M

Antes de que Alfred Hitchcock hiciera Psicosis para consumar y hacer famoso el género de asesinos en serie, que posteriormente desembocaría en una era de películas durante los setentas y ochentas que definiría el estilo que perduraría en los años venideros, Fritz Lang filmaría en Alemania para presentar durante 1931 la que se considera la primera en su nicho.

M relata la historia de un asesino de niños que pone de cabeza toda una ciudad. La gente, en estado de histeria y nerviosismo porque sus pequeños están en peligro, gradualmente cae en la desesperación y comienzan a sospechar de cualquier persona en la calle. Los policías, ante la incapacidad de atrapar al monstruo y para sosegar al populacho, recurren a medidas un tanto extremas. El problema llega hasta el extremo de afectar a los criminales, quienes hartos de la constante intervención policiaca que perjudica sus negocios, organizan su propio escuadrón de búsqueda para encontrar y ajusticiar al verdugo, dando lugar a una carrera por atrapar al individuo.

Llena de controversia, con múltiples versiones, y vetada por los nazis durante una larga temporada, M cuenta con un estilo de dirección bastante marcado. Lang emplea magistralmente el uso del espacio en pantalla, manipulando el mise en scene (posición de objetos dentro del encuadre) como mejor le parece, mostrando ángulos y perspectivas bastante revolucionaras para su época y que hasta la fecha sirven para los nóveles cineastas. Otro punto que resalta dentro de las escenas, es la sutileza de Lang para "encapsular" a sus personajes en escena, por ejemplo, durante una escena, limita a ciertos personajes dentro de un arco, mientras una chusma aglomerada se encarga de trazar el diámetro de una semicircunferencia, dando una sensación ligeramente claustrofóbica.

Con un aire noir y siendo el primer filme con sonido que Fritz Lang filmaría, M (llamada también The Vampire of Düsseldorf porque se basa en un asesino real con este apodo) ha trascendido con el paso de los años y ha servido como una gran influencia para diversas películas (inclusive video juegos, si se toma en cuenta que Heavy rain presenta elementos similares a la trama) y series de televisión.

This won't bring back our children. We, too, should keep a closer watch on our children.

Callalilly

Cortometraje escrito, producido, relatado y musicalizado por Christy Kane, ésta es la historia de una joven que toca el piano con gran habilidad, pero al notar que no puede convertirse rápidamente en una intérprete excelsa, deja que su carácter la domine y perjudique hasta que las consecuencias son irreversibles. Haciendo uso de muñecos, una narración poética, gran fotografía y una fantástica pieza musical que raya en lo atonal y que va cambiando su intensidad conforme la historia avanza, Callalilly consigue transmitir su moraleja de una particular manera.

Realizada en blanco y negro, con una atmósfera oscura y ligeramente gótica, este corto del 2007 es una opción diferente y bien realizada que demuestra que no es necesario ambiantar las narraciones en mundos infantiles para dar lecciones de vida.

A temper if not tamed, can leave a little rag doll maimed

Cortometraje entero (Sin subtítulos)

Aegri somnia

Del 2008, Aegri somnia es un filme de bajo presupuesto cuya historia gira alrededor de Édgar, un introvertido esposo que tras el suicidio de su mujer comienza a tener extrañas pesadillas sobre unos horrendos seres, a esto se aúna las compañias que tiene, que pareciera que lo único que quieren es que Édgar también tome el camino de su difunta esposa.

El factor que demerita a la película no es cómo luce debido a su falta de presupuesto, sino las actuaciones, que en varias ocasiones se ven un poco forzadas, se puede ver que intentaron replicar la técnica de David Lynch, de usar diálogos cortados, pronunciados por los actores como si fueran autómatas, sin embargo, esto requiere mucha capacidad y es un método que se tambalea entre lo misterioso y lo mal actuado; aquí es empleado en exceso y de mala forma, por lo que no suele transmitir el efecto deseado.

La música es una buena mezcolanza de ruidos con armonías, que se engancha adecuadamente a las tomas y la historia. La dirección es simple, pero introduce segmentos que evidencian una de las influencias de la película, la saga de juegos Silent Hill (niebla, una persona atormentada por un acto del pasado, el aspecto de los seres del otro mundo, el modo en que se desenvuelve la historia).

Desafortunadamente, Aegri somnia se vuelve algo predecible conforme avanza, pero esto no quita crédito a las escenas de terror que exhiben, que tienen mejor forma que muchas películas de esta época. Un complemento que es interesante, es que la mayor parte del filme es en blanco y negro, y reservan las escenas a color para los "momentos clave"; igual, ciertas escenas tienen una apariencia esférica, proporcionando una vista muy particular.

Mermada por detalles de dinero y falta de publicidad, Aegri somnia contiene algunas ideas que gustarán a los amantes del terror sicológico, un filme no muy conocido al que no estaría de más darle una mirada.

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Rubber's lover

Con un toque muy similar a los filmes de Shinya Tsukamoto (conocido por algunos por Tetsuo, A snake of June, Gemini), Rubber's lover relata las consecuencias que un grupo de científicos sufre cuando, ante la desesperación de que su departamento será cancelado, recurren a cualquier situación con tal de alcanzar el éxito en su meta: otorgar poderes síquicos a la gente con base a una fórmula especial.

El surrealismo que matiza las escenas, combinado con la fotografía estilo noir en blanco y negro, crean una atmósfera única y repleta de misticismo. La alineación de personajes es de lo muy diversa, yendo desde gente "normal" hasta maniáticos sin escrúpulos, y es esta base la que sazona la historia del modo indicado.

La forma en que la narrativa se desenvuelve es rara, ya que no se apega a los patrones convencionales, y habrán ciertos aspectos que desesperarán a algunos, como el exceso de gritos o la clásica falta de explicación ante ciertos eventos.

Rubber's lover es una película poco conocida pero contiene una propuesta muy original, es uno de esos trabajos de bajo presupuesto que no corren con la suerte de adquirir fama debido a factores desconocidos. Definitivamente este largometraje es difícil de definir con una simple sinopsis, dada la cantidad importante de componentes que lo constituyen, así como las enigmáticas y oníricas imágenes que se muestran. Muy recomendada si disfrutan de los largometrajes extraños o surrealistas.

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The human centipede II (Full sequence)

Mucha gente tal vez vea esta secuela por morbo, en espera de saber a qué hace referencia el "full sequence" que acompaña el título, el llevar el experimento a más de tres personas.

De las pocas cosas rescatables de la parte uno estaban el concepto y el villano, mientras que lo demás había dejado que desear. En esta ocasión, se presenta un ser más retorcido (aunque sea difícil de creer). Martín es un vigilante de estacionamiento cuya película favorita es The human centipede (First sequence), y la repite una y otra vez, analizando cada detalle de ella; esta obsesión, aunada con su baja autoestima, un turbio pasado y sus condiciones actuales de vida, lo impulsan a querer realizar el controversial experimento de su filme preferido, a pesar de no contar con experiencia médica alguna.

En esta ocasión, la narrativa se esfuerza en ofrecer un trasfondo más descriptivo sobre el personaje, los motivos que lo orillan a perder la cordura, guardando lo más gore para la última parte. Desgraciadamente, Martín es el único con un desarrollo a lo largo del metraje, el resto de los personajes están simplemente como carne de cañón.

Empero, no todo es mejora. La edición hace cambios que dejan espacios que a pesar de que pueden ser interpretados con facilidad y sin problemas, no mantienen consistencia con el énfasis que se hace al final para detallar cada uno de los suplicios de las víctimas. La historia también presenta ciertos fallos de lógica, situaciones que solamente se presentarían en un mundo feliz y a favor del criminal. Otro punto es que ciertas escenas parece que fueron introducidas con el mero propósito de causar disgusto y sin incorporarse apropiadamente a la historia.

Con una fotografía decente y hecha en blanco y negro (para "minimizar" el impacto visual), este filme presenta adelantos en relación al anterior, pero los detalles ya mencionados lo apartan de ser reconocido por mucha gente, no obstante, si lo que estan buscando es un largometraje con imágenes muy fuertes, éste satisfacerá su curiosidad.

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The man who laughs

Basada en una novela de Víctor Hugo y filmada en 1928, esta película muda es considerada por muchos la obra que definitivamente inspiró a Bob Kane y compañía para crear la antítesis de Batman, The Joker.

La historia gira en torno a Gwynplaine, un joven que desde pequeño recibió una cirugía por parte de contrabandistas de menores (robachicos), la cual consistió en deformar su rostro para que siempre tuviera marcada una sonrisa en él; esta intervención lo convertirá en una atracción ambulante conocida simplemente como "el hombre que ríe", lo que también le provocará un serio complejo de autoestima y lo llevará a descubrir un pasado que perjudicará su otrora pacífica existencia.

Las actuaciones son bastante buenas y la música que se escucha en el largometraje igual, llevando un buen acompañamiento durante el relato de la historia, que contiene una diversa gama de personajes. La fotografía también está a la altura de su época, manejando una adecuada escala de grises y escenarios montados a la perfección.
Con una duración de de hora y cincuenta minutos, The man who laughs es considerada erróneamente por unos como terror, y esto es más que nada por el rostro tétrico del melancólico y noble Gwynplaine, pero en realidad, este largometraje es un poderoso drama cuya influencia ha trascendido más allá del celuloide.

God closed my eyes so I could see only the real Gwynplaine

TRAILER NO OFICIAL (CONTIENE SPOILERS)

Yojimbo - A fistful of dollars

¿En que se relaciona el primer espaguetti western de la historia con uno de los filmes más conocidos de Akira Kurosawa? En 1961 Kurosawa escribió y dirigió Yojimbo, la historia de un samurai (interpretado por Toshiro Mifune) que llega a un poblado donde dos bandos luchan por apoderarse del mando del lugar; la diatriba continuará pero con la diferencia de que los grupos bailarán ahora al ritmo del recién llegado, quien los manipulará a su antojo con tal de sacar provecho de la situación y "ayudar" al poblado. Tres años más tarde, en 1964, Sergio Leone se embarcaría en una aventura que daría nacimiento a un nuevo género de películas de vaqueros, y una trilogía protagonizada por Clint Eastwood que marcaría epoca y terminaría con El bueno, el malo y el feo; lo que muchos no supieron en aquel entonces, es que A fistful of dollars era en realidad una versión de Yojimbo ambientada en el viejo oeste, donde el samurai era ahora un vaquero sin rumbo.

A pesar de que A fistful of dollars muestra una similitud increíble con Yojimbo (sucesos e inclusive diálogos), hay que reconocer que Leone dio una muestra de cómo se debe hacer el remake de una película, convirtiendo a su filme en un ejemplo que muchos cineastas actuales deberían seguir. La escenografía, los personajes, el momento en la historia, el hecho de que el modo de vida de los personajes en una película es regido por pistolas y el del otro por espadas, el estilo de fotografía, entre otros, hace que estos dos trabajos posean un estilo propio, a pesar de usar la misma trama.
En la historia de Kurosawa, el espectador se topa con la fotografía en blanco y negro que tanto caracteriza los trabajos antiguos del director, en tanto por el lado de Leone, las tomas giran en torno al aislado desierto, así como unos colores muy llamativos y espectaculares durante las tomas nocturnas; desde aquí se puede apreciar la música del legendario Ennio Morricone.
La premisa de Yojimbo y su "hermanito menor", A fistful of dollars, sería utilizada en el trabajo de Takashi Miike del 2007 que hizo honor a estas dos películas, Sukiyaki Western Django.
Recomendada, independientemente de la que escojan para ver, para los que quieran conocer un poco más de la historia del cine, ya sea del lado de los Western, o del lado de oriente, a cargo de Kurosawa.

TRAILER YOJIMBO

TRAILER A FISTFUL OF DOLLARS

Man bites dog

Filme francés de 1992 cuyo título original es C'est arrivé près de chez vous. La película gira en torno a Ben, un hombre con modales refinados que bajo su máscara social, esconde un secreto: es un desmedido asesino a sueldo. Un grupo de jóvenes filma sus asesinatos en modo de documental, buscando crear una cinta única; esta ambición los hará conocer el lado oscuro y perverso del ser humano.
Hecha en blanco y negro (lo que da un toque morboso a las escenas de muertes), con un presupuesto bajo y a manera de falso documental, Man bites dog es una historia que contiene humor negro, drama y algo de suspenso. La censura que acompañó a este largometraje se debe a la naturalidad y saña con que son expuestas las muertes (sin recurrir al gore), incluyendo personas de la tercera edad y un niño.
De resaltarse, es que los movimientos frenéticos de la cámara que caracterizan a estas películas, son usados solamente durante unos minutos, el resto del tiempo, la técnica de filmación se mantiene bastante bien, casi como si fuera un trabajo profesional. Otro punto curioso, es que el director del documental que sale en el metraje, es el director real del filme y el creador del concepto, colaborando con el protagonista de la historia y uno más de los personajes.
Man bites dog no será un filme fácil de ver para algunas personas, pero si la soportan, verán una obra que aunque puede tornarse repetitiva por momentos, es diferente a muchas otras producciones existentes.

Usually I start the month with a postman.

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Eden log

Filme de ciencia ficción poco conocido y subestimado por muchos, Eden log relata la historia de un hombre que despierta en el interior de una misteriosa cueva, la cual funge como una fuente de energía para el exterior; el lugar sin embargo, guarda muchos secretos que la gente de afuera desconoce.

Hecha en escala de grises y con tintes azules, que ocasionalmente permite que se filtren otros colores, esta película otorga un apartado gráfico muy atractivo, lo que constituye su punto fuerte; la atmósfera lúgubre y tenebrosa se encuentra acentuada por los escenarios de filmación.
El apartado donde no todos se sentirán cómodos es la narrativa. No cualquiera podrá seguir el modo en que todo se revela, como una especie de rompecabezas que necesita ser juntado, y a esto se auna los hechos de que se desarrolla lento y al final habrá quienes sientan que quedan aspectos inconclusos.
Eden log del 2007 es un largometraje oscuro de ciencia ficción raro que no será digerido tan fácilmente, pero aquéllos que la vean hasta el final y lo hagan, encontrarán algo diferente dentro del género.

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Violated angels

Hecha en 1967, Violated angels esun filme que cae dentro del genero pinky o de explotación. La historia gira en torno a un joven que asesina a un grupo de enfermeras que habitan una casa.
La película ofrece poca información sobre lo que sucede antes de los asesinatos (hay una secuencia de imágenes al principio que es un poco difícil de interpretar), sobre los motivos que llevan al asesino a cometer sus atroces actos; algunas escenas en el transcurso del metraje darán unas cuantas pistas sobre la razón.
El modo en que fue filmada denota una inclinación más artística que comercial, ya que el inusual desarrollo de los acontecimientos, los pocos diálogos, la música atmosférica y el sonido ambiental la convierten en una extraña pieza cinematográfica.
Con una duración menor a una hora (57 minutos), este mediometraje (considerado lleno de misoginia) es una buena opción para quienes buscan algo artístico o diferente dentro del pinky.

Strait jacket

De 1964, Strait Jacket es una película de suspenso cuya historia lidia con Lucy Harbin, una señora que decapita a su esposo y su amante sin piedad alguna ante la atónita mirade de su hija, para que como consecuencia de ello, pase 20 años en el sanatorio; al ser dada de alta, Lucy intenta volver a la vida cotidiana, pero su cabeza todavía es atormentada por los fantasmas de su pasado.
A pesar de que muchos puedan compararla una y otra vez con otro filme de esa década (revelar la identidad de éste puede arruinar gran parte de la trama), Strait Jacket se desarrolla en su propia manera, es un drama con toques de suspenso que entretiene y muestra un poco más de dónde las películas actuales toman inspiración para crear sus guiones.
Las tomas son bastante buenas, en especial en los momentos de decapitación, que es donde el juego de tonalidades grises y oscuras construye la escena adecuada para dar a entender qué está ocurriendo. En su época, esta película causó controversia, debido a los asesinatos que se perpetúan.
Con buenas actuaciones, una historia aceptable y una fotografía que se adecúa a lo que está sucediendo, Strait jacket es un filme que hará pasar un buen rato a aquéllos que busquen ver algo antiguo o de suspenso tipo Alfred Hitchcock.

Lucy Harbin took an axe, gave her husband forty whacks, when she saw what she had done, she gave his girlfriend forty one

Black Cat

Conocida como Yabu no naka no kuroneko, o simplemente kuroneko (Black cat), esta película de 1968 es un clásico del horror japonés que muchas veces es comparada con Onibaba, por el hecho de que los personajes principales son la madre y esposa de un joven mandado a la guerra, y un samurai; también son comparadas por la ambientación que consigue construir, así como el uso de terror sicológico.

La historia comienza cuando la madre y la esposa son brutalmente ultrajadas por un grupo de samurais ambulantes; mediante un maligno pacto, ambas cobrarán la venganza que tanto ansían, pero a un precio muy elevado.
Los escenarios del filme contienen tonos surrealistas, usando niebla al nivel del suelo en ocasiones para elaborar una atmósfera más lúgubre. El uso de un número impar de personajes en escena ayuda a formar un ambiente de tensión durante ciertas tomas, cambiando al final esta técnica por el uso de un número par, para mostrar más intimidad entre los actores. A diferencia de Onibaba que se puede considerar más como un drama, Kuroneko si muestra elementos de misterio y suspenso, aunque en la mitad del filme éstos pierden un poco de fuerza para desarrollar mejor la historia.
Un clásico del horror japonés, algo olvidado y subestimado, pero muy recomendado para los que gusten de las películas antiguas y el terror sicológico.

Following

El director Christopher Nolan se caracteriza porque la mayor parte de sus filmes son considerados inteligentes. Y es que desde su primer cortometraje, Doodlebug, daba muestras de que disfrutaba hacer las cosas a su manera. Memento (película que se desarrolla invertida, siendo la primera escena el final, y la última escena el principio; técnica que luego fue aplicada en Irreversible) fue la obra que lo catapultó y le dio el reconocimiento que merecía. Pero su salto al estrellato fue cuando dirigió y co-escribió las dos películas más recientes de Batman.

Pero antes de Memento, en 1998, estuvo Following, una película con una duración de apenas 70 minutos que relata la historia de un joven con una extraña afición: seguir a extraños; su manía se ve interrumpida cuando uno de los "seguidos" se da cuenta de la presencia del curioso y lo confronta; la relación que estos dos entablarán tendrá un motivo más oscuro y complicado del que parece.
La narración no es del todo lineal, y a pesar de que puede ser confusa en un principio, poco a poco va adquiriendo sentido, conforme las escenas se entrelazan. El apartado musical es bastante bueno y compagina con las escenas adecuadamente. En este filme se pueden apreciar muchos elementos que componen Memento, pero incluso así, Following consigue crear su propia atmósfera y sienta las bases de lo que será la carrera de Nolan.
Con un presupuesto bastante bajo, una fotografía con elementos Noir, actuaciones creíbles y una narración dinámica e interesante, este largometraje es una gema muy recomendada para los amantes del género thriller.

Everyone has a box.

The forbidden quest

De 1993 y con escasos 70 minutos de duración, este filme narra la expedición de un barco hacia la Antártica a principios del siglo XX en busca de un misterioso pasaje que conecta el polo sur y el polo norte. A pesar de lo interesante que pueda parecer la sinopsis para los amantes de la ciencia ficción, esta película no se desenvuelve de un modo convencional; un sobreviviente de la expedición del barco narra los acontecimientos desde su domicilio a un entrevistador, al mismo tiempo que se presentan segmentos de la aventura que fueron filmados por uno de los expedicionarios.
The forbidden quest se encuentra inspirada por relatos de Edgar Allan Poe, Julio Verne y un poema de Thomas Stearns Elliot. Los fragmentos de filme sobre la expedición que aparecen durante la película son en realidad cintas reales sobre expediciones a la Antártica, las cuales, al ser editadas cuidadosamente, encajan a la perfección con la trágica historia que relata el sobreviviente, el carpintero Sullivan.

Quizás no sea del agrado de muchos tener a un par de personas hablando sobre lo sucedido durante la expedición mientras se presentan pedazos de lo que ocurrió (el metraje que aparece se encuentra carente de sonido y con daños en la imagen, lo que ayuda a remarcar la antiguedad del relato que se está contando), pero si uno consigue pasar de los primeros veinte minutos sin aburrirse, encontrará un formato poco usado de narración que quizás les parezca atractivo.
Filmada en blanco y negro, usando pequeños deslices de color dentro de contadas escenas, y haciendo usos de filtros para matizar ciertas tomas, The forbidden quest es un buen filme de arte que puede ganar seguidores fácilmente, así como detractores.

8 1/2

Considerada una de las películas más influyentes en el cine (y si no lo creen, aquí pueden encontrar una escena que definitivamente inspiró a crear el personaje de Indiana Jones), 8 1/2 de Federico Fellini es una obra surrealista hecha en blanco y negro en 1963. La trama gira en torno al director Guido Anselmi, quien está a punto de hacer su nueva película y se encuentra haciendo los preparativos para filmarla, al mismo tiempo que lidia con una crisis personal.
El filme no es para cualquier persona (incluso no para todos los que disfruten de las películas de arte), pues por el modo tan lento con que se desarrolla, muchos pueden argumentar que carece de un clímax, es aburrida y no posee un tema en específico. Desafortunadamente esto ha propiciado que ciertas personas que "comprenden" y adoran la película, cataloguen a aquéllos que no la entienden como ignorantes, lo que crea debates.
El surrealismo se encuentra presente en varias escenas, aunque no hay pista alguna que avise al espectador cuando se encuentra viendo una ilusión del director (con excepción de unas cuantas escenas bastante obvias) y cuando es la realidad; este detalle fue uno de los gatillos para que los futuros directores de películas sean un poco más crípticos a la hora de manejar escenas surrealistas.
La variedad de personajes es bastante buena, yendo desde una prostituta con más de cuarenta y cinco años hasta una mujer refinada, pasando por algunos individuos extrovertidos. Esta gama crea una interacción única entre todos.
Sobrevalorada para algunos, una obra maestra para otros, sin importar a cuál grupo se pertenezca, es un hecho que muchas cosas se han dicho sobre 8 1/2 y que está visualmente bien hecha, portando tintes artísticos y haciendo uso de una fotografía de alto constraste.

Accept me as I am. Only then can we discover each other

13 Tzameti

Con un remake en puerta para el 2010 protagonizado por Jason Statham, 13 tzameti, también conocida como Suicide circle (este título puede crear confusión con la película de Sion Sono del mismo nombre) o El circulo del suicidio, narra las vivencias de Sebastián, un joven que sin darse cuenta se ve involucrado en un juego del bajo mundo donde varios individuos deben dispararse con un revolver cargado solamente con una bala.

La película se encuentra filmada en blanco y la narrativa, como varias películas del viejo continente, tiende a ser más lenta, desarrollando los eventos con calma, hasta llegar al clímax. La interpretación de George Babluani como Sebastían es muy creíble, cambiando sus facciones mientras va del mundo normal a uno en el cual la avaricia y la tensión abunda. La dirección, la edición y la fotografía en blanco y negro mantienen la violencia y el gore fuera de cámara y al margen, creando un filme con más tintes sicológicos que de violencia.
13 Tzameti (traducida como el jugador número 13) fue dirigida y escrita en el 2005 sin recurrir a un gran presupuesto por Géla Babluani, quien afortunadamente se encuentra a cargo del remake (llamado simplemente 13); habrá que esperar el nuevo enfoque que la película va a recibir y si está a la altura de este filme que ganó premios y nominaciones.

Freaks

Considerada película de culto y de 1932, Freaks relata la historia de Hans, un enano de circo que se enamora de una trapecista cuyas únicas intenciones son aprovecharse de él. Lo que catapultó este filme a convertirse en una obra digna de pasar a la posteridad es que cuando se proyectó, fue la primera vez que apareció en pantalla grande tantos actores con deformidades reales (no hubo efectos de maquillaje para la gente del circo, solamente una escena del final se hizo con maquillaje), lo que provocó el disgusto del público, y que incluso pidieran el retiro de la película de cartelera y fuera prohibida en varios países.
Uno pensaría que por dichos problemas, las personas con deformidades que aparecen son tratadas de una manera injusta en el filme, pero no es así, en realidad esta gente se desenvuelve durante las tomas como si estuvieran en un día de su vida cotidiana, haciendo sentir al espectador que ellos también pueden vivir una vida normal a pesar de sus limitaciones.
El desarrollo de la historia es magnífico, exponiendo a todos los personajes del circo aunque sea un momento, y mostrándonos una parte de su personalidad. así como también el grado en el que se cuidan los unos a los otros. Algunas personas reconocerán de inmediato la influencia que esta película ha tenido con el paso del tiempo en otros largometrajes y series (Carnivale de HBO sería un ejemplo muy claro a citar).
Con un final que en su época dejó asustados a varios, Freaks es una película de culto recomendada para todos aquéllos que gusten de aprender más de la historia del cine y para aquéllos que disfruten de los clásicos.

We accept you, one of us!

Ed Wood

Johnny Depp y Tim burton han colaborado varias ocasiones y en esta película de 1994 dedicada al denominado el peor director de todos los tiempos, ofrecen un filme bien ambientado y que hace honor a Edward D. Wood Junior.

Ed Wood como se le conoce normalmente a este director, obtuvo fama cuando al poco tiempo de su muerte se le declaró el peor realizador de películas de la historia. Contrario a dilapidar su nombre con este título, el director ganó una fama inmensa y sus obras se volvieron de culto. Fue gracias al coraje de Wood a la hora de hacer sus extravagantes largometrajes que llevó a muchos a seguir sus propias convicciones, dando nacimiento al llamado cine B; de este cine han aparecido directores actuales que, o se iniciaron en este género o son grandes admiradores de él (Peter Jackson, Quentin Tarantino y hasta el mismísimo Tim Burton, por citar unos cuantos).
La película fue filmada en blanco y negro (hay quienes claman que esto se debió a que los envueltos en la realización no imaginaban a uno de los personajes, Bela Lugosi, a colores) y cuenta con un estilo que varía de la narrativa y fotografía a la que Burton tiene acostumbrado, por lo que muchos de sus fans diferiran con los críticos de cine que catolagan ésta como la mejor película de Tim. Johnny Depp (Ed Wood) y Martin Landau (Bela Lugosi) son una muestra del espectacular reparto que interpretó a sus personajes de manera grandiosa.
La historia contiene tintes de drama y comedia, y gira en torno a tres de los filmes más famosos de Ed Wood, Glen or Glenda (de las películas más raras en la historia del cine), Bride of the Monster y Plan 9 from outer space (considerada la peor película de la historia por algunos). También hay el pequeño cameo de una de las primeros filmes de zombies que hubo, protagonizada por Lugosi: White Zombie.
Recomendada para aquél que quiera conocer un poco más sobre el famoso Ed Wood, y quienes quieran deseen ver un trabajo distinto, y muy bien realizado, de Tim Burton.

Pull the strings! Pull the strings!

The call of Ctulhu

Los admiradores de las historias de H.P. Lovecraft siempre han dicho que pocas veces se le ha hecho justicia a este escritor en el cine, que las adaptaciones que se le hacen son pobres o no se apegan a la novela original. The call of Ctulhu es una película que salió en 2005 que algunos consideran la mejor adaptación que se ha hecho a una narración de Lovecraft.
El formato del filme sin embargo, es poco convencional para algo actual, pues a pesar de ser del siglo 21, fue filmada como una película muda. A pesar de durar 47 minutos, la narración se encuentra bien estructurada y pareciera que dura más tiempo por la cantidad de cosas que acontecen. Las actuaciones y la fotografía del filme, así como las técnicas de cámara, la música y los efectos especiales, sí hacen pensar al espectador que se encuentran viendo una vieja obra cinematográfica.
La productora de este nuevo formato es HPLHS (H.P. Lovecraft Historical Society) y actualmente se encuentran produciendo una nueva historia del escritor: The whisperer in Darkness.
Altamente recomendada para quienes quieran ver una adaptación diferente de las historias de Lovecraft, o para quienes deseen ver un filme de terror relativamente nuevo con toda la pinta de ser antiguo.

Dementia (Daughter of horror)

1955 fue el año que apareció Dementia, también llamada Daughter of horror. No obstante, la película fue censurada en algunos lugares durante tres años, y no fue sino hasta 1958 que vio la luz en los cines.
El filme explora la mente de una mujer que ha cruzado la línea entre la cordura y la locura. Dominada por los errores de su pasado, vive en una pesadilla constante y sin fin. El desarrollo de la historia empieza cuando ella se levanta en medio de la noche, y desde ese momento, una cadena de sucesos extraños y sin sentido aparente empieza a acontecer.
La fotografía es estilo Noir, con mucho alto contraste en los tonos. Los matices de surrealismo forman el plato fuerte, pues en ellos se apoya el pasado de la torturada mente de la mujer. La música instrumental que acompaña toda la película suple con dignidad la ausencia de diálogos en los personajes (sólo se escucharán risas y lamentos si acaso, no más).
Existen dos versiones de Dementia, una con narrador y otra sin éste. El narrador interviene no más de siete ocasiones en la historia, complementando lo que sucede en la escenas y ayudando a comprender el significado de las acciones. Sin lugar a dudas, ver la versión sin narrador cambia el punto de vista de muchas cosas y deja más a la imaginación del espectador.
Con escasos 55 minutos de duración, una historia rara, y un reparto prácticamente desconocido, Dementia es una buena opción para aquéllos que quieran ver otro tipo de cine psicológico y surrealista.

This is my world. Let me lead you into it. Let me take you into the mind of a woman who is mad.