Psycho (Psicosis)

En 1960 Alfred Hitchcock sacó a la luz una película que marcaría época. Psycho, o mejor conocida en español como Psicosis, ha influenciado de manera vasta e interminable a múltiples filmes sobre asesinos. Basada en la novela breve (narrada en primera persona por sus personajes), del mismo nombre, del escritor Robert Bloch, esta historia presenta a un hombre perturbado por su pasado y que lidia contra sus demonios internos (es difícil dar una sinopsis más abundante sin estropear al espectador el relato.
El filme cuenta con un guión, mediante el cual, se le puede dividir en dos partes, antes y después de la ya conocida por todos, escena de la ducha. Hay quienes se preguntan qué ha hecho tan especial a este momento para que trascienda en la historia; en realidad, son varios factores los que convierten esa escena en mítica, como la edición, la fotografía, los simbolismos, y ni qué decir de la música que la compone.
La película cuenta con dos secuelas, Psycho 2 (1983), que transcurre veinte años después del final de la primera, y Psycho 3 (1986). Por supuesto, ninguna de las dos se compara a la original, a pesar de que Norman Bates, el personaje principal, sigue siendo interpretado por Anthony Perkins. En 1998 se le hizo un remake a la primera, el cual copió exactamente cada escena de la película, utilizando el mismo guión; como fue de esperarse, se despotricó ampliamente contra esta versión, catalogándola como innecesaria y desperdicio de dinero.
El largometraje de 1960 continúa vigente hasta el día de hoy, siendo exhibido en festivales y recomendado a todo amante del cine psicológico y de suspenso. La música, hecha con puro cuarteto de cuerdas, le da fuerza a varios momentos, el mise en scene compagina muy bien con la fotografía, y las magníficas actuaciones junto con la bien cuidada edición, convierten a esta película en lo que es, un clásico etiquetado como parte de las mejores películas en la historia del cine.

"Why, she wouldn't even harm a fly..."

Bin-jip (3-Iron)

Kim Ki-duk es un director coreano reconocido por el modo artístico en que dirige sus películas; Bin-jip, que salió en el 2004, no es la excepción a esa regla. El filme cuenta con una fotografía magnífica, un movimiento suave y fluido de la cámara, así como una historia poco usual, pero que sin lugar a dudas, transmite varios mensajes.
Nominada y ganadora de premios, la película trata sobre un hombre que irrumpe de casa en casa y vive en ellas como si fuera la suya, pero todo cambia cuando conoce a una mujer que vive un matrimonio diezmado por el irritante carácter del marido. La historia suena simple, pero por la manera en la que es contada, no lo es; el protagonista no habla y transmite todas sus emociones mediante expresiones faciales. Es impresionante como sin depender de los diálogos, Kim Ki-duk (quien también escribió, editó y colaboró en la producción del filme) consiguió que los personajes contaran la trama de la manera más natural posible, llevando al espectador a concentrarse más en las acciones que en las palabras.

Otro aspecto importante de la película es el modo en que cambia. Empieza de una manera tranquila, luego muta a una especie de romance, y termina con un estilo surrealista que ha llevado a algunos a compararla con el budismo. El final ha sido objeto de debate, pero sea cual sea la interpretación que se le dé, la película es bastante buena y es algo diferente a lo que se está acostumbrado a ver. Muy recomendada para quien busque algo original y visualmente expresivo.

Suspiria

Dario Argento es un director italiano cuya carrera ha estado llena de altibajos. En ocasiones sus trabajos han sido alabados y recibido buenas críticas, y otras veces, ha sido lo contrario.
Suspiria, que salió en 1977 y es considerada la obra maestra del director, es en realidad la primera parte de una trilogía de películas titulada The three mothers (las tres madres); las otras dos que forman parte del trío son Inferno (1980) y La Terza Madre (2007). A pesar de formar parte de un mismo concepto, las películas pueden ser vistas de manera independiente.
Suspiria trata sobre una joven estadounidense que llega a un instituto de baile alemán, donde conocerá extraños personajes y vivirá horrores que la llevarán a descubrir lo que realmente oculta la escuela. La trama de la película no tiene nada del otro mundo, en realidad es muy simple. Donde Suspiria destaca es en el apartado visual: ángulos de cámara particulares y un uso de colores vívido, variado y agradable a los ojos. En el aspecto musical se encuentra bien ambientado y va de la mano con el estilo del filme (aunque sea un poco escándaloso y se trague el audio de ambiente), no obstante, si se es un espectador que opina que la música solamente debe estar presente en los momentos sentimentales y de tensión, entonces se terminará catalogando esta película como musicalmente sobresaturada.

Sin lugar a dudas, el modo artístico en que fue rodado este filme es lo que lo ha hecho trascender con el paso de los años. Recomendada para quienes quieran ver algo clásico, artístico, y que ha influido en las películas actuales (por ejemplo, el uso de un color para matizar las tomas que aplica David Lynch en sus películas, es similar al que se puede apreciar en Suspiria).

Onibaba (Devil Woman)

Esta película de origen japonés salió en 1964. Algunos la catalogan como un filme de terror, pero la verdad es que se encuentra más orientada hacia el apartado artístico que al de asustar. El factor miedo que algunos podrían considerar latente se encuentra ya al final y es del tipo psicológico.
La historia es acerca de una señora y la prometida de su hijo, quienes esperan que éste vuelva de la guerra, que tiene al país en una difícil situación; ellas, para sobrevivir, se dedican a cazar samuraís mal heridos para luego vender sus pertenencias a cambio de comida. El problema empieza cuando regresa uno de los amigos de su hijo e informa lo sucedido con éste.
La fotografía de este largometraje es de lo mejor; utilizan mucho alto contraste, dejando en muchas escenas varios puntos casi en la oscuridad, mientras que se resalta con luz los factores importantes de la toma. La atmósfera se crea mostrando el ambiente donde se desarrolla la historia, creando el lugar adecuado para la última media hora del filme.
La película no es muy dinámica y probablemente aburra a varios, en especial si se ve con la idea de que es terror, como algunos argumentan. Si se encuentran buscando un largometraje artístico con ligeros tintes de terror psicológico, ésta es la elección.

I'm not a demon! I'm a human being!

Female Prisoner Scorpion

Durante la década de los setentas se puso de moda un género que muchas mujeres catalogarían ahora de sexista, el de cárceles femeninas. Desde entonces, varias películas han sido rodadas y en ellas varios elementos se repiten, tales como desnudos, maltratos y escenas de lesbianismo. Female Prisoner Scorpion es una tetralogía de películas que así inició.
La primera de ellas fue Joshuu 701-gô: Sasori (Female Prisoner #701: Scorpion) que salió en 1972 y trata sobre la venganza de Nami Matsushima, apodada la Escorpión, en contra del hombre que la traicionó y usó vilmente. La película se desarrolla en la prisión, donde Nami es sometida a múltiples abusos y castigos por parte de los vigilantes, quienes buscan romper su inquebrantable fuerza de voluntad.
La segunda, Joshuu sasori: Dai-41 zakkyo-bô (Female Convict Scorpion Jailhouse 41), que también salió en 1972 y es considerada la mejor, parece al inicio ser una copia de la primera, pero posteriormente cambia a un estilo más surrealista, que en la anterior sólo estuvo presente por momentos. La historia se desenvuelve mientras un grupo de mujeres huye de la justicia.
La tercera, Joshuu sasori: Kemono-beya (Female Prisoner Scorpion: Beast Stable), que salió en 1973, pierde bastantes elementos surrealistas y se vuelve un poco más urbana; fue la última que dirigió Shunya Ito y se considera la más débil de las tres que hizo. La cuarta parte, Joshuu sasori: 701-gô urami-bushi (Female Prisoner Scorpion: #701's Grudge Song), de 1973 igual, estuvo a cargo de otro director, quien aunque trató de mantener la línea de las primeras, no se siente igual.
Las películas comparten varios puntos, como el maltrato a mujeres, el abuso de poder, los asesinatos mediante arma blanca y el enexpresivo rostro de Escorpión. Pero el plato principal es el estilo visual y artístico que las caracteriza, ángulos de cámara particulares, acentuar el sentimiento mediante el uso de colores, las ideas transmitidas por medios surrealistas, etcétera. La edición de las escenas evita alargar los filmes, obviando detalles innecesarios y centrándose plenamente en la historia, aunque quizás algunos encuentren esto muy drástico. A pesar de que ciertas partes pueden parecer forzadas, repetitivas o sexistas, las películas en sí son buenas (incluso la primera, que pertenece a un género con mala fama, tiene sus detalles que la hacen sobresalir) y ofrecen algo distinto en tanto a cómo presentar un largometraje.

Farinelli

En 1994 apareció esta película, cuyos títulos alternativos son Farinelli Il Castrato y Farinelli voce regina. El desarrollo de la historia recuerda un poco a la clásica Amadeus de 1984, en la cual se retrataba la vida de Wolfang Amadeus Mozart desde un punto de vista particular. En el caso de Farinelli, se habla sobre quien quizás fue el más popular de los Castrati (castrados), que eran un grupo de niños que durante el siglo XVIII, se les castraba para que desarrollaran magníficas voces durante su etapa adulta.
La trama gira en torno a la vida de los hermanos Carlo y Riccardo Broschi, quienes desde niños se vuelven inseparables y se acostumbran a trabajar en grupo. Riccardo es el encargado de escribir las partituras que Carlo (Farinelli) canta para impresionar a todo el mundo, hasta que surge una rivalidad con George Handel, lo que cambiará el curso de la vida de los personajes, revelando duras verdades sobre el pasado de Carlo.
Las escenas de canto están bien coordinadas, no se sienten pesadas y no tardan tanto, como a veces se sentía con Amadeus. Los colores empleados en la fotografía son muy buenos y variados, en especial durante las escenas donde Farinelli canta (donde el espectador podrá escuchar una impresionante voz capaz de alcanzar y sostener notas bastante altas). Habrá quizás un par de cosas raras en la película, pero en general, el filme es bueno y mezcla perfectamente la música con el ambiente biográfico. Recomendado para quienes hayan disfrutado Amadeus y también para quienes gusten de películas de arte con pinceladas de musical.

Shurayukihime (Lady Snowblood)

En Kill Bill, Quentin Tarantino se encargó de hacer un montón de referencias a viejas películas orientales, una de las que más inspiración otorgó para el desarrollo de la vengativa trama fue sin lugar a dudas Lady Snowblood. Varias cosas se nota que forman parte de la saga de Bill, como el tipo de melodías de las canciones, la dura forma en la que entrenan a la mujer, el hecho de que todo gira en torno a una venganza, que la película se encuentra dividida en capítulos, entre otros más.

A pesar de lo anterior, tratar de comparar Lady Snowblood con Kill Bill y decir "ésta es mejor que la otra" sería una tontería. Cada película posee un estilo propio, siendo el filme de Tarantino más dinámico y con toques de humor negro, en tanto la película japonesa tiene un desarrollo más serio y sin estar atascado de violencia a cada rato.
La fotografía de Lady Snowblood esta caracterizada por los colores blanco y rojo (la bandera de Japón) así como el manejo constante de tonos oscuros en ciertas tomas y filmar sin tripode en varias ocasiones. La premisa es simple, una señora presencia el asesinato de su esposo a sangre fría por unos bandidos y es violada por algunos de ellos, con el paso del tiempo se embaraza y da a luz a una niña, que será la encargada de llevar a cabo la venganza; el relato no consiste en la protagonista yendo de lugar en lugar destajando gente todo el tiempo, se presenta igual la trágica vida que la vengadora lleva.
Esta película ha destacado más de la cuenta en los últimos meses debido al filme de Tarantino, lo que en parte es bueno, ya que es un buen largometraje que recibe la atención que merece, pero también es malo, ya que muchos la verán con el mero afán de compararla con Kill Bill y hacer un montón de críticas.