otro tiempo. Uno pensaría que esto va a complicar y volver extenuante el filme, pero no es así; la edición se convierte en el ingrediente principal para conservar al espectador enganchado, ya que se recurre a una técnica en apariencia simple, pero que si se examina el matiz de cada relato (ciencia ficción, post-apocalíptico, crimen, drama, comedia), la duración del largometraje y los incontables cambios que entretejen el trabajo, esto se convierte en un logro impresionante. El método consiste en que al final de cada fracción y antes de cambiar de época-historia, se menciona una frase o se muestra una escena que conecta dos o más segmentos, manteniendo una cadena que no se rompe y que preserva el ritmo hasta que aparecen los créditos.

Se ha hablado mucho acerca de los actores repitiendo en varias de las historias, en ocasiones en todas ellas, pero es sorprendente cómo el maquillaje modifica el rostro y las apariencias, causando que ni una persona sea capaz de reconocer a la primera el rol de todos cuando les toca repetir, pues existen unos que no son evidentes y que sorprenderán si esperan al final de la película para ver las maravillas que el equipo detrás de cámaras consiguió. Los intérpretes involucrados son varios preferidos de la gente (Hugo Weaving, Halle Berry, Tom Hanks, Hugh Grant, Susan Sarandon) y otros tal vez no tan conocidos en occidente, pero que poseen una carrera que los avala como Xun Zhou (Suzhou he) y Doona Bae (Take care of my cat, Air doll, Mr Vengeance).

La dirección estuvo a cargo de los hermanos Wachowski (cuyas historias se orientaron más al pasado y al futuro, The Pacific Journal of Adam Ewing, An Orison of Sonmi~451, Sloosha's Crossin' an' Ev'rythin' After) y Tom Tykwer (director de los segmentos más enfocados a la era actual: Letters from Zedelghem, Half-Lives: The First Luisa Rey Mystery, The Ghastly Ordeal of Timothy Cavendish), quienes hicieron un gran trabajo al otorgarle a cada parte un estilo y ambientación diferente, que ayuda a no volver monótona la narrativa. Para cumplir con las fechas, ambos equipos filmaron en paralelo, cambiando de actores cada que era necesaria su intervención.

Siendo el filme independiente más caro hasta el día de hoy, Cloud Atlas es una obra muy recomendada que hecha con mucho cuidado y que toca una variedad muy amplia de temas, no obstante, la estructura con que fue realizada y su duración puede apartar a aquéllos acostumbrados a películas de corte más ortodoxo.

From womb to tomb, our lives are not our own

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M

Antes de que Alfred Hitchcock hiciera Psicosis para consumar y hacer famoso el género de asesinos en serie, que posteriormente desembocaría en una era de películas durante los setentas y ochentas que definiría el estilo que perduraría en los años venideros, Fritz Lang filmaría en Alemania para presentar durante 1931 la que se considera la primera en su nicho.

M relata la historia de un asesino de niños que pone de cabeza toda una ciudad. La gente, en estado de histeria y nerviosismo porque sus pequeños están en peligro, gradualmente cae en la desesperación y comienzan a sospechar de cualquier persona en la calle. Los policías, ante la incapacidad de atrapar al monstruo y para sosegar al populacho, recurren a medidas un tanto extremas. El problema llega hasta el extremo de afectar a los criminales, quienes hartos de la constante intervención policiaca que perjudica sus negocios, organizan su propio escuadrón de búsqueda para encontrar y ajusticiar al verdugo, dando lugar a una carrera por atrapar al individuo.

Llena de controversia, con múltiples versiones, y vetada por los nazis durante una larga temporada, M cuenta con un estilo de dirección bastante marcado. Lang emplea magistralmente el uso del espacio en pantalla, manipulando el mise en scene (posición de objetos dentro del encuadre) como mejor le parece, mostrando ángulos y perspectivas bastante revolucionaras para su época y que hasta la fecha sirven para los nóveles cineastas. Otro punto que resalta dentro de las escenas, es la sutileza de Lang para "encapsular" a sus personajes en escena, por ejemplo, durante una escena, limita a ciertos personajes dentro de un arco, mientras una chusma aglomerada se encarga de trazar el diámetro de una semicircunferencia, dando una sensación ligeramente claustrofóbica.

Con un aire noir y siendo el primer filme con sonido que Fritz Lang filmaría, M (llamada también The Vampire of Düsseldorf porque se basa en un asesino real con este apodo) ha trascendido con el paso de los años y ha servido como una gran influencia para diversas películas (inclusive video juegos, si se toma en cuenta que Heavy rain presenta elementos similares a la trama) y series de televisión.

This won't bring back our children. We, too, should keep a closer watch on our children.

Nineteen Eighty-Four

Muse, NIN, Marilyn Manson, V de Vendetta, Equilibrium, reality shows... la lista sigue y no termina. Muchos artistas y trabajos han tomado como base esta historia de George Orwell publicada en 1949. 1984 (Nineteen Eighty-Four es el nombre alterno con el que se le identifica) es un relato que cuenta sobre una sociedad oprimida por un regimen que mantiene a los ciudadanos vigilados de una manera exagerada y obsesiva, al grado de que aquéllos que no coinciden con los estamentos del gobierno, viven traumados y temerosos de que cada acción que realicen los delate y los lleve a sufrir las consecuencias.

Esta novela ha trascendido con el paso de los años no tan sólo por la estructuración de la sociedad que presenta, sino por la cantidad exagerada de referencias que se adaptan perfectamente al modo en que el hombre vivió, vive y vivirá. Muchas de las fallas de los gobiernos, del ser humano, de los grupos, entre otros, son plasmados aquí con un tono gris, melancólico y realista con el que se sentirán identificados.

La película, como toda adaptación literaria, no incluye todos los detalles de la novela, pero sí consigue transportar el ambiente desolado y frío a la pantalla grande. John Hurt (V de Vendetta, Hellboy II, Inmortals, Alien) interpreta sin problemas al apático Winston Smith, convirtiendo al personaje escrito en una viva imagen.

Lo que muchos no saben, es que el concepto del conocido programa Big brother nace de 1984, esto debido a la constante vigilancia que se aplica a los individuos. A pesar de que puede sonar igual a cómo se maneja el sobre explotado recurso de los reality show, es imposible y una ridiculez pensar en siquiera comparar 1984 con este género televisivo, pues construye su propio y peculiar universo que está repleto de crítica a la sociedad y la manipulación que los medios ejercen sobre ella.

Filmada curiosamente en 1984, este película no es apta para todo público, dado que lleva un desarrollo lento y carente de un clímax, enfocándose principalmente en el retrato del grisáceo mundo donde viven los protagonistas.

Power is not a means, it's an end.

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Dellamorte Dellamore

De 1994 y llamada en inglés Cemetery Man, este filme italiano sobre zombies es uno de esos trabajos que difícilmente son igualados, y no es tanto por el tema que trata sino por cómo la trata. La historia relata la vida de Francesco Dellamorte (Francisco de la Muerte), un joven encargado de vigilar el cementerio de su comunidad, y de lidiar también con una epidemia que lo invade: ciertos días despues de que los difuntos son enterrados, vuelven a la vida para hacer estragos.

¿En qué difiere esta película del resto? Durante la primera mitad podrá considerarse como otro filme B, pero conforme progresa, la historia toma un ambiente surrealista, algo confuso y que incluso puede dar la sensación de que la narrativa no va a ningún lado y simplemente está tirando varios sucesos al azar en pantalla. No obstante, cuando los últimos minutos transcurren, todo da un giro inesperado, que aunque no faltará quien lo considere como muy pretencioso, es cierto que le da un enfoque diferente a la película y anima a recapitular los eventos pasados.

En tanto a aspectos técnicos, el largometraje se pinta solo, pues contiene tomas elaboradas y bien orquestadas, una fotografía que varía según el momento, efectos especiales acorde al género, varias capas narrativas, y una banda sonora que se aferra a lo que el encuadre de pantalla muestra.

Rara, surreal, original, muchos adjetivos se pueden atribuir a Dellamorte Dellamore, pero sin importar cuáles sean, es un hecho que resalta por sí sola y que es una experiencia única. Recomendada para los que gustan de las películas raras y los zombies.

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Gandahar

 Dirigida y adaptada de la novela The Machine-Men versus Gandaha (Les Hommes-machines contre Gandahar, el autor es Jean-Pierre Andrevon) por René Laloux en 1988, Light years o Gandahar, esta película relata cómo una pacífica civilización es invadida por individuos del futuro que poseen una tecnología sumamente avanzada; ellos, con los poco recursos que tienen, buscarán un modo de frenar esta inevitable destrucción.

Al igual que en Fantastic planet, el tema es una raza oprimida pero esta vez bajo una diferente circunstancia; otros temas son recurrentes, como las analogías con otros aspectos de la vida. Laloux presenta un universo rico en imaginación, presentando una fauna y flora muy variada. El despliegue de colores es grandioso, creando paisajes complicados y llenos de vida. Sobre la música ni qué decir, uno de los mejores apartados del filme, haciendo hincapié en los momentos más importantes del relato y agregando dramatismo.

El surrealismo se encuentra a la orden del día y satisfacerá a quienes busquen una pieza de ciencia ficción con un buen trasfondo. Gandahar es un filme francés recomendado para los fanáticos de género, no quedarán decepcionados ante la dirección y la historia.

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Profondo rosso

De 1975 y dirigia por el uno de los máximos exponentes del estilo giallo (cine de terror italiano), Darío Argento (Suspiria), Profondo rosso (Deep Red o Rojo Profundo) es un clásico de suspenso que lidia con un criminal que se dedica a asesinar a gente de manera aparentemente arbitraria; un pianista, obsesionado por la amenaza que se cierne sobre su existencia, decide realizar su propia investigación para desenmascarar al peligroso ser.

Como es costumbre en las películas italianas de suspenso de esa época, el modo en que la música se encuentra estructurada juega un papel fundamental al unirse con lo que se exhibe en encuadre, y a pesar de que este filme aplica esta regla como es debido, Profondo rosso peca a veces de utilizar estribillos inadecuados durante ciertas escenas que teóricamente tienen el objetivo de transmitir enigma, angustia, y terminan siendo una extraña mezcla que saca de balance al espectador y pierde su efecto original.

Gráficamente, el filme es magnífico. Argento utiliza tomas de todo tipo, como una que está casi al inicio del metraje, donde pasa de una toma cerrada con solamente dos personajes a una amplia que incluye capas de profundidad. La calidad de los escenarios seleccionados, la distribución de objetos en pantalla y los balanceados colores, edifican una compleja fotografía que es un total deleite visual.

La duración es un poco excesiva para la trama, la edición podría haber recortado veinte minutos o más para agilizar el desarrollo de la historia y hacer que ésta no perdiera el crescendo. A esto, se le aúna un par de fallos lógicos a nivel narrativa que para ciertas personas serán nimios e insignificantes, en tanto para otros podrá representar un motivo de disgusto.

Sea como sea, con o sin las faltas, no se puede negar que Profondo rosso es una pieza del cine italiano que ha definido mucho con el paso de los años. Reconocida como una de las mejores obras de Argento, ésta es una clásica recomendada para los que gustan de ver una narración visual hecha con dedicación y para satisfacer al ojo.

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The wicker man

 De 1973, The wicker man es considerada por algunos como uno de los mejores filmes sobre sectas de la meca cinematográfica. La historia gira en torno al sargento Howie, un policía que acude a una remota isla para investigar la desaparición de una niña; al arribar, el oficial no solamente se encuentra con una serie interminable de comportamientos que rayan en lo degenerado y profano (desde su punto de vista cristiano) sino que también los habitantes no mostrarán interés alguno en cooperar para resolver el caso.

Lo primero que resalta es el bizarro y en ocasiones, libertino modo de vida que los ocupantes del poblado llevan, edificando una atmósfera oscura y hermética, un controversial y singular mundo que se podría considerar la estrella principal del largometraje.

Con un último e imponente segmento que define el verdadero estilo de vida de los lugareños, The wicker man es un largometraje que ha dejado marca en otros con el paso de los años. En el 2009, se realizó una nueva versión protagonizada por Nicolas Cage, la cual para muchos no le llega ni a los talones de esta versión original. Muy recomendada para los amantes del terror y aquéllos que quieran ver uno de los trabajos más influyentes en el cine de este tipo.

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Kill list

Un asesino con problemas en su matrimonio decide tomar un trabajo que solventará sus problemas económicos, sin embargo él y su amigo no saben lo que cumplir este trato les costará, ignorantes ante las dificultades que afrontarán para poder sobrevivir y resolver el misterio detrás de la gente que los contrató.

Del 2011, Kill list es un filme que ha levantado controversia por el modo en que se encuentra estructurado. La película muta en hora y media drásticamente, saltando entre terror, drama y thriller de manera violenta. Muchos claman que la primera hora  es completamente diferente a lo que se presencia durante el último segmento, como si se tratarán de dos piezas diferentes. No obstante, este cambio tan repentino es lo que da un toque especial a la película y pone a prueba al espectador.

Otros han reclamado lo difícil que es comprender qué está sucediendo; Kill list no es el largometraje convencional donde uno se sienta y al final tendrá todo resuelto y en la palma de las manos, aquí se ofrecen las pistas de manera sutil (muchas tal vez pasen desapercibidas a la primera o requieran un poco de pensamiento), haciendo que los diálogos posean importancia, sin saber en qué momento se dirá o hará algo que sea de alta repercusión para comprender el tan discutido "cambio" del final. Una gran mayoría llegará a los crédito y se cuestionará "¿Me habré perdido de algo?", y la respuesta como se ha comentado es sí, los elementos para entender la historia principal están ahí, es cuestión de recapitular las escenas con cuidado.

Las actuaciones por parte de lso tres protagonistas principales son grandiosas, sus interpretaciones ayudan bastante a identificar los problemas que cada uno tiene. La edición es bastante ágil, cambiando entre escena y escena, eliminando los tiempos muertos, aunque tal vez dejando unos cuantos detalles al aire. La fotografía está bien adaptada y cumple con los requisitos dependiendo del género que esté siendo proyectado en pantalla.

Dilapidada y etiquetada de pretenciosa por algunos, incomprendida por otros, es un hecho que esta película no será fácil de ver para la mayoría. La mejor postura en que uno puede verla es con la mente alerta para todo lo que ocurra, y estar preparado para ver una obra cinematográfica muy particular.

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Paris by night of the living dead

En medio de un apocalipsis zombi, una pareja decide contraer nupcias, prometiendo en sus votos el librar a su alma gemela de la plaga que los rodea en caso de ser necesario; en plena ceremonia, los muertos vivientes atacan al cura y los recién casados deberán limpiar su camino para escapar con vida, acabando con cuanto zombi se les atraviese.

Corto de 12 minutos de duración, Paris by night of the living dead es una joya francesa del 2009 que ofrece dosis de acción, "romance", muertos vivientes y humor negro, todo mezclado para ofrecer un producto que destaca a plenitud en todo momento. La historia no es quizás lo más sobresaliente, el concepto es bastante simple pero para lo que el filme propone es más que perfecto.

La fotografía y los efectos especiales destacan junto con la música; los zombis se encuentran bien maquillados, y aunando a esto el uso apropiado de la computadora para post-producción, se construye un mundo "creíble".

Cortometraje muy recomendado si disfrutan del género zombi.

CORTO SON SUBTÍTULOS EN ESPAÑOL

Mr Nobody

Protagonizada por Jared Leto (conocido por algunos como el vocalista de 30 seconds to Mars, y por otros como el protagonista de Requiem for a dream de Darren Aronofsky), Mr Nobody es un filme que relata cómo un longevo Nemo Nobody, el último mortal en un mundo donde las células humanas pueden ser regeneradas, cuenta las experiencias de su vida a un reportero, el problema yace en que Nemo no es del todo coherente con la historia de su vida, pues narra múltiples versiones que incluyen diferentes esposas y decisiones (todas tomadas al mismo tiempo), e incluso su propia muerte.

La premisa es atractiva, pues se contempla las opciones que uno posee en la vida, así como las devastadoras consecuencias que puede acarrear una "pequeña" decisión, llevando a reflexionar la clásica frase: sólo se vive una vez. No obstante, la justificación que explica el entretejido y complicado relato es del tipo controversial, pues a pesar de que si le otorga sentido a lo sucedido, también le proporciona al filme una etiqueta muy pretenciosa que no dejará satisfechos a algunos.

Con una edición que puede complicar la comprensión y separación de los diferentes arcos que componen el relato,  y buenas interpretaciones, Mr Nobody es un filme original que destaca por su historia, pero ésta misma es también la causa de que la gente la etiquete de presuntuosa.

I can predict my every reaction.

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Black moon

Olvidada durante mucho tiempo debido a su incoherente fórmula, Black moon de 1975 es un filme de culto que en los últimos años ha recobrado fama debido a que The criterion collection (una serie de ediciones que restaura filmes antiguos y clásicos con una buena calidad) la ha relanzado al mercado.

Es casi imposible unir los puntos de la historia porque el filme se compone de varios segmentos plagados de surrealismo y simbolismo. La más clara alusión está al inicio, cuando la protagonista se encuentra con una batalla entre hombres y mujeres, representando la batalla de los géneros que era tan activa durante esas épocas; otras referencias son las de Alicia en el país de las maravillas por ejemplo.

El trama gira en torno a Lilly, una joven que mientras conduce por una carretera se topa con una cruel confrontación, de la cual se ve forzada a huir utilizando el bosque, hasta dar con una casa aparentemente abandonada, donde encontrará una serie de eventos que desafiarán su concepto de realidad, tales como: un unicornio, una señora que habla un lenguaje extraño y con una rata, niños que persiguen un cerdo y desaparecen, entre varios más.

La falta de coherencia entre las escenas y los pocos diálogos que componen el metraje es lo que hace a Black moon un filme no muy fácil de seguir. Con esporádica música de Tristán e Isolde de Wagner, este filme es recomendado solamente para los amantes del surrealismo o los que gustan de las películas raras

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Sint

Del 2010, Sint se basa en la historia de Sinterklaas, cuya versión americana es Santa Claus. A diferencia del bondadoso gordo bonachón que se ha vuelto el símbolo de las navidades en occidente, aquí San Nicolás es mostrado como un obispo que fue despiadado en vida, y que regresa de la muerte para masacrar decenas de personas cada que hay luna llena durante el 5 de diciembre.

La narración gira en torno a un policía que tuvo la desgracia de vivir en carne propia el sadismo de Sinterklaas, a lo largo de su vida, nunca alguien ha creído su versión de los hechos, razón por la que es tildado de loco; ahora que llega la esperada fecha, busca retribución intentando detener al obispo y sus súbditos como dé lugar.

Si bien el tema es llamativo y ofrece un panorama diferente de la leyenda que todos conocen (como el famoso descenso por las chimeneas), la ejecución no lo es tanto. Sint es un filme B en toda la extensión de la palabra, donde todos esperarían que por la sinopsis, San Nicolás fuera la estrella irrefutable, pero "desafortunadamente" la mayor parte del crédito se lo llevan los protagonistas humanos, pues recibe más atención su historia que la del demoniaco asesino. Esto provoca que el villano sea nomás un complemento dentro de la trama que ocasionalmente sale para hacer de las suyas.

A pesar de lo anterior, el filme es entretenido, aunque por ratos la edición de la historia hace que se sienta un poco apresurada, llegando hasta un final que pudo haber dado para más. Mezcla de terror y humor negro, Sint es otra de esas películas para no tomarse en serio y pasar el rato; éste es un filme holandés que causó controversia al salir (debido a la publicidad, muchos padres se quejaron de que esto podría ocasionar ideas extrañas en los niños sobre Santa Claus) y que por ciertas pistas proporcionadas, quizás cuente con una segunda parte.

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The human centipede II (Full sequence)

Mucha gente tal vez vea esta secuela por morbo, en espera de saber a qué hace referencia el "full sequence" que acompaña el título, el llevar el experimento a más de tres personas.

De las pocas cosas rescatables de la parte uno estaban el concepto y el villano, mientras que lo demás había dejado que desear. En esta ocasión, se presenta un ser más retorcido (aunque sea difícil de creer). Martín es un vigilante de estacionamiento cuya película favorita es The human centipede (First sequence), y la repite una y otra vez, analizando cada detalle de ella; esta obsesión, aunada con su baja autoestima, un turbio pasado y sus condiciones actuales de vida, lo impulsan a querer realizar el controversial experimento de su filme preferido, a pesar de no contar con experiencia médica alguna.

En esta ocasión, la narrativa se esfuerza en ofrecer un trasfondo más descriptivo sobre el personaje, los motivos que lo orillan a perder la cordura, guardando lo más gore para la última parte. Desgraciadamente, Martín es el único con un desarrollo a lo largo del metraje, el resto de los personajes están simplemente como carne de cañón.

Empero, no todo es mejora. La edición hace cambios que dejan espacios que a pesar de que pueden ser interpretados con facilidad y sin problemas, no mantienen consistencia con el énfasis que se hace al final para detallar cada uno de los suplicios de las víctimas. La historia también presenta ciertos fallos de lógica, situaciones que solamente se presentarían en un mundo feliz y a favor del criminal. Otro punto es que ciertas escenas parece que fueron introducidas con el mero propósito de causar disgusto y sin incorporarse apropiadamente a la historia.

Con una fotografía decente y hecha en blanco y negro (para "minimizar" el impacto visual), este filme presenta adelantos en relación al anterior, pero los detalles ya mencionados lo apartan de ser reconocido por mucha gente, no obstante, si lo que estan buscando es un largometraje con imágenes muy fuertes, éste satisfacerá su curiosidad.

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Fantastic planet

Conocido también como La planète sauvage y basado en la novela Oms en série de Stefan Wul, este filme de culto de 1973, dirigido por el genio René Laloux, es considerado uno de los trabajos de animación más influyentes que existen y esto no es tan sólo por la historia, sino también por la técnica empleada para la animación.

 La trama se desarrolla en un planeta donde los humanos no son el grupo dominante, y por el contrario son las mascotas de una raza superior que controla el planeta y considera al hombre una peste. Terr, uno de los humanos domesticados, consigue escapar de su jaula de oro para encontrarse con otros de su misma especie, con quienes conocerá una forma más primitiva de vida donde debe luchar para sobrevivir.

Los personajes y "animales" son de lo más variado que se puede imaginar, así como las costumbres y condiciones bajo las cuales se habita el planeta, lo que consigue crear un extraordinario mundo repleto de creatividad y colores. El factor de utilizar al hombre como raza dominada, da lugar a una cantidad interminable de analogías que se puede notar desde los primeros segundos del metraje, alguna de las cuales se encargan de transmitir cómo el hombre ha perjudicado a sus semejantes y el medio que lo rodea.

Ganadora del festival de Cannes, esta película es un manjar para los que adoran la ciencia ficción y el surrealimo, la música, la dirección, la animación y la historia la hacen digna merecedora del lugar que se ha ganado en la historia.

I decided to run away

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Bronson

Basada ligeramente en la vida del prisionero más violento de Gran Bretaña, Michael Gordon Peterson (actualmente se llama Charles Ali Ahmed), Bronson es un filme del 2008 protagonizado por Tom Hardy (Inception, aunque algunos lo identificarán igual como el que encarnará a Bane en The dark knight returns).

La historia relata cómo Michael recurre a la violencia continuamente durante toda su vida como si fuera "lo más normal", liándose a golpes con todo mundo (guardias de cárcel, prisioneros, civiles) sin arrepentimiento alguno. Envuelto por su particular estado mental, Michael adopta el sobrenombre de Charles Bronson y se convierte en una persona temida, sin un lugar fijo para habitar.

Bronson es un deleite visual que armoniza adecuadamente con la música y la edición. La variedad de estilo en la dirección proporciona un auténtico despliegue cinematográfico que pocas películas se aventuran a exponer, dado que es un arma de dos filos que puede resaltar un trabajo, o plasmarlo de prepotente; afortundamente, Bronson cae en el primer grupo.

A pesar de todo lo bueno mencionado, hay que comentar que el largometraje no será fácil de seguir para ciertas personas, puesto que el modo en que es relatado deja de lado la narrativa convencional. Recomendada si gustan del cine de arte o las películas con un toque único que las distinga de las demás.

I am Charlie Bronson, I am Britain's most violent prisoner

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Melancholia

Mucha expectativa ha levantado este filme, y en parte es debido a las declaraciones que su director y escritor Lars Von Trier hizo en el festival de Cannes. Otro motivo de controversia es el modo en que se encuentra estructurado el filme; Melancholia es una gigantesca metáfora acerca de la depresión, con toques de ciencia ficción, lo que provoca dos grupos: aquéllos que buscan un relato convencional y dinámico que terminan argumentando que el largometraje es aburrido, y aquéllos con paciencia que buscan algo más profundo, quienes desean tomarse la molestia de entender el concepto de lo descrito. Y es que ése es el principal motivo de división al ver Melancholia, hay que saber lo que se va a visualizar por más de dos horas, no simplemente desesperarse por la algarabía que ha levantado y verlo para cerciorarse de los motivos que tanta discusión han armado; caer en este grupo los hará pensar que ésta película es una pérdida de tiempo.

Los primeros siete minutos se encuentran orquestados por el Preludio de Tristan und Isolde, compuesta por Richard Wagner (mejor conocidos por algunos como el creador de La cabalgata de las Valquirias). La música, en acompañamiento de las extraordinarias imágenes, construyen uno de las mejores introducciones que se han hecho en la industria cinematógrafica. Esta secuencia parecerá no tener sentido, pero conforme la historia se vaya desarrollando, cada una de las partes que edifican la entrada, tomarán un significado evidente.

La narración se divide en dos secciones, Justine (Kirsten Dunst, que ofrece la mejor actuación de su carrera) y su hermana Claire (Charlotte Gainsbourg, conocida por trabajos como The cement garden, y que ha trabajado previamente con Von Trier en Antichrist). La primera parte trata sobre la boda de Justine y todo lo relacionado con ella; esta primera hora es pesada y aparenta no tener nada que ver con la introducción del filme (más aún si se espera ver tan pronto el factor ciencia ficción que tanto se menciona sobre esta película), no obstante, la importancia de la historia y las acciones de Justine radican en el plano psicológico y en todo lo que sucede en la segunda parte. La última hora se centra en Claire, quien acoge a una enferma Justine en su casa para ayudarla a recuperarse; durante la estadía, la relación de las hermanas será clave para enfrentar una potencial amenaza para la Tierra, un enorme planeta llamado Melancholia que amenaza con destruir todo.

Lo interesante de esta película no es tan solo la cantidad de analogías e interpretaciones que se pueden aplicar entre la primera y la segunda parte, sino también la impresionante fotografía que Von Trier despliega durante todo el metraje, así como su ya acostumbrada técnica de filmación, en la cual se prescinde casi por completo del uso de tripodes.

Un filme al que hay que tenerle mucha paciencia y que no todos disfrutarán al mismo nivel. Con un impactante final, Melancholia (cuya trama basó el director en una depresión que experimentó) es una obra de arte combinada con un poco de ciencia ficción que dará mucho de qué discutir debido a su desarrollo.

I know things

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Trilogía Millenium

Filmadas en fila entre el 2009 y 2010, esta famosa trilogía basada en los libros de Stieg Larsson, narra cómo Mikael Blomqvist, el editor de la revista Millenium, y Lisbeth Salander, una inteligente y sagaz investigadora, se unen para completar el misterio detrás del caso de una mujer desaparecida; lo que no saben, es que esto dará lugar a una peculiar y complicada amistad que llevará a Blomqvist a sumergirse en una importante conspiración política, donde tendrá que arriesgar todo por ayudar a Salander para escapar con vida de su turbio pasado.
Está por demás decir que cada película gira en torno a una temática en particular, ofreciendo una vasta cantidad de personajes y temas lo suficiente amplia para mantener el interés en la historia. Espionaje, maltrato a mujeres, chantajes, asesinatos, investigación, juicios, acción, son algunos de los puntos tratados durante los tres largometrajes. La música y la cinematografía hacen un conjunto muy atractivo, que junto con las bien logradas actuaciones (en especial Noomi Rapace en su papel de Lisbeth, una gran interpretación) construyen un resultado que no decepcionará a quienes gusten de este tipo de filmes. Habrán momentos que algunos considerarán lentos, y habrán detalles que otros notarán faltantes, pero a pesar de esto, la trilogía es bastante buena.

Ahora, la pregunta que sacude a muchos después de ver las tres cintas : ¿es realmente necesario que Hollywood haga su versión? Nadie niega que el equipo juntado es de lujo (David Fincher como director, el maestro Trent Reznor con Atticus Ross para el apartado musical, Daniel Craig como Mikael), pero considerando la calidad de los originales y que fueron hechos en un formato general que es aceptado a nivel mundial, pone en duda el propósito de la industria estadounidense.

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The girl with the dragon tatoo


The girl who played with fire


The girl who kicked the hornet's nest

Balada triste de trompeta

Del 2010, Balada triste de trompeta es un filme español que muestra el humor negro que ha caracterizado a Alex de la Iglesia desde su primera obra Mirindas asesinas. Y es que el creador de la conocida película El día de la bestia, no escatima en arrojar su estilo en una narrativa plagada de "bromas" inusuales y una trama muy particular.

La historia relata cómo Javier, un payaso triste, llega a un circo para trabajar como la pareja de Sergio, el payaso alegre que es ampliamente aclamado por los niños; la relación entre los dos no es muy apegada, y un coqueteo con la novia de Sergio propiciará que la situación se complique hasta extremos inimaginables y sicóticos. Esta descripción constituye el pilar de la película, aunque el filme cambia drásticamente sus temas y se muda de una historia a otra continuamente, ofreciendo un formato similar al que vive "El pequeño Alex" en la Naranja Mecánica de Stanley Kubrick.

En el aspecto cinematográfico, Balada triste de trompeta resalta bastante. La fotografía gris matiza todo el largometraje y coincide con el retrato de la melancólica vida que el payaso triste lleva; la música, caracterización de los personajes, edición y dirección tampoco desentonan y ofrecen una mezcla que no defraudará a los que busquen un trabajo oscuro y variado. Muy recomendada si disfrutaron de la ya mencionada El día de la bestia, o si buscan humor negro.

Sino fuera payaso sería un asesino


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Don't look back

Con Sophie Marceu (Les femmes de l'ombre) y Monica Bellucci (Irreversible), Don't look back del 2009, cuyo título original es Ne te retourne pas, es un largometraje que relata cómo Jeanne, una mujer casada y con dos hijos que intenta cambiar su trabajo de escritora de biografías por el de novelista, repentinamente comienza a ver que su mundo sufre cambios físicos: su casa, su familia e inclusive ella toman otro aspecto; a punto de desmoronarse y tener un colapso mental, Jeanne buscará comprender el porqué de su estado tan astillado.

La historia es grandiosa y mantiene atento a lo que sucede, pues toda la mutación que el personaje de Marceau-Bellucci vive, retrata cómo gradualmente ella va perdiendo la calma. Los efectos especiales utilizados para los momentos de transiciones físicas en personas están muy bien montados, ya que no se ve falso ni forzado y sí muy natural.

Un factor importante es la justificación de lo sucedido, dado que no provee una explicación sencilla de entender (esto si no se presta atención a ciertos detalles) pero sí una que encaja con lo sucedido y que no cae en lo pretencioso. Hay quienes se quejan de lo anticlimático del final, pero aunque muchos lo critiquen, la opción manejada es la más práctica si se compara con cualquier otro final predecible y convencional que las producciones comerciales emplean a menudo.

Con muy buenas actuaciones, Don't look back es un thriller sicológico complejo que aporta una historia original y deja al espectador recapitulando los hechos aun cuando los créditos han terminado. Muy recomendada.

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Les femmes de l'ombre

Filme francés del 2008, Les femmes de l'ombre (Las mujeres de las sombras) relata cómo Louise Desfontaines (interpretada por Sophie Marceau) recluta a un grupo de mujeres para llevar a cabo una misión de rescate en medio de territorio nazi; para su desgracia, su asignación es algo más que una simple extracción, ya que tendrán que buscar el modo de matar a un oficial alemán sin importar lo que suceda con ellas.

La historia de la película es bastante buena, va cambiando de ambiente conforme se desarrolla. Al principio uno puede pensar que ésta será otra más de la larga fila de trabajos cuyo tema principal es un rescate durante la guerra, pero afortunadamente esto no es siquiera la cuarta parte del metraje, ya que luego cambia su estructura hacia otro tema, y es aquí donde la narración se torna interesante. Las cinco mujeres deberán pasar por diversas situaciones, alianzas y traiciones, con tal de llevar a cabo su cometido.
Algo importante a resaltar, es que muchos pensarán que por tratarse de un quinteto de mujeres como protagonistas, el fator amoroso estará presente para darle un toque mucho más femenino al largometraje, pero en realidad no es así, la película se centra más en demostrar cuánta fortaleza llega a tener una mujer, así como la importancia que ellas tuvieron durante la segunda guerra mundial.
La ambientación y vestuario se encuentran orquestados de acuerdo a la época que representan. Hay escenas montadas de manera grandiosa, en especial un de las últimas, un claro homenaje al viejo cine noir. Las actuaciones por parte de las protagonistas son muy creíbles, cada una actúa de acuerdo a la personalidad que le toca.
Matizada con acción, drama y espionaje, Les femmes de l'ombre es una de esas películas sobre la guerra con un toque diferente (y un par de escenas que ciertas personas considerarán innecesarias), algo que muchos agradecerán cuando la vean. Muy recomendada.

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