Paranoid Theatre

Nightmare detective (1 y 2)

2012-01-30T21:45:00.001-06:00

Un hombre nace con la habilidad de leer mentes y de ingresar a las pesadillas de las personas, convirtiéndolo en un individuo solicitado por la gente, aunque esto usualmente lo pone peligro, colocándolo constantemente en el dilema de ayudar a otros y enfrentar las consecuencias de sus actos o sumirse en la soledad para pelear con sus demonios.

El personaje de Kyoichi Kagenuma es muy interesante en varios niveles. Atormentado por su habilidad e incapaz de encajar en la sociedad, es un modelo de antihéroe que rápidamente define su estilo cuando aparece en pantalla. La manera en que es interpretado por Ryûhei Matsuda también influye en la presencia del personaje.

La primera película (2006) es sobre un caso de aparentes suicidios, donde las víctimas, antes de morir, llaman a un extraño hombre (el mismo director de los dos trabajos: Shinya Tsukamoto) conocido como "cero". La policía deberá acudir a Kyoichi para resolver el caso, dado que los asesinatos suelen ocurrir durante los sueños. La segunda historia (2008) contiene un corte más sicológico, ya que se adentra en la mente de Kagenuma, mostrando los traumas que fueron generados durante su niñez debido a las manías de su madre; en esta ocasión, el caso es sobre un grupo de muchachas que son aterrorizadas en sus sueños por una compañera de salón, sin saberlo, el detective encontrará una relación con su pasado que volverá personal la resolución del inconveniente.

El primer trabajo contiene una cinematografía muy marcada por el estilo de Tsukamoto, el azul, la música y la exposición de los momentos importantes, todos se encuentran organizados de la manera bizarra que el director ha marcado en sus anteriores trabajos. La narrativa es buena y la historia también, pero pareciera que la decisión de tener al detective sobrenatural en segundo plano durante gran parte del metraje, resta un poco de fuerza a la trama.

En el segundo filme el concepto cambia y tiene un acercamiento más artístico, ahora el detective es el personaje principal pero la historia es un poco más lenta y carente de un clímax como en la primera, lo cual es implementado para explorar más la mente de Kyoichi; todo esto es realizado adecuadamente hasta que las escenas se vuelven algo pretenciosas y dificultan la comprensión de lo que sucede. En tanto a dirección, el método es un poco más convencional, pero sigue conservando su grandeza.

Nightmare detective (título original es Akumu Tentei) es una pequeña saga que crea una historia original. A pesar de que no son las mejores obras de Tsukamoto, sin lugar a dudas contienen escenas y momentos muy particulares, un concepto fílmico que vale la pena ver.

NIGHTMARE DETECTIVE TRAILER

NIGHTMARE DETECTIVE 2 TRAILER

The wicker man

2012-01-30T21:16:00.001-06:00

De 1973, The wicker man es considerada por algunos como uno de los mejores filmes sobre sectas de la meca cinematográfica. La historia gira en torno al sargento Howie, un policía que acude a una remota isla para investigar la desaparición de una niña; al arribar, el oficial no solamente se encuentra con una serie interminable de comportamientos que rayan en lo degenerado y profano (desde su punto de vista cristiano) sino que también los habitantes no mostrarán interés alguno en cooperar para resolver el caso.

Lo primero que resalta es el bizarro y en ocasiones, libertino modo de vida que los ocupantes del poblado llevan, edificando una atmósfera oscura y hermética, un controversial y singular mundo que se podría considerar la estrella principal del largometraje.

Con un último e imponente segmento que define el verdadero estilo de vida de los lugareños, The wicker man es un largometraje que ha dejado marca en otros con el paso de los años. En el 2009, se realizó una nueva versión protagonizada por Nicolas Cage, la cual para muchos no le llega ni a los talones de esta versión original. Muy recomendada para los amantes del terror y aquéllos que quieran ver uno de los trabajos más influyentes en el cine de este tipo.

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Infection

2012-01-23T22:00:00.001-06:00

Del 2004, este filme trata sobre un hospital cuya escasez de recursos lo tiene al borde del colapso administrativo; doctores y enfermeras hacen todo lo que está a su alcance para mantener a flote el lugar, aunque esto implique someterse a períodos extenuantes de trabajo... pero todo cambia cuando un paciente con una extraña y mortal patología llega, obsesionando a un doctor con tratar la contagiosa y especial enfermedad sin preocuparse por las consecuencias que tendrá en los empleados.

Varios factores resaltan con rapidez en Infection (el título original es Kansen), el primero es la ambientación, que es el ingrediente principal que caracteriza al largometraje, recurriendo a técnicas que pueden hartar a la gente que no esté acostumbrada a las películas que concentran el factor terror en lo sicológico en vez de los sustos e impacto visual. La fotografía oscura combinada con colores fuertes y mucho gris, así como los sonidos, hace del hospital el lugar perfecto para desarrollar la historia

Durante la primera media hora, el espectador puede sentir que está viendo un episodio de E.R. o cualquier otra serie del tipo drama médico, ya que la trama se limita a exponer a los protagonistas, así como el trauma que cada uno de ellos tiene: una enfermera que no puede aplicar inyecciones, un pediatra frustrado, una señora que ve familiares muertos en espejos, entre otros. Esta variedad de caracterizaciones es el elemento ideal para exponer la infección que agrava el interior del hospital, llevando la narrativa con un ritmo lento pero bastante efectivo.

Quizás el final sea lo único que confunda a quienes vean Infection, pero no por ello deben privarse de ver esta película. Poco conocida, esta obra es muy recomendada para los que adoran el terror sicológico.

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Kill list

2012-01-08T22:07:00.002-06:00

Un asesino con problemas en su matrimonio decide tomar un trabajo que solventará sus problemas económicos, sin embargo él y su amigo no saben lo que cumplir este trato les costará, ignorantes ante las dificultades que afrontarán para poder sobrevivir y resolver el misterio detrás de la gente que los contrató.

Del 2011, Kill list es un filme que ha levantado controversia por el modo en que se encuentra estructurado. La película muta en hora y media drásticamente, saltando entre terror, drama y thriller de manera violenta. Muchos claman que la primera hora es completamente diferente a lo que se presencia durante el último segmento, como si se tratarán de dos piezas diferentes. No obstante, este cambio tan repentino es lo que da un toque especial a la película y pone a prueba al espectador.

Otros han reclamado lo difícil que es comprender qué está sucediendo; Kill list no es el largometraje convencional donde uno se sienta y al final tendrá todo resuelto y en la palma de las manos, aquí se ofrecen las pistas de manera sutil (muchas tal vez pasen desapercibidas a la primera o requieran un poco de pensamiento), haciendo que los diálogos posean importancia, sin saber en qué momento se dirá o hará algo que sea de alta repercusión para comprender el tan discutido "cambio" del final. Una gran mayoría llegará a los crédito y se cuestionará "¿Me habré perdido de algo?", y la respuesta como se ha comentado es sí, los elementos para entender la historia principal están ahí, es cuestión de recapitular las escenas con cuidado.

Las actuaciones por parte de lso tres protagonistas principales son grandiosas, sus interpretaciones ayudan bastante a identificar los problemas que cada uno tiene. La edición es bastante ágil, cambiando entre escena y escena, eliminando los tiempos muertos, aunque tal vez dejando unos cuantos detalles al aire. La fotografía está bien adaptada y cumple con los requisitos dependiendo del género que esté siendo proyectado en pantalla.

Dilapidada y etiquetada de pretenciosa por algunos, incomprendida por otros, es un hecho que esta película no será fácil de ver para la mayoría. La mejor postura en que uno puede verla es con la mente alerta para todo lo que ocurra, y estar preparado para ver una obra cinematográfica muy particular.

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Paris by night of the living dead

2012-01-08T21:34:00.001-06:00

En medio de un apocalipsis zombi, una pareja decide contraer nupcias, prometiendo en sus votos el librar a su alma gemela de la plaga que los rodea en caso de ser necesario; en plena ceremonia, los muertos vivientes atacan al cura y los recién casados deberán limpiar su camino para escapar con vida, acabando con cuanto zombi se les atraviese.

Corto de 12 minutos de duración, Paris by night of the living dead es una joya francesa del 2009 que ofrece dosis de acción, "romance", muertos vivientes y humor negro, todo mezclado para ofrecer un producto que destaca a plenitud en todo momento. La historia no es quizás lo más sobresaliente, el concepto es bastante simple pero para lo que el filme propone es más que perfecto.

La fotografía y los efectos especiales destacan junto con la música; los zombis se encuentran bien maquillados, y aunando a esto el uso apropiado de la computadora para post-producción, se construye un mundo "creíble".

Cortometraje muy recomendado si disfrutan del género zombi.

CORTO SON SUBTÍTULOS EN ESPAÑOL

Martha Marcy May Marlene

2012-01-07T21:16:00.001-06:00

Martha es una joven que huye de una casa donde habitaba una especie de secta con prácticas que abusaban de sus integrantes femeninas. Al llegar a la civilización, la mujer busca cómo refugiarse con su hermana. De ahí en adelante, su pesadilla comienza, pues intentará incorporarse nuevamente a la vida normal, pero los recuerdos del pasado no pararán de perseguirla y arruinarle su percepción del mundo, sumiéndola en paranoia.

El desarrollo es lento, la historia va cambiando entre la vida actual de Martha y las experiencias que tuvo en el grupo. La edición es la encargada de marcar la diferencia entre el presente y el pasado, facilitando saber en qué momento se encuentra la protagonista. Esta fórmula empleada para desenvolver los acontecimientos es el ingrediente principal para desarrollar a los personajes y para contar los sucesos apropiada e inteligentemente.

La actuación de Martha corre a cargo de Elizabeth Olsen, quien ofrece una gran interpretación y muestra una faceta muy diferente a la que solía exhibir años atrás; con Silent house (versión estadounidense de la espectacular La casa muda), y otros proyectos cercanos que está terminando, la gemela busca demostrar que puede levantar su carrera nuevamente y con la actuación de esta película, está más que demostrado que es muy capaz de hacerlo.

Drama sicológico con un final que caracteriza el cine independiente, Martha Marcy May Marlene es un largometraje que no ofrece ni giros repentinos, ni un clímax trepidante que mantendrá al espectador al filo del asiento, pero sí proporciona una narrativa bien elaborada como pocos trabajos hacen. Muy recomendada si les gusta el cine independiente.

There's no such thing as dead or alive; we just exist

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Mr Nobody

2012-01-07T21:15:00.001-06:00

Protagonizada por Jared Leto (conocido por algunos como el vocalista de 30 seconds to Mars, y por otros como el protagonista de Requiem for a dream de Darren Aronofsky), Mr Nobody es un filme que relata cómo un longevo Nemo Nobody, el último mortal en un mundo donde las células humanas pueden ser regeneradas, cuenta las experiencias de su vida a un reportero, el problema yace en que Nemo no es del todo coherente con la historia de su vida, pues narra múltiples versiones que incluyen diferentes esposas y decisiones (todas tomadas al mismo tiempo), e incluso su propia muerte.

La premisa es atractiva, pues se contempla las opciones que uno posee en la vida, así como las devastadoras consecuencias que puede acarrear una "pequeña" decisión, llevando a reflexionar la clásica frase: sólo se vive una vez. No obstante, la justificación que explica el entretejido y complicado relato es del tipo controversial, pues a pesar de que si le otorga sentido a lo sucedido, también le proporciona al filme una etiqueta muy pretenciosa que no dejará satisfechos a algunos.

Con una edición que puede complicar la comprensión y separación de los diferentes arcos que componen el relato, y buenas interpretaciones, Mr Nobody es un filme original que destaca por su historia, pero ésta misma es también la causa de que la gente la etiquete de presuntuosa.

I can predict my every reaction.

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Another Earth

2011-12-31T15:09:00.001-06:00

Ciéntificos descubren otro planeta igual a la Tierra, orbitando en las cercanías, el cual es denominado Tierra 2. Una joven, al enterarse del descubrimiento mientras conduce por la ciudad, queda estupefacta contemplando el nuevo astro, hasta que su descuido produce un trágico accidente. Años más tarde, intenta resarcir su error, sin reparar en las consecuencias de su esfuerzo, al mismo tiempo que intenta ganar un boleto para la primera expedición tripulada a Tierra 2, buscando una segunda oportunidad.

Del 2011, esta película es un drama que introduce elementos de ciencia ficción pero de un modo muy ligero. El tema del nuevo planeta es tan solo un complemento dentro de la historia y no el meollo del asunto, por lo que no debe verse Another Earth esperando una trama llena de fantasía.

Con buenas actuaciones, una fotografía que exhibe majestuosamente las tomas de la otra Tierra y filmada de manera simple (usando mucha cámara en mano y acercamientos manuales), Another Earth es un trabajo bien hecho con un final atractivo que dejará satisfechos a los que gustan de los dramas.

What would we say to ourselves? What would we learn from ourselves? What would we really like to see if we could stand outside ourselves and look at us?

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Black moon

2011-12-31T15:08:00.001-06:00

Olvidada durante mucho tiempo debido a su incoherente fórmula, Black moon de 1975 es un filme de culto que en los últimos años ha recobrado fama debido a que The criterion collection (una serie de ediciones que restaura filmes antiguos y clásicos con una buena calidad) la ha relanzado al mercado.

Es casi imposible unir los puntos de la historia porque el filme se compone de varios segmentos plagados de surrealismo y simbolismo. La más clara alusión está al inicio, cuando la protagonista se encuentra con una batalla entre hombres y mujeres, representando la batalla de los géneros que era tan activa durante esas épocas; otras referencias son las de Alicia en el país de las maravillas por ejemplo.

El trama gira en torno a Lilly, una joven que mientras conduce por una carretera se topa con una cruel confrontación, de la cual se ve forzada a huir utilizando el bosque, hasta dar con una casa aparentemente abandonada, donde encontrará una serie de eventos que desafiarán su concepto de realidad, tales como: un unicornio, una señora que habla un lenguaje extraño y con una rata, niños que persiguen un cerdo y desaparecen, entre varios más.

La falta de coherencia entre las escenas y los pocos diálogos que componen el metraje es lo que hace a Black moon un filme no muy fácil de seguir. Con esporádica música de Tristán e Isolde de Wagner, este filme es recomendado solamente para los amantes del surrealismo o los que gustan de las películas raras

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The haunting of Amelia

2011-12-25T20:36:00.001-06:00

Llamada también The other side of the tracks, este filme del 2008 retrata la vida de Josh, un joven agobiado por un accidente de diez años atrás que se niega a superar la profunda marca que este suceso ha dejado en su alma. La gente trata de convencerlo de que debe seguir adelante, pero su actitud indiferente y falta de iniciativa lo mantiene estancado, hasta que conoce a Amelia, una muchacha físicamente igual a la persona que perdió en su trágico pasado.

Este largometraje cae en lo que muchos encasillan como "películas donde nada pasa". La historia es muy lenta y contiene mucha plática sin aparente sentido, que en realidad son descripciones de lo que compone el final. Las actuaciones son mediocres, en varias partes se puede apreciar falta de química entre los actores. La banda sonora esta compuesta de canciones juveniles, lo que le da un toque de serie de televisión al estilo Beverly Hills 90210 y le resta el aire de misterio que ciertas partes pueden producir.

Si les gustan las películas crípticas, en las cuales se van dando pistas de lo que realmente ocurre, The other side of the tracks les proporcionará un rato para pensar; aunque si se encuentran acostumbrados a este tipo de filmes, también les podrá resultar fácil descifrar que está sucediendo en realidad. Lo que sí, es que el final ata todos los cabos que hubieron durante el metraje, dejando una conclusión apropiada pero un poco insípida.

Con la actuación de Tania Raymonde (mejor conocida como Alex Rousseau en Lost), The haunting of Amelia no es un largometraje para todos, hay que tener paciencia con su desarrollo y las faltas que posee debido a su bajo presupuesto.

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Sint

2011-12-24T22:09:00.001-06:00

Del 2010, Sint se basa en la historia de Sinterklaas, cuya versión americana es Santa Claus. A diferencia del bondadoso gordo bonachón que se ha vuelto el símbolo de las navidades en occidente, aquí San Nicolás es mostrado como un obispo que fue despiadado en vida, y que regresa de la muerte para masacrar decenas de personas cada que hay luna llena durante el 5 de diciembre.

La narración gira en torno a un policía que tuvo la desgracia de vivir en carne propia el sadismo de Sinterklaas, a lo largo de su vida, nunca alguien ha creído su versión de los hechos, razón por la que es tildado de loco; ahora que llega la esperada fecha, busca retribución intentando detener al obispo y sus súbditos como dé lugar.

Si bien el tema es llamativo y ofrece un panorama diferente de la leyenda que todos conocen (como el famoso descenso por las chimeneas), la ejecución no lo es tanto. Sint es un filme B en toda la extensión de la palabra, donde todos esperarían que por la sinopsis, San Nicolás fuera la estrella irrefutable, pero "desafortunadamente" la mayor parte del crédito se lo llevan los protagonistas humanos, pues recibe más atención su historia que la del demoniaco asesino. Esto provoca que el villano sea nomás un complemento dentro de la trama que ocasionalmente sale para hacer de las suyas.

A pesar de lo anterior, el filme es entretenido, aunque por ratos la edición de la historia hace que se sienta un poco apresurada, llegando hasta un final que pudo haber dado para más. Mezcla de terror y humor negro, Sint es otra de esas películas para no tomarse en serio y pasar el rato; éste es un filme holandés que causó controversia al salir (debido a la publicidad, muchos padres se quejaron de que esto podría ocasionar ideas extrañas en los niños sobre Santa Claus) y que por ciertas pistas proporcionadas, quizás cuente con una segunda parte.

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Guilty of romance

2011-12-21T16:26:00.001-06:00

Dirigida por el aclamado Sion Sono, Guilty of romance (el título original es Koi no tsumi) cuenta con la participación de Megumi Kagurazaka, una de las co protagonistas del anterior trabajo del director, Cold fish.

Izumi es la esposa de un famoso escritor y su vida está confinada a ser una fiel ama de casa, hasta que un día decide empezar a trabajar en un supermercado, donde será contactada para fungir como modelo; este hallazgo despertará en ella una actitud que accionará una racha de acontecimientos llenos de corrupción e hipocresía. Al mismo tiempo, una detective anda detrás de las pistas de un cruel asesinato, su pista consiste en un par de maniquís formados con algunas partes humanas.

A pesar que la idea principal de Guilty of romance es similar a Cold fish (un ser humano pasivo e inocente que descubre su lado oscuro al adentrarse a un nuevo mundo), el desarrollo es diferente, pues en vez de pasar gran parte del metraje construyendo lentamente el clímax, se dedica a mostrar más sobre cada uno de los personajes envueltos en la trama, ofreciendo un panorama más extenso de lo que sucede en el universo creado.

La banda sonora es grandiosa, recurriendo a música clásica y otros métodos para ambientar (como una parte donde levemente se puede escuchar una percusión grave una y otra vez, añadiendo un magnífico efecto a las escenas). Dirección, edición, fotografía (la gama de colores es interminable), y desarrollo de la trama también se encuentran orquestados adecuadamente y con el particular estilo que tanto caracteriza a Sion Sono. Las actuaciones son uno de los puntos más fuertes, cada actor (en especial las dos protagonistas) se luce en su papel y lo interpreta a la perfección.

Tal vez Guilty of romance no posea un clímax tan magnánimo y largo como el de Cold fish (media hora), pero eso no resta fuerza a su conclusión, un colofón propio y bien ejecutado que acaba como es debido y deja un buen sabor de boca. Basada en hechos reales, éste es un drama fuerte, recomendado para los amantes de las películas con múltiples capas narrativas.

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Idiots and angels

2011-12-21T16:25:00.001-06:00

Escrita y dirigida por Bill Plympton, Idiots and angels es una producción animada del 2008 llena de locura y ridiculeces que para unos parecera algo único y para otros lucirá como un cúmulo de eventos arrojados al azar para terminar una historia.

Es difícil dar una sinopsis concreta que describa apropiadamente un trabajo como éste, que transita por humor negro, surrealismo y drama, pero en términos generales, sería algo así: un patán del mundo laboral que hace lo que le place sin importarle los demás repentinamente nota en su espalda el nacimiento de unas protuberancias, que se convertirán en su peor pesadilla y su mayor virtud, alas de ángel.

El filme contiene una estructura que raya en lo insensato, a tal grado que no es fácil seguirle el paso, como en los últimos 20 minutos, donde se puede notar un aumento drástico en lo bizarro. El estilo de dibujo es similar al que se encuentra en las tiras de los periódicos, exagerando ciertos aspectos tales como el humo de un cigarro o las expresiones faciales de los personajes. El largometraje entero carece de diálogos, pero la música y los ruidos que los personajes realizan, junto con las imágenes, suplen esta falta de palabras e incluso las hacen innecesarias para expresar todo lo ocurrido.

Con una analogía (entre muchas otras) muy marcada sobre la eterna batalla interna del ser humano entre el bien y el mal, este filme es recomendado para los amantes del surrealismo y un estilo de animación diferente al que normalmente se aprecia en los cines.

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Aegri somnia

2011-12-19T21:16:00.001-06:00

Del 2008, Aegri somnia es un filme de bajo presupuesto cuya historia gira alrededor de Édgar, un introvertido esposo que tras el suicidio de su mujer comienza a tener extrañas pesadillas sobre unos horrendos seres, a esto se aúna las compañias que tiene, que pareciera que lo único que quieren es que Édgar también tome el camino de su difunta esposa.

El factor que demerita a la película no es cómo luce debido a su falta de presupuesto, sino las actuaciones, que en varias ocasiones se ven un poco forzadas, se puede ver que intentaron replicar la técnica de David Lynch, de usar diálogos cortados, pronunciados por los actores como si fueran autómatas, sin embargo, esto requiere mucha capacidad y es un método que se tambalea entre lo misterioso y lo mal actuado; aquí es empleado en exceso y de mala forma, por lo que no suele transmitir el efecto deseado.

La música es una buena mezcolanza de ruidos con armonías, que se engancha adecuadamente a las tomas y la historia. La dirección es simple, pero introduce segmentos que evidencian una de las influencias de la película, la saga de juegos Silent Hill (niebla, una persona atormentada por un acto del pasado, el aspecto de los seres del otro mundo, el modo en que se desenvuelve la historia).

Desafortunadamente, Aegri somnia se vuelve algo predecible conforme avanza, pero esto no quita crédito a las escenas de terror que exhiben, que tienen mejor forma que muchas películas de esta época. Un complemento que es interesante, es que la mayor parte del filme es en blanco y negro, y reservan las escenas a color para los "momentos clave"; igual, ciertas escenas tienen una apariencia esférica, proporcionando una vista muy particular.

Mermada por detalles de dinero y falta de publicidad, Aegri somnia contiene algunas ideas que gustarán a los amantes del terror sicológico, un filme no muy conocido al que no estaría de más darle una mirada.

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Rubber's lover

2011-12-08T21:05:00.001-06:00

Con un toque muy similar a los filmes de Shinya Tsukamoto (conocido por algunos por Tetsuo, A snake of June, Gemini), Rubber's lover relata las consecuencias que un grupo de científicos sufre cuando, ante la desesperación de que su departamento será cancelado, recurren a cualquier situación con tal de alcanzar el éxito en su meta: otorgar poderes síquicos a la gente con base a una fórmula especial.

El surrealismo que matiza las escenas, combinado con la fotografía estilo noir en blanco y negro, crean una atmósfera única y repleta de misticismo. La alineación de personajes es de lo muy diversa, yendo desde gente "normal" hasta maniáticos sin escrúpulos, y es esta base la que sazona la historia del modo indicado.

La forma en que la narrativa se desenvuelve es rara, ya que no se apega a los patrones convencionales, y habrán ciertos aspectos que desesperarán a algunos, como el exceso de gritos o la clásica falta de explicación ante ciertos eventos.

Rubber's lover es una película poco conocida pero contiene una propuesta muy original, es uno de esos trabajos de bajo presupuesto que no corren con la suerte de adquirir fama debido a factores desconocidos. Definitivamente este largometraje es difícil de definir con una simple sinopsis, dada la cantidad importante de componentes que lo constituyen, así como las enigmáticas y oníricas imágenes que se muestran. Muy recomendada si disfrutan de los largometrajes extraños o surrealistas.

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The human centipede II (Full sequence)

2011-12-08T21:04:00.001-06:00

Mucha gente tal vez vea esta secuela por morbo, en espera de saber a qué hace referencia el "full sequence" que acompaña el título, el llevar el experimento a más de tres personas.

De las pocas cosas rescatables de la parte uno estaban el concepto y el villano, mientras que lo demás había dejado que desear. En esta ocasión, se presenta un ser más retorcido (aunque sea difícil de creer). Martín es un vigilante de estacionamiento cuya película favorita es The human centipede (First sequence), y la repite una y otra vez, analizando cada detalle de ella; esta obsesión, aunada con su baja autoestima, un turbio pasado y sus condiciones actuales de vida, lo impulsan a querer realizar el controversial experimento de su filme preferido, a pesar de no contar con experiencia médica alguna.

En esta ocasión, la narrativa se esfuerza en ofrecer un trasfondo más descriptivo sobre el personaje, los motivos que lo orillan a perder la cordura, guardando lo más gore para la última parte. Desgraciadamente, Martín es el único con un desarrollo a lo largo del metraje, el resto de los personajes están simplemente como carne de cañón.

Empero, no todo es mejora. La edición hace cambios que dejan espacios que a pesar de que pueden ser interpretados con facilidad y sin problemas, no mantienen consistencia con el énfasis que se hace al final para detallar cada uno de los suplicios de las víctimas. La historia también presenta ciertos fallos de lógica, situaciones que solamente se presentarían en un mundo feliz y a favor del criminal. Otro punto es que ciertas escenas parece que fueron introducidas con el mero propósito de causar disgusto y sin incorporarse apropiadamente a la historia.

Con una fotografía decente y hecha en blanco y negro (para "minimizar" el impacto visual), este filme presenta adelantos en relación al anterior, pero los detalles ya mencionados lo apartan de ser reconocido por mucha gente, no obstante, si lo que estan buscando es un largometraje con imágenes muy fuertes, éste satisfacerá su curiosidad.

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Fantastic planet

2011-11-29T21:14:00.001-06:00

Conocido también como La planète sauvage y basado en la novela Oms en série de Stefan Wul, este filme de culto de 1973, dirigido por el genio René Laloux, es considerado uno de los trabajos de animación más influyentes que existen y esto no es tan sólo por la historia, sino también por la técnica empleada para la animación.

La trama se desarrolla en un planeta donde los humanos no son el grupo dominante, y por el contrario son las mascotas de una raza superior que controla el planeta y considera al hombre una peste. Terr, uno de los humanos domesticados, consigue escapar de su jaula de oro para encontrarse con otros de su misma especie, con quienes conocerá una forma más primitiva de vida donde debe luchar para sobrevivir.

Los personajes y "animales" son de lo más variado que se puede imaginar, así como las costumbres y condiciones bajo las cuales se habita el planeta, lo que consigue crear un extraordinario mundo repleto de creatividad y colores. El factor de utilizar al hombre como raza dominada, da lugar a una cantidad interminable de analogías que se puede notar desde los primeros segundos del metraje, alguna de las cuales se encargan de transmitir cómo el hombre ha perjudicado a sus semejantes y el medio que lo rodea.

Ganadora del festival de Cannes, esta película es un manjar para los que adoran la ciencia ficción y el surrealimo, la música, la dirección, la animación y la historia la hacen digna merecedora del lugar que se ha ganado en la historia.

I decided to run away

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The man who laughs

2011-11-29T20:57:00.001-06:00

Basada en una novela de Víctor Hugo y filmada en 1928, esta película muda es considerada por muchos la obra que definitivamente inspiró a Bob Kane y compañía para crear la antítesis de Batman, The Joker.

La historia gira en torno a Gwynplaine, un joven que desde pequeño recibió una cirugía por parte de contrabandistas de menores (robachicos), la cual consistió en deformar su rostro para que siempre tuviera marcada una sonrisa en él; esta intervención lo convertirá en una atracción ambulante conocida simplemente como "el hombre que ríe", lo que también le provocará un serio complejo de autoestima y lo llevará a descubrir un pasado que perjudicará su otrora pacífica existencia.

Las actuaciones son bastante buenas y la música que se escucha en el largometraje igual, llevando un buen acompañamiento durante el relato de la historia, que contiene una diversa gama de personajes. La fotografía también está a la altura de su época, manejando una adecuada escala de grises y escenarios montados a la perfección.
Con una duración de de hora y cincuenta minutos, The man who laughs es considerada erróneamente por unos como terror, y esto es más que nada por el rostro tétrico del melancólico y noble Gwynplaine, pero en realidad, este largometraje es un poderoso drama cuya influencia ha trascendido más allá del celuloide.

God closed my eyes so I could see only the real Gwynplaine

TRAILER NO OFICIAL (CONTIENE SPOILERS)

Sepent's path - Eyes of the spider

2011-11-16T20:53:00.001-06:00

¿Es posible que un director filme dos películas en tan solamente quince días y ambas estén bien realizadas? Kiyoshi Kurosawa hizo esto en 1998, usando un presupuesto muy bajo y un reparto de actores prácticamente igual. Las historias comienzan con la misma premisa, un padre buscando venganza por la muerte de su hija, pero después de esto, cada trabajo toma un rumbo diferente.

Serpent's path (Hebi no Michi), relata cómo Nijima (interpretado por Shô Aikawa, quien también es el protagonista principal de Eyes of the spider), un maestro de matemáticas avanzadas, ayuda a un inseguro ex-yakuza a llevar a cabo su venganza contra los asesinos de su hija, capturando a todos los involucrados, buscando un modo de desenmascarar al verdadero culpable... No obstante, el porqué Nijima ayuda con tanto interés a su cómplice permanece como un enigma hasta el final, ¿por qué arriesgar tanto en ayudar a un extraño?.

Eyes of the spider (Kumo no hitomi) relata las consecuencias que Naomi Nijima (a pesar de ser interpretado por el mismo actor, el personaje es completamente parte de otra historia) enfrenta después de vengar la muerte de su hija, aliándose con un grupo de asesinos y volviéndose un recurso valuable para un grupo yakuza. Con un cambio drástico en su vida, que afecta hasta la relación con su esposa, Nijima deberá adaptarse a este nuevo estilo y hacer lo posible por sobrevivir en ese mundo de traiciones.

A pesar que los factores hacen pensar que ambas películas son una copia, no es así. Serpent's path lleva un camino más serio y minimalista, además de presentar una historial con un desarrollo un poco "más normal". Eyes of the spider por el contrario es un poco "más suelta" y varias escenas parecen estar más orientadas sarcasmo, burlándose del mundo de la mafia, aparte de que la edición de este filme narra los acontecimientos de modo entrecortado, lo que puede dificultar mantener el paso para algunos.

Cada una en su propio estilo, estos dos filmes contienen la característica cinematografía de Kurosawa, tomas con planos extensos, ángulos creativos, una distribución excelente de objetos en encuadre y una fotografía simple pero efectiva. Ambos son una muestra de la capacidad del director de Kairo y Cure.

Recomendadas si disfrutan del cine alternativo y las películas de arte.

Bronson

2011-10-31T21:34:00.001-06:00

Basada ligeramente en la vida del prisionero más violento de Gran Bretaña, Michael Gordon Peterson (actualmente se llama Charles Ali Ahmed), Bronson es un filme del 2008 protagonizado por Tom Hardy (Inception, aunque algunos lo identificarán igual como el que encarnará a Bane en The dark knight returns).

La historia relata cómo Michael recurre a la violencia continuamente durante toda su vida como si fuera "lo más normal", liándose a golpes con todo mundo (guardias de cárcel, prisioneros, civiles) sin arrepentimiento alguno. Envuelto por su particular estado mental, Michael adopta el sobrenombre de Charles Bronson y se convierte en una persona temida, sin un lugar fijo para habitar.

Bronson es un deleite visual que armoniza adecuadamente con la música y la edición. La variedad de estilo en la dirección proporciona un auténtico despliegue cinematográfico que pocas películas se aventuran a exponer, dado que es un arma de dos filos que puede resaltar un trabajo, o plasmarlo de prepotente; afortundamente, Bronson cae en el primer grupo.

A pesar de todo lo bueno mencionado, hay que comentar que el largometraje no será fácil de seguir para ciertas personas, puesto que el modo en que es relatado deja de lado la narrativa convencional. Recomendada si gustan del cine de arte o las películas con un toque único que las distinga de las demás.

I am Charlie Bronson, I am Britain's most violent prisoner

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Karate girl

2011-10-31T20:58:00.000-06:00

Del 2011 y protagonizada por Rina Takeda, Karate girl lidia con la historia de dos hermanas separadas desde su infancia, partiendo por destinos opuestos y marcadas para ser enemigas.

A pesar de mostrar a Takeda como protagonista principal, el largometraje repite la misma jugada que en High kick girl, donde la actriz compartió la estelaridad con Tatsuya Naka (que tiene unas apariciones en esta película) a pesar de estar anunciada como la única al frente en los posters.

La historia de Karate girl es floja y su atractivo radica en las constantes escenas de pelea, coreografiadas con verdaderos artistas marciales. Fuera de eso, el desarrollo carece de un clímax que despierte emoción.

Takeda pinta para ser una artista de filmes de artes marciales pero necesita mejores producciones para lucir sus habilidades y cobrar más relevancia en la industria de su país, así como también tomar el reto de ser la única protagonista de un largometraje. Recomendada si desean ver un filme sobre karate (en especial si no están muy interesados en la historia y sólo en las peleas) o si les gustó High kick girl.

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Bubba Ho-Tep

2011-10-30T22:22:00.003-06:00

Hecha en el 2002 por Don Coscarelli, creador de la saga de terror Phantasm, Bubba Ho-Tep cuenta con al participación de un ícono del género, Bruce Campbells, mejor conocido por algunos como Ash en la saga de Evil dead. La película relata cómo un viejo Elvis Presley conoce al presidente John F. Kennedy en un asilo para personas de la tercera edad; ambos, acabados por la edad y sus ignoradas justificaciones sobre cómo es que siguen con vida, deben reunirse para investigar y confrontar una antigua amenaza que pone en peligro las almas de sus compañeros.

Coscarelli no es alguien que haga filmes a menudo, y es una lástima, pues su extraordinario manejo de fotografía oscura, un sello particular en sus obras, se exhibe en Bubba Ho-Tep con total naturaleza (en especial durante los últimos minutos). La historia se encuentra basada en una historia corta de Joe R. Landale, con el guión hecho por el mismo Coscarelli.

La sinopsis da la apariencia de ser Cine B, y lo es, en toda la extensión de la palabra. Campbells hace un gran trabajo en su papel de Elvis, y proporciona la actuación necesaria para propiciar risas en el espectador con las ocurrencias del personaje.

Combinación de terror con comedia negra, Bubba Ho-Tep es un filme recomendado si disfrutan de las películas que no son para ser tomadas en serio y cuyo único propósito es hacer pasar un rato agradable con sus ocurrencias (con una buena dirección como ingrediente extra).

Even a big bitch cockroach like you should know... never, but never, fuck with the King

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Sleeping beauty

2011-10-20T21:32:00.003-05:00

Primera película dirigida por la novel Julia Leigh, Sleeping beauty es un relato que describe cómo Lucy, una estudiante con varios trabajos de medio tiempo, acude a una entrevista para un nuevo trabajo, donde eventualmente le es revelado que tendrá que ser sedada y abandonada indefensa ante los deseos de los clientes, pero con la seguridad de que no habrá coito alguno.

A destacar aquí la actuación de Emily Browning (Sucker punch), quien hace un estupendo trabajo como la protagonista de la historia. Al ver a Lucy, muchos pensarán que carece de personalidad y que su frialdad le quita algo de sentimiento a la trama, lo cual es cierto, pero hay que tomar en cuenta que éste es el personaje y que la actriz realmente hizo un gran trabajo para transmitir esa sensación de vacío, una vida frívola y sin identidad.

Sí, la narrativa no es sencilla de seguir, la edición corta de un punto a otro en la vida de Lucy, yendo de sus trabajos, a su escuela, su vida personal, etcétera, provocando una especie de desconexión entre las tomas. Esta técnica obliga al espectador a sacar varias conclusiones con respecto a lo presentado y dificulta el seguimiento para los que no están acostumbrados.

El desarrollo es lento, la música casi inexistente, pero lo que resalta es la dirección y la fotografía, que se encuentran coreografeadas de manera excelsa y provee una muestra de la capacidad que Leigh tiene como directora, al presentar ángulos suaves, sencillos, pero ciertamente llamativos.

La película es bastante alternativa e indudablemente hay que tener carácter para verla con detenimiento hasta el final. La polémica que ha levantado es debido a las escenas de tipo sexual, donde se exhibe el trato de la mujer como un objeto para satisfacer los deseos del hombre.

Sleeping beauty no es la historia que la mayoría conoce de Disney, es una versión completamente diferente y más adulta. Recomendada solamente si disfrutan de las películas de arte.

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Melancholia

2011-10-16T22:37:00.001-05:00

Mucha expectativa ha levantado este filme, y en parte es debido a las declaraciones que su director y escritor Lars Von Trier hizo en el festival de Cannes. Otro motivo de controversia es el modo en que se encuentra estructurado el filme; Melancholia es una gigantesca metáfora acerca de la depresión, con toques de ciencia ficción, lo que provoca dos grupos: aquéllos que buscan un relato convencional y dinámico que terminan argumentando que el largometraje es aburrido, y aquéllos con paciencia que buscan algo más profundo, quienes desean tomarse la molestia de entender el concepto de lo descrito. Y es que ése es el principal motivo de división al ver Melancholia, hay que saber lo que se va a visualizar por más de dos horas, no simplemente desesperarse por la algarabía que ha levantado y verlo para cerciorarse de los motivos que tanta discusión han armado; caer en este grupo los hará pensar que ésta película es una pérdida de tiempo.

Los primeros siete minutos se encuentran orquestados por el Preludio de Tristan und Isolde, compuesta por Richard Wagner (mejor conocidos por algunos como el creador de La cabalgata de las Valquirias). La música, en acompañamiento de las extraordinarias imágenes, construyen uno de las mejores introducciones que se han hecho en la industria cinematógrafica. Esta secuencia parecerá no tener sentido, pero conforme la historia se vaya desarrollando, cada una de las partes que edifican la entrada, tomarán un significado evidente.

La narración se divide en dos secciones, Justine (Kirsten Dunst, que ofrece la mejor actuación de su carrera) y su hermana Claire (Charlotte Gainsbourg, conocida por trabajos como The cement garden, y que ha trabajado previamente con Von Trier en Antichrist). La primera parte trata sobre la boda de Justine y todo lo relacionado con ella; esta primera hora es pesada y aparenta no tener nada que ver con la introducción del filme (más aún si se espera ver tan pronto el factor ciencia ficción que tanto se menciona sobre esta película), no obstante, la importancia de la historia y las acciones de Justine radican en el plano psicológico y en todo lo que sucede en la segunda parte. La última hora se centra en Claire, quien acoge a una enferma Justine en su casa para ayudarla a recuperarse; durante la estadía, la relación de las hermanas será clave para enfrentar una potencial amenaza para la Tierra, un enorme planeta llamado Melancholia que amenaza con destruir todo.

Lo interesante de esta película no es tan solo la cantidad de analogías e interpretaciones que se pueden aplicar entre la primera y la segunda parte, sino también la impresionante fotografía que Von Trier despliega durante todo el metraje, así como su ya acostumbrada técnica de filmación, en la cual se prescinde casi por completo del uso de tripodes.

Un filme al que hay que tenerle mucha paciencia y que no todos disfrutarán al mismo nivel. Con un impactante final, Melancholia (cuya trama basó el director en una depresión que experimentó) es una obra de arte combinada con un poco de ciencia ficción que dará mucho de qué discutir debido a su desarrollo.

I know things

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Hesher

2011-10-16T21:32:00.001-05:00

Pocos hubieran imaginado el rumbo que la carrera de Joseph Gordon-Levitt tomaría después de La tercera roca del sol. Y es que son contados los actores de comedias televisivas que en Estados Unidos dan el salto a la pantalla grande. Joseph, llevando una selección de papeles muy variados que han demostrado sus dotes artísticas, gradualmente está tomando el lugar que merece. Inception se encargó de recordarle a mucha gente quién era y en Hesher, comprueba su capacidad para interpretar diversos papeles.

Este largometraje es un drama combinado con humor ácido y negro. La historia trata sobre TJ, un adolescente con una vida difícil que en una de sus andadas conoce a un vago despreocupado, un completo vividor sin miedo a las autoridades: Hesher; una serie de eventos propiciará que este problemático rockero entre en su casa, simplemente para complicar más su existencia, pero también para enseñarle una importante lección.

El filme también cuenta con la actuación de Natalie Portman (Black swam) y Rainn Wilson (Super), que aunque tienen interpretaciones que quedan en segundo plano si se compara con la interacción TJ-Hesher, influyen bastante en el desarrollo.

La forma en que el drama y la comedia se mezclan no es del todo convencional (lo que tal vez espante a algunos), pero es algo bastante refrescante que muchos disfrutarán. En ocasiones, las escenas harán cuestionar si las acciones en pantalla son para tomarse en serio, o a la ligera. Con Natalie Portman como parte del equipo de producción, éste es un filme muy recomendado, de esos que no se hacen muy a menudo y que ofrecen un buen producto.

HESHER WAS HERE

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White: The Melody of the Curse

2011-10-09T21:57:00.002-05:00

Filme coreano del 2011, White: The Melody of the Curse (título original es Hwa-i-teu: Jeo-woo-eui Mel-lo-di) trata sobre un grupo de pop con problemas de audiencia llamado Pink dolls, quienes al borde de la desintegración, son trasladadas a un viejo estudio que oculta un cruel pasado y una vieja cinta con un video que dará una nueva oportunidad al grupo, pero a un costo elevado.

La atmósfera de la película se encuentra bien armada, muchas tomas y momentos importantes son orquestados por juegos de luces y audio que encajan adecuadamente con el ambiente musical donde todo se desarrolla. Es cierto que ésta es una historia de fantasmas, donde el tema final es el mismo de siempre: ¿por qué algo sobrenatural persigue a los humanos? A pesar de esto, el filme cuenta con un estilo que lo pone más allá de la media de este tipo de películas, mostrando escenas nuevas y una buena historia.

El énfasis hecho en la competencia y el egoísmo de las muchachas por el liderazgo y reconocimiento encima de las demás es lo que añade el ingrediente extra a la narrativa. Las actuaciones por parte de las protagonistas son aceptables, hacen lo suficiente para transmitir el mundo de hipocresía en el que están sumergidas, así como las constantes pruebas a las que deben someterse para soportar la presión de sus responsabilidades.

Con un final bien montado, White es un largometraje de terror recomendado para los amantes de este género.

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Fase 7

2011-10-09T21:29:00.000-05:00

Largometraje argentino del 2011, Fase 7 exhibe desde un inicio que su presupuesto no es grande, y es que la simplicidad de la música y la dirección de cámaras hacen pensar que éste será un filme B más a la cuenta... pero lo que este trabajo demuestra, es que lo que le falta en presupuesto, lo compensa con su grandiosa historia.

Coco y Pipi compran en un supermercado, mientras un caos se comienza a desarrollar a su alrededor, sin que ellos le presten mucha atención. Cuando llegan a casa, se enteran en las noticias de que una mortal pandemia se extiende a nivel mundial y que en su edificio hay un posible infectado; después de son puestos en cuarentena, un conflicto interno explota entre los habitantes, formando facciones, desesperados por no contraer la enfermedad.

La cantidad de cambios que la historia da es magnífica, manteniendo el entretenimiento constante y sin parar (lo único incrédulo tal vez, es la ignorancia de uno de los personajes ante todo el problema). El ritmo también es bastante bueno y en dueto con las actuaciones, elaboran un mundo que hace que cualquiera olvide que se encuentra viendo una película con bajo presupuesto.

Con humor negro integrado, Fase 7 es una sorpresa agradable y algo fresco dentro del género de películas sobre pandemias, una más de esas producciones de ciencia ficción que demuestra que los efectos especiales muy caros no son algo necesario para elaborar una buena película. Muy recomendada.

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Trilogía Millenium

2011-10-02T21:07:00.001-05:00

Filmadas en fila entre el 2009 y 2010, esta famosa trilogía basada en los libros de Stieg Larsson, narra cómo Mikael Blomqvist, el editor de la revista Millenium, y Lisbeth Salander, una inteligente y sagaz investigadora, se unen para completar el misterio detrás del caso de una mujer desaparecida; lo que no saben, es que esto dará lugar a una peculiar y complicada amistad que llevará a Blomqvist a sumergirse en una importante conspiración política, donde tendrá que arriesgar todo por ayudar a Salander para escapar con vida de su turbio pasado.
Está por demás decir que cada película gira en torno a una temática en particular, ofreciendo una vasta cantidad de personajes y temas lo suficiente amplia para mantener el interés en la historia. Espionaje, maltrato a mujeres, chantajes, asesinatos, investigación, juicios, acción, son algunos de los puntos tratados durante los tres largometrajes.La música y la cinematografía hacen un conjunto muy atractivo, que junto con las bien logradas actuaciones (en especial Noomi Rapace en su papel de Lisbeth, una gran interpretación) construyen un resultado que no decepcionará a quienes gusten de este tipo de filmes. Habrán momentos que algunos considerarán lentos, y habrán detalles que otros notarán faltantes, pero a pesar de esto, la trilogía es bastante buena.

Ahora, la pregunta que sacude a muchos después de ver las tres cintas : ¿es realmente necesario que Hollywood haga su versión? Nadie niega que el equipo juntado es de lujo (David Fincher como director, el maestro Trent Reznor con Atticus Ross para el apartado musical, Daniel Craig como Mikael), pero considerando la calidad de los originales y que fueron hechos en un formato general que es aceptado a nivel mundial, pone en duda el propósito de la industria estadounidense.

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The girl with the dragon tatoo

The girl who played with fire

The girl who kicked the hornet's nest

Balada triste de trompeta

2011-09-22T22:12:00.003-05:00

Del 2010, Balada triste de trompeta es un filme español que muestra el humor negro que ha caracterizado a Alex de la Iglesia desde su primera obra Mirindas asesinas. Y es que el creador de la conocida película El día de la bestia, no escatima en arrojar su estilo en una narrativa plagada de "bromas" inusuales y una trama muy particular.

La historia relata cómo Javier, un payaso triste, llega a un circo para trabajar como la pareja de Sergio, el payaso alegre que es ampliamente aclamado por los niños; la relación entre los dos no es muy apegada, y un coqueteo con la novia de Sergio propiciará que la situación se complique hasta extremos inimaginables y sicóticos. Esta descripción constituye el pilar de la película, aunque el filme cambia drásticamente sus temas y se muda de una historia a otra continuamente, ofreciendo un formato similar al que vive "El pequeño Alex" en la Naranja Mecánica de Stanley Kubrick.

En el aspecto cinematográfico, Balada triste de trompeta resalta bastante. La fotografía gris matiza todo el largometraje y coincide con el retrato de la melancólica vida que el payaso triste lleva; la música, caracterización de los personajes, edición y dirección tampoco desentonan y ofrecen una mezcla que no defraudará a los que busquen un trabajo oscuro y variado. Muy recomendada si disfrutaron de la ya mencionada El día de la bestia, o si buscan humor negro.

Sino fuera payaso sería un asesino

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Shirome

2011-09-06T21:45:00.000-05:00

Dirigida por Kôji Shiraishi (Noroi, Dead girl walking, A slit mouthed woman) y hecha en el 2010, Shirome es un filme que trata sobre un grupo de pop conformado por muchachas entre los 13 y 16 años, que son convencidas de filmar un programa donde ellas tendrán que acudir a un edificio que alberga la leyenda de un dios que concede deseos; si el deseo (el cual consiste en aparecer en un famoso programa de televisión para jóvenes talentos) es pedido de corazón, será otorgado a la persona, pero si no lo es, serán arrastradas al infierno.

La película toma como una fuerte base a Noroi, uno de los filmes que el director mejor ha elaborado y posiblemente uno de los más originales dentro del género de falso documental. Muchas técnicas de Noroi son retomadas aquí al momento de filmar, sólo que dentro de un ambiente diferente. Ignorando las conceptos de cámara repetidos, hay otras cosas que le restan cierta fuerza a la película, como el abuso de jovencitas aterrorizadas gritando y sollozando; es totalmente comprensible que bajo la situación que se encuentran rompan en llanto continuamente, pero la cantidad de tiempo que esto es expuesto en pantalla se llega a volver una exageración.

A pesar de que Shirome no está a la altura de su predecesora, hay que reconocerle que el tema tocado es algo distinto para este tipo de películas y esto mantiene cierto interés. Para aquéllos que vean poco creíble el propósito del programa que las adolescentes filman, sería buena idea que investigaran un poco sobre lo originales y excéntricos (al menos para la gente de occidente que no está acostumbrada) que pueden ser las transmisiones de oriente.

Si disfrutan de las películas de este tipo, ésta les hará pasar un buen rato; quizás no sea la octava maravilla, pero sí es algo completamente diferente si se compara con otras producciones de este estilo y por tanto ofrece una historia nueva. Si les convence, no duden en ver también Noroi, un largometraje del 2005 poco conocido pero con una atmósfera tan particular como la de Shirome.

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Don't look back

2011-09-04T21:25:00.001-05:00

Con Sophie Marceu (Les femmes de l'ombre) y Monica Bellucci (Irreversible), Don't look back del 2009, cuyo título original es Ne te retourne pas, es un largometraje que relata cómo Jeanne, una mujer casada y con dos hijos que intenta cambiar su trabajo de escritora de biografías por el de novelista, repentinamente comienza a ver que su mundo sufre cambios físicos: su casa, su familia e inclusive ella toman otro aspecto; a punto de desmoronarse y tener un colapso mental, Jeanne buscará comprender el porqué de su estado tan astillado.

La historia es grandiosa y mantiene atento a lo que sucede, pues toda la mutación que el personaje de Marceau-Bellucci vive, retrata cómo gradualmente ella va perdiendo la calma. Los efectos especiales utilizados para los momentos de transiciones físicas en personas están muy bien montados, ya que no se ve falso ni forzado y sí muy natural.

Un factor importante es la justificación de lo sucedido, dado que no provee una explicación sencilla de entender (esto si no se presta atención a ciertos detalles) pero sí una que encaja con lo sucedido y que no cae en lo pretencioso. Hay quienes se quejan de lo anticlimático del final, pero aunque muchos lo critiquen, la opción manejada es la más práctica si se compara con cualquier otro final predecible y convencional que las producciones comerciales emplean a menudo.

Con muy buenas actuaciones, Don't look back es un thriller sicológico complejo que aporta una historia original y deja al espectador recapitulando los hechos aun cuando los créditos han terminado. Muy recomendada.

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Cowboys & Aliens

2011-09-03T22:14:00.000-05:00

Protagonizada por Daniel Craig, Olivia Wilde (Dr. House), Sam Rockwell (Moon) y Harrison Ford, Cowboys & Aliens es un filme basado en un comic del mismo nombre creado por Scott Mitchell Rosenberg y publicado en 2006. Este trabajo está dentro de la larga lista de películas que han recibido malas críticas debido a que muchos no ven lo que esperan; esto es contradictorio e inclusive raya en lo ridículo porque, ¿qué es lo que estas personas esperan ver en el cine de un largometraje cuyo título define desde un principio que no será una trama "para tomarse en serio"?

La sinopsis es digna de un filme B, pero con mucho presupuesto y adaptado a un estilo más comercial. Que alguien disfrute Cowboys & Aliens es cuestión de enfoque, de saber que se va a ver un western plagado de situaciones fantásticas y carentes de sentido.

La historia solamente toma el comic como una base; por menciomar algunas diferencias están: los personajes son diferentes, se pierde el hincapié y la analogía que la historieta hace entre la conquista vaqueros-indios y alienígenas-humanos, el motivo de los extraterrestres para estar en la Tierra es una estupidez si se compara con la versión original, la mayoría de las situaciones muy exageradas de la obra de Rosenberg, fueron cambiadas por algo "más real". Otros elementos del comic son presentados en pantalla, pero bajo distintas circunstancias. A pesar de la enorme cantidad de diferencias existentes, se retiene la esencia, que es el duelo humano-alienigena.
La historia relata como un vaquero con amnesia, y un extraño brazalete, se ve envuelto en una cruel batalla por sobrevivir entre habitantes del espacio exterior y un pueblo olvidado.

Con acción y cargada de cliches clásicos del cine estadounidense, Cowboys & Aliens es una película que se puede disfrutar bastante, si se está conciente del tipo de cine que se va a ver: algo que no fue filmado para ganarse un premio de academia, que tendrá inconsistencias, y que no se esforzara un solo minuto del metraje para transmitir una moraleja. Una bocanada fresca en otro género olvidado, los western.

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The good, the bad and the weird

2011-09-03T21:47:00.001-05:00

Producción coreana del 2008 y con una clara influencia de El bueno, el malo y el feo, The good, the bad and the weird es un western ambientado a mediados del siglo XX que relata la historia de 3 hombres que están detrás del mapa de un supuesto tesoro; operando bajo distintas intenciones, el trío competirá por llegar al preciado destino y reclamar el premio.

Este trabajo combina de manera espectacular dirección, edición, fotografía, movimientos de cámara, uso de efectos especiales y actuaciones. Kang-ho Song (Thirst, Sympathy for Mr. Vengeance) hace un buen trabajo como The Weird (o en español, el raro) y a su manera, evoca recuerdos del papel que Tuco Benedicto Pacífico Juan María Ramírez, mejor conocido como El Feo, jugara en la inolvidable obra de Sergio Leone.

Buena parte de la historia está plagada de acción, aunque una ligera reducción del metraje (dura dos horas veinte minutos) hubiera ayudado a mejorar el dinamismo. Las secuencias de disparos son magníficas y aportan buenos ángulos de cámara no vistos con anterioridad en este género.

Con un buen apartado musical y toques de comedia, The good, the bad and the weird es una excelente recomendación si disfrutan de los western con estilo propio.

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H

2011-08-31T21:45:00.002-05:00

Del 2002, esta película trata sobre la investigación de una serie de asesinatos que comienzan a repetirse con un patrón bastante similar al de un sicópata encerrado en la cárcel y esperando ser ejecutado. Los detectives se verán en la necesidad de hurgar en los viejos archivos con tal de predecir el siguiente movimiento del imitador.
La historia se desarrolla a un ritmo decente, no tan trepidante como algunos esperarán, pero aun así no llega a ser tan lenta como otras produccioens de oriente; las pistas se van revelando gradualmente y al final hay un giro en la trama que tendrá opiniones que variarán entre: predecible, innecesario, tonto, muy bueno. El modelo del largometraje recordará vagamente a Dragon rojo y/o El silencio de los inocentes, esto debido a que se recurre a consultar un asesino para poder atrapar a otro. Las actuaciones son muy buenas y coooperan a relatar los acontecimientos, los dos detectives principales y el asesino encarcelado (cuyo papel de villano posee un comportamiento odioso, pero carismático), interpretan magistralmente sus correspondientes personajes. El gore no es exagerado, se mantiene a la raya ofreciendo escenas que apuestan más por el realismo que por el impacto visual.
H es un largometraje bueno, pero ciertos escollos lo separan de la grandeza y lo dejan dentro del montón. Lo que es un hecho es que sí hará pasar un buen rato a quienes busquen un filme sobre detectives o sicópatas.

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Source code

2011-08-24T21:31:00.004-05:00

Del 2011 y protagonizada por Jake Gyllenhaal (Donnie Darko, Zodiaco) y Vera Farmiga (Orphan), Source code relata la historia de Colter Stevens, un soldado de la guerra que es reclutado en un experimento que permite revivir los últimos minutos de alguien que ha muerto una y otra vez, esto con el propósito de resolver crímenes. Colter descubre que no recuerda cómo fue que terminó siendo parte del nuevo programa militar, por lo que intenta averiguar qué hay detrás del avanzado experimento, sin saber que la revelación cambiará todo para él.
La primera hora del filme cae dentro de un tema que ha sido utilizado previamente en el cine: revivir un evento indefinidamente para corregir el error; aunque esto sea un factor repetitivo que puede resultar cansado, hay que reconocer que el trasfondo, el origen de source code, es lo que mantiene la intriga y el interés, dado que la explicación del sistema es un tema que muy pocos se atreven a explorar en la meca del cine y aquí es tratado de manera inteligente y audaz. Afortunadamente todo esto es explotado apropiadamente durante los últimos treinta minutos, que es donde el largometraje se luce y presenta una historia de ciencia ficción espléndida, dando una muestra de lo que los guionistas de Hollywood deberían de hacer para darle un empuje a un género olvidado por muchos.
Con buenas actuaciones y edición, Source code es una muestra de que todavía hay películas, que no están plagadas de presupuesto y publicidad, que valen la pena en la industria estadounidense. Recomendada si disfrutan de la ciencia ficción y los filmes originales.

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Les femmes de l'ombre

2011-08-15T21:19:00.012-05:00

Filme francés del 2008, Les femmes de l'ombre (Las mujeres de las sombras) relata cómo Louise Desfontaines (interpretada por Sophie Marceau) recluta a un grupo de mujeres para llevar a cabo una misión de rescate en medio de territorio nazi; para su desgracia, su asignación es algo más que una simple extracción, ya que tendrán que buscar el modo de matar a un oficial alemán sin importar lo que suceda con ellas.

La historia de la película es bastante buena, va cambiando de ambiente conforme se desarrolla. Al principio uno puede pensar que ésta será otra más de la larga fila de trabajos cuyo tema principal es un rescate durante la guerra, pero afortunadamente esto no es siquiera la cuarta parte del metraje, ya que luego cambia su estructura hacia otro tema, y es aquí donde la narración se torna interesante. Las cinco mujeres deberán pasar por diversas situaciones, alianzas y traiciones, con tal de llevar a cabo su cometido.
Algo importante a resaltar, es que muchos pensarán que por tratarse de un quinteto de mujeres como protagonistas, el fator amoroso estará presente para darle un toque mucho más femenino al largometraje, pero en realidad no es así, la película se centra más en demostrar cuánta fortaleza llega a tener una mujer, así como la importancia que ellas tuvieron durante la segunda guerra mundial.
La ambientación y vestuario se encuentran orquestados de acuerdo a la época que representan. Hay escenas montadas de manera grandiosa, en especial un de las últimas, un claro homenaje al viejo cine noir. Las actuaciones por parte de las protagonistas son muy creíbles, cada una actúa de acuerdo a la personalidad que le toca.
Matizada con acción, drama y espionaje, Les femmes de l'ombre es una de esas películas sobre la guerra con un toque diferente (y un par de escenas que ciertas personas considerarán innecesarias), algo que muchos agradecerán cuando la vean. Muy recomendada.

TRAILER

Pistol Opera

2011-08-14T22:10:00.009-05:00

Pistol opera es parte del grupo de filmes cuya excelencia depende de la persona que la vea, ya que este trabajo coquetea descaradamente con la delgada línea que divide lo grandioso de lo terrible.
Demasiados aspectos la convierten en una película muy difícil, siendo el primer inciso la historia. Es muy complicado tratar de ofrecer una sinopsis sobre lo que realmente acontece, ya que la inusual edición, el uso de monólogos y secuencias surrealistas, así como las tomas que simulan una puesta teatral, no contribuyen a clarificar cuál es el propósito de todo el relato. A grandes rasgos sería algo así: una organización de asesinos que se enumeran y apodan a sus integrantes de acuerdo a sus habilidades entran en una especie de cacería para ver cuál es el mejor de los primeros, Stray cat, la número tres, tratará de sobrevivir a la persecución del número uno y sus aliados.
Lo que en verdad destaca es la dirección. La combinación de estilos, colores, vestimentas y ángulos de cámara crean una atmósfera extraña y rica en fotografía. La música está conformada de piezas que recuerdan los largometrajes de los sesentas y setentas.
La forma en que se integran los actores tampoco es la más convencional, pues los actores interactúan como si no tuvieran relación entre ellos. Algo difícil de definir y que es más fácil de entender viéndolo en acción.
Del 2001 y considerada por algunos la secuela Branded to Kill, un filme de 1967 dirigido por el mismo director (Seijun Suzuki), Pistol opera no es muy conocida más que nada por el desarrollo cinematográfico que expone, un filme artístico hecho con el puro propósito de ser único e inigualable, pero también criticado de prepotente por su innovación y exceso de metáforas. Recomendada para quienes gustan del cine de arte y las películas raras.

OPENING

Sennentuntschi

2011-08-11T21:44:00.004-05:00

Filme de origen alemán del 2010 que relata la historia de una chica que aparece en un poblado justo después del aparente suicidio de un cura; la sospechas que levanta su presencia junto con la constantes acusaciones sobre su procedencia diabólica, propiciará que el pueblo atraviese por una terrible situación.

La película no recurre a mostrar muertes constantemente para captar la atención del espectador, en vez de eso se dedica a desarrollar con calma toda la historia que hay alrededor de la misteriosa mujer, revelando gradualmente cada detalle que hay detrás de su existencia, mezclando mucho drama con suaves toques de terror. La banda sonora destaca en varias escenas, junto con algunas técnicas de edición y movimientos de cámara.
Si se analiza el núcleo del apartado dramático, habrá quienes aseveren que Sennentuntschi no es muy innovadora, y están en lo cierto, pero el modo en que se maneja el factor sobrenatural es lo que provee a la película de una atmósfera que sí es atractiva.
El final podrá resultar algo confuso para quien esté acostumbrado a que todo sea explicado durante la trama, ya que el espectador debe tener sus propias conclusiones. Recomendada para aquéllos que disfrutan de los trabajos de terror con una historia qué contar.

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Black rat

2011-08-02T21:25:00.005-05:00

Del 2010, Black rat (Kuronezumi en su idioma original) narra cómo un grupo de estudiantes acuden al llamado de una compañera que se suicidó seis meses atrás; la curiosidad por saber si es en verdad la difunta quien los convoca, los arrastrará hacia una interminable pesadilla en el interior de la escuela donde se reúnen.
Kuronezumi apuesta mucho por iluminación oscura, y hace un trabajo muy aceptable la mayor parte del tiempo; su historia también lleva un ritmo bastante adictivo, pero a la mitad comienzan una serie de giros que podrán agradar a algunos, en tanto a otros les parecerá un infructífero y desesperado intento por mantener al espectador interesado y darle un final distinto. La imagen que caracteriza a la película es la de la asesina portando la máscara de una rata negra, lo cual es un símbolo creativo si se compara a otros filmes, aunque para mala fortuna, el uso de este ícono cae de su gracia conforme se aproxima el final y le quita toda rasgo enigmático que pudo haber tenido al inicio.
El filme pudo haber dado para más si en vez de introducir un grupo de vueltas drásticas en el guión, se hubieran concentrado más en explotar adecuadamente el suspenso que matiza la primera mitad. Kuronezumi es un filme más de slashers para el montón, aunque hay que reconocerle que posee concepto un poco diferente y con pinceladas bizarras.

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Hotel

2011-07-29T21:31:00.005-05:00

Dirigida y escrita por Jessica Hausner, este filme europeo del 2004, cuyo título original es Oteldeki Sır, es una película de bajo presupuesto que ha sido dilapidada por muchos como una basura; sus malas críticas han ido izadas por frases como: nada sucede, no tiene sentido, ofrece y al final nada, es muy pretenciosa, y una pérdida de tiempo.
Hotel al igual que muchas otras películas de esta clase, sufren simplemente del estigma de ser incomprendidas. Para la gente acostumbrada al cine comercial, tras ver los primeros treinta minutos es obvio que esperen que el filme "despierte" y comience a revelar secretos que le den sentido y proporcionen sustos. Sin embargo, esto nunca sucede, ya que al igual que muchos trabajos de corte alternativo, Hotel muestra una coraza exterior, que en este caso está compuesta de terror sicológico y misterio (que recordará a algunos ciertas escenas de Lost Highway de David Lynch), cuando en realidad es una historia con un toque artístico que describe los actos de manera críptica.
La dirección es sublime en varios aspectos. Los colores se encuentran distribuidos inteligentemente, destacando con fuerza en diversas escenas. Las tomas de los bosques y de los pasillos que son consumidos por la oscuridad son bastante simples, pero el modo en que se encuentran montadas les otorga un ángulo visual bastante atractivo.
El largometraje cuenta cómo Irene, quien llega a sutituir a una antigua dependiente de un desolado hotel, intenta encajar entre sus compañeros de trabajo. La relación con la gente, la poca información que existe acerca de la joven que tuvo antes su puesto, una leyenda de los bosques y extraños acontecimientos, harán que la nueva integrante ponga en duda su posición laboral.
Con una duración de apenas 73 minutos (algunos cortes varían en tanto a metraje), Hotel no es un filme para todo mundo, puesto que su lenta narrativa, su "ausencia" de momentos emocionantes y sus pocos diálogos la convierten más que nada en una obra de corte alterno destinada a un público muy reducido.

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Shaun of the dead

2011-07-26T21:11:00.004-05:00

Mucho antes de que Zombieland existiera, Europa produjo en el 2004 Shaun of the dead, una película que mezcla terror y comedia de una manera particular. A pesar de que las ambos trabajos se parecen en tanto a temática, lo que concierne el desarrollo, personajes y características de los zombis son diferentes.

Si algo destacaba en Zombieland era la edición y la dirección, y Shaun of the dead no se queda atrás bajo ninguna circunstancia e incluso supera a su hermana menor. Ambos apartados son excelsos y llevan la historia a buen ritmo; si esto se mezcla con las grandes actuaciones, se tiene un gran trabajo.

La historia relata como Shaun, quien pasa problemas en su relación amorosa, con su familia y amigos, se ve obligado a tomar una actitud diferente en su vida ante la epidemia que ataca su ciudad, esto con tal de defender a sus seres queridos. Shaun y sus compañeros pasarán por toda una odisea para llegar a un lugar seguro donde atrincherarse contra la amenaza.
A pesar de que este filme fue primero, habrá opiniones encontradas em tanto a cuál es mejor. Si bien el humor de Shaun of the dead posee un estilo semejante al de Zombieland, el ambiente, la historia y las personalidades de los personajes le otorgan a cada película un toque diferente. Pero independientemente de cuál sea la favorita, ambas son una buena adición al género de comedia-horror.

We're coming to get you, Barbara!

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Cold fish

2011-07-19T19:53:00.008-05:00

Dirigida y co-escrita por el cineasta de culto Sion Sonno, y basada levemente en hechos reales, Cold fish (su nombre original es Tsumetai nettaigyo) cuenta cómo Shamoto, un hombre pasivo e introvertido que es el dueño de una pequeña tienda de peces, por azares del destino se topa con Murata, el dueño de una tienda mucho más grande que la de él; la relación entre ambos surge, pero circunstancias oscuras empiezan a deteriorarla y afectar gravemente la tranquila vida de Shamoto.

El filme dura poco más de dos horas veinte, y es verdad que la primera hora cuarenta puede ser un poco lenta por ratos, pero todo se ve compensado durante los últimos cuarenta minutos, que es donde la película da un giro violento (algo usual dentro de los largometrajes de este director) y cambia totalmente su desarrollo para ofrecer una visión todavía más lúgubre y retorcida de lo sucedido con anterioridad.
Las actuaciones son magníficas y retratan la personalidad de cada uno de los personajes, lo que le otorga credibilidad al desarrollo de los eventos. Los personajes de Shamoto y Murata son los que se encargan de llevar a cuestas toda la historia, pues la extraña dependencia mutua (y las consecuencias de ésta) que ambos tienen es el núcleo de Cold fish.
El gore está presente, por lo que aquéllos de estómago débil pasarán un par de momentos difíciles viendo ciertas escenas. La violencia también es un elemento presente durante buena parte del metraje, la historia no escatima cuando llega el momento de mostrar maltratos y vejaciones.
Cold fish contiene muchos géneros: comedia negra, drama, gore, erotismo y suspenso. Esta mescolanza la convierte en el retrato de un lento y complicado descenso por la cruel psique humana. Definitivamente una opción viable para quienes disfrutan del cine variado y alternativo.

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Gothic & Lolita psycho

2011-07-19T19:52:00.002-05:00

Protagonizada por la modelo y gravure idol Rina Akiyama, Gothic & lolita psycho es otro filme B japonés con todas las características principales que han definido a sus predecesoras (Vampire girl versus Frankenstein girl, Robo geisha, Machine girl, Mutant girl squad, por mencionar algunas), sangre en cantidades exageradas, efectos especiales que lucen falsos a propósito, creatividad en las armas utilizadas y una historia simple.
La película contiene ciertas deficiencias que no la hacen destacar como es debido. La narrativa gira en torno a una venganza y pretende crear un balance entre relatar el pasado y las peleas, pero la fórmula está tan bien manejada y no consigue convencer a plenitud por ninguno de los dos lados; tal vez si hubieran hecho como en Geisha assassin, concentrándose solamente en las peleas y dejando la historia en segundo plano hubiera resultado mejor. Otro factor en contra es la interpretación de Akiyama, quien no logra convencer completamente en su papel de cine B, ya que su actuación es demasiado "seria".
El largometraje cuenta cómo Yuki busca retribución contra un grupo de asesinos por haber acabado cruelmente con su madre. Para esto, se valdrá de una serie de armas basadas en una sombrilla, y de un traje oscuro muy llamativo. La búsqueda de sangre le revelará un secreto del pasado que cambiará toda su existencia.
Gothic & Lolita psycho no es mala, y muy posiblemente entretenga a quienes disfruten del cine B, pero sus carencias le restan la importancia que otros filmes de este género han conseguido.

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Tropa de élite

2011-07-13T21:39:00.004-05:00

Filme brasileño del 2007 que habla sobre la corrupción policial y un grupo muy reducido de agentes llamados La tropa de élite, una selecta asociación de policías honestos y bien entrenados que son los encargados de lidiar con las situaciones difíciles, apoyándose en métodos poco ortodoxos y cuestionables. Por su país de origen, no falta quienes comparen este filme con Ciudad de Dios, pero la realidad es otra, a pesar de que las locaciones donde se desarrollan son parecidas, la trama es diferente.
Uno de los temas más polémicos es la muestra de brutalidad a la que en ocasiones tienen que recurrir los policías para conseguir la información apropiada, los modos en que torturan, y la poca humanidad que deben de mostrar para influir el miedo necesario en los traficantes. Mucha crítica social es mencionada en la película, aunque sea de un modo sutil (por ejemplo, como la alta sociedad, rodeada por sus lujos y vicios, se jacta constantemente de varias cosas como si conocieran lo que en realidad que las masas viven).
El largometraje relata cómo dos amigos de la infancia van escalando y mostrando sus habilidades para mostrar parte del exclusivo grupo, así como uno de los líderes, que busca su reemplazo adecuado. La historia es lenta en ciertos pedazos durante el inicio, y el exceso de habla por parte del narrador puede desesperar a quienes busquen acción desde el comienzo. Cuando el metraje está por la mitad, la narración adquiere más dinámica.
Un filme bien hecho y con una historia dura pero cierta, Tropa de élite (Elite Squad) les gustará si disfrutaron de Ciudad de Dios, otro clásico internacional del cine brasileño.

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13 assassins

2011-07-13T21:14:00.004-05:00

Del 2010 y al más puro estilo de Los 7 samurai de Akira Kurosawa, 13 assassins (Jûsan-nin no shikaku) es una muestra más de como Takashi Miike puede alternar entre diferentes géneros cinematográficos con una facilidad inigualable. La película relata cómo se reúne un grupo de samurais para asesinar a un peligroso y sádico lord del shogún cuyo poder va en ascenso; no obstante, el reducido bando deberá enfrentarse contra una marabunta de enemigos para cumplir su cometido, para lo cual tendrán que hacer uso de su imaginación y sus habilidades.
La dirección es digna de resaltar. El avance de la historia emula a la obra más conocida de Kurosawa: reclutamiento, preparación, ataque. Los últimos cuarenta minutos de metraje se concentran plenamente en el enfrentamiento de los 13 guerreros y el uso de su inteligencia para tratar de sobrevivir. Debido a esto, se nota un cambio drástico en el estilo de dirección. Mientras que la primera parte del filme es un obra que se explaya en iluminación (las tenues tonalidades utilizadas con las velas le dan un aspecto muy realista a las escenas), colores y vestuario, la última es un juego rápido de tomas que procura mostrar todos los ángulos posibles de la gigantesca querella.
Algo que posiblemente los fans de Miike notarán raro es la falta del gore exagerado al que suele recurrir. A pesar de que no está explícito y violento como normalmente hace, hay escenas que se dan a entender bastante bien lo que está ocurriendo, incluso si no hay sangre en escena.

Si disfrutan de las películas de samurais, 13 assassins los dejará satisfechos. Tal vez no contenga los grandes planos y variedad inagotable de colores que Kurosawa manejaba en sus largometrajes de este tipo, pero sí es un hecho que lleva una gran dirección y guión a cuestas a pesar de lo simple de su desarrollo.

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La casa muda

2011-07-10T20:01:00.009-05:00

Filmes que propician controversia y críticas encontradas son muchos. El hacer algo inusual en la meca del cine divide las opiniones en dos tendencias: "no sirve, muy pretencioso" o "es una obra innovadora". La casa muda cae dentro de esta categoría, un trabajo uruguayo del 2010, que en un principio estaba destinado para pequeñas audiencias, pero su formato le dio auge y fama, que provocó su distribución a un nivel internacional.

Basada en hechos reales de los años cuarenta, la historia cuenta como Wilson y su hija Laura, llegan a restaurar una casa, pero deciden llegar la noche anterior para comenzar a primera hora del día siguiente. Las cosas se complican cuando Laura escucha ruidos extraños y su papá va a averiguar qué sucede; a partir de aquí, Laura deberá investigar por su cuenta qué le ha pasado a su progenitor, sumergiéndose en la penumbra del abandonado hogar y descubriendo una serie de secretos que cambiarán todo.
Se dice que casi toda la película fue filmada en una sola toma, aunque ciertos momentos provocarán duda en los escépticos, pues con el uso de edición esto puede ser disfrazado. Incluso si lo de la toma única no fuera cierto, hay escenas bastantes largas que ni con edición se pueden fingir.
Detalles que resaltan son el bajo presupuesto, actuaciones que no son nada del otro mundo pero cumplen con su trabajo, el uso de una cámara sin tripode (se utilizó una cámara fotográfica de alta resolución) y manejada completamente a mano, un reparto de actores reducido (sólo tres actúan), y una apuesta por mas realismo en lugar de presentación visual, lo cual se nota en la oscura iluminación y el ángulo de ciertas tomas.
Casi todo el tiempo la toma sigue a Laura, su fiel lámpara y su hoz; el recorrido del lóbrego lugar, el balance entre la música y la ausencia de sonido, así como otros factores, proporcionan a La casa muda un ambiente que los amantes de filmes de suspenso adorarán. Si las películas al estilo de Paranormal activity les aburren, es muy posible que este trabajo surta el mismo efecto, por lo cual no es muy recomendable en esos casos.
El estado de la novel actriz Florencia Colucci va evolucionando conforme va viviendo todas las desgracias que le ocurren. El desarrollo de los eventos es en tiempo real, lo cual constituye aproximadamente 86 minutos de metraje.
El filme apenas cobra auge y es distribuido lentamente por todo el mundo. Es un hecho que más críticas encontradas verán la luz. Quizás la explicación de todo no sea lo que muchos esperen al final, pero es un hecho que sí cae dentro del esquema del filme.
Como nota final, y dato curioso, sucederá con esta película lo que siempre ocurre cuando algo extranjero tiene éxito: Hollywood ya tiene un remake en puerta.

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Tras el cristal

2011-07-10T19:43:00.004-05:00

Filme español de 1987 que en inglés es llamado "In a glass cage", Tras el cristal narra cómo Klaus, un viejo doctor nazi y pederasta, tras intentar fallidamente cometer suicidio y quedar confinado a un pulmón de acero, es acosado por el recatado y lúgubre Ángelo, que se infiltra como enfermero en su vida; obsesionado por el pasado nazi de Klaus, el joven perderá el control de su raciocinio mientras estudia una y otra vez las trágicas anécdotas.
La película tiene un guión fuerte y contiene escenas que muy posiblemente ofendan (a pesar de no ser explícitas, pero sí perturbadoras) a varios espectadores, ya que se encuentran relacionadas con abuso infantil. A pesar de esto, el tema es tratado seriamente para continuar la historia y no es arrojado dentro de la trama sin sentido. Algunas partes del pasado nazi de Klaus son narradas simplemente o se alude a ellas mediante otras acciones, dejando las imágenes al aire.
La dirección es artística y basada en el color azul. Habra algunas tomas que por la naturaleza de la iluminación luzcan muy oscuras. La escenografía está montada de tal manera que se vea como si todo estuviera sucediendo durante la segunda guerra mundial. Entre las actuaciones cabe destacar la de David Sust como Ángelo, que le da un buen cambio a su interpretación si se compara el fráfil inicio con el obsesivo final.
Tras el cristal no es fácil de ver, ya que habrá quienes la califiquen mal y argumenten que las partes sobre pedofilia no son más que morbo, por lo tanto se recomienda discreción antes de verla, en especial si son conservadores respecto a este tema.

¡Yo soy tu padre!

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Valerie and her week of wonders

2011-07-10T19:42:00.005-05:00

De 1970, este filme checo cuyo nombre original es Valerie a týden divu basa su historia en los cuentos de hadas como el de Alicia en el país de las maravillas de Lewis Carrol. La narrativa sigue a Valerie, una joven que vive con su abuela que repentinamente se ve perseguida por un extraño monstruo; un misterioso hombre con sombrero se dispone a ayudarla y liberarla del pasado que la pretende atrapar.
La historia es muy surrealista, al extremo que después de 20 minutos de metraje uno puede quedar perdido intentando descifrar qué está sucediendo en realidad. Algunas escenas son bastante claras con lo que ocurre y parecen crear el camino para comprender el largometraje, pero luego ingresan otras más simbólicas que confunden el significado adquirido con antelación.
Pasando por alto lo difícil de su narración (que incluye temas como el despertar de la sexualidad, vampiros, curas lascivos, y embrujos), la película es un festín fotográfico de colores y tomas que junto con el vestuario y la música, exhiben de manera exquisita los acontecimientos.
Valerie and her week of wonders se recomienda para quienes disfruten de los filmes surrealistas o con un extraordinario despliegue gráfico.

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Ichi the killer

2011-07-07T20:08:00.004-05:00

Posiblemente el filme más conocido de Takashi Miike, Ichi the killer (Koroshiya 1) del 2001 es un trabajo que ha trascendido y formado su grupo de seguidores. Basado en un manga japonés del mismo nombre, la historia trata sobre Kakihara, quien se entera de la muerte de su jefe y usa todos los recursos de su bando para encontrar al peligroso Ichi, un misterioso asesino que deja un inmenso rastro de sangre y visceras cada vez que mata a alguien.
El reparto cuenta con actores de la talla de Tadanobu Asano como Kakihara (Last life of the universe, Zatoichi y Rampo Noir, Vital) y el director Shinya Tsukamoto como el antagonista. Todo el elenco da vida a una hilera de personajes con características y comportamientos únicos. Lo malo, es que son tantos los que Miike pretende manejar, que se siente incompleto el desarrollo de ciertos inidividuos.

Como es tradicional, la narrativa es lo que mantiene en pie el filme, mostrando uno de los asesinos más sádicos y raros de la historia del cine. El humor negro y el gore abundan en el largometraje, junto con el drama, formando una mezcla muy particular. El punto en contra de la historia, es que son tantas cosas las que suceden, que puede sentirse sobrecargada y con minutos de sobra, pudiendo provocar cansancio en determinadas secciones.

La dirección y la edición (que contiene algunos toques de otra película de Miike, Dead or Alive) hacen un gran trabajo al mostrar planos de todo tipo. Ciertos efectos especiales dejan que desear, pues se nota descaradamente los efectos hechos a computadora.
Este filme cuenta con una precuela llamada 1-Ichi, que fue realizada en el 2003 y ahonda un poco más en cómo Ichi se convierte en el demente sicópata. Igual existe un episodio de animación llamado Koroshiya Ichi Episode 0.
Una película básica para ingresar al extenso, inverosímil y variado mundo de este aclamado director, cuyo estilo lleno de versatilidad lo ha llevado a dirigir todo tipo de cintas. No es la mejor de su filmiografía, pero es recomendada para quienes disfruten de las películas de gore, yakuzas o personajes muy inusuales.

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From beyond

2011-07-06T21:32:00.004-05:00

Entre las obsesiones de H.P. Lovecraft a la hora de escribir sus historias estaban las dimensiones paralelas, y éste es el aperitivo principal de From beyond. Stuart Gordon se encargó una vez más de llevar una historia de este mítico escritor a la pantalla grande (otras adaptaciones de Lovecraft que ha dirigido son Re-animator y Dagon, así como también Dreams in the Witch-house de la serie Masters of Horror).

El filme cuenta como Crawford Tillinghast queda internado y al borde de la locura despues de llevar a cabo un experimento sobre dimensiones con el profesor Pretorius; una doctora le pedirá que repita el experimento para demostrar que no está loco, lo cual provocará caos alrededor de los que se encuentren cerca del peligroso portal.
La historia se desarrolla a buen ritmo y contiene mucha ciencia ficción. Los efectos especiales son los propios de su época, viéndose algunos falsos y otros bastance aceptables. Las actuaciones son las apropiadas para los personajes en escena y la iluminación ayuda mucho durante las secuencias de la otra dimensión.
Parte del equipo de este filme de 1986 (Productor Brian Yuzna, y los protagonistas Barbara Crampton y Jeffrey Combs) formó parte de Re-animator, lo cual da una idea del estilo de película que es From Beyond. Recomendada si gustan de las adaptaciones de Howard Phillips Lovecraft, uno de los padres de las historias de terror.

Humans are such an easy prey

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Take care of my cat

2011-07-03T21:55:00.005-05:00

Protagonizada por la multifacética actriz Doona Bae (Sympathy for Mr Vengeance, Air dol l), Take care of my cat es un drama que exhibe como unas grandes amigas de escuela lidian por mantener su amistad después de terminar sus estudios, pero tanto el mundo en el que cada una vive como los problemas adultos a los que se enfrentan, complican no tan solo la frecuencia con que se encuentran, sino también su otrora estrecha relación.

Las personalidades de cada una de las cinco mujeres son diferentes y están bien marcadas durante la historia, esto ocasiona que los conflictos que se propician entre ellas se noten naturales y le dé realismo a la historia. Las actuaciones de las protagonistas también contribuyen al pasivo desarrollo.
La fotografía y la dirección son magníficas todo el tiempo, con un abanico muy variado de colores y locaciones. La edición cuenta con unos aditamentos curiosos en pantalla, lo que da un toque especial a ciertas escenas.
Del 2001, Take care of my cat (su nombre original es Goyangileul butaghae) es un drama coreano bien estructurado y con una historia realista, que muestra cómo las amistades pueden cambiar para bien o para mal conforme cambiamos de etapas en la vida.

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Insidious

2011-07-03T21:25:00.004-05:00

Dirigida por James Wan (Saw) Insidious es la historia de una familia que se muda a su nueva casa, solamente para encontrar que algo extraño los acosa y no les deja vivir en paz. El extraño estado comatoso en el que cae uno de sus hijos detonará la desesperación entre ellos y empeorará los peligrosos sucesos.
Si bien el filme inicia como terror, después da un giro que se combina un poco con ciencia ficción, lo que genera una explicación alternativa y original de los eventos que ocurren, lo caul tal vez no sea de agrado general para los puristas. La dirección de Wan es buena y se pueden apreciar los clásicos elementos que lo caracterizan: muñecos, iluminación oscura, giros repentinos en la narración y un final "inesperado". Mención aparte merece una secuencia única que ocurre cerca del final, matizada con una atmósfera creativa, lúgubre y llena de surrealismo.
Los sustos repentinos que tanto definen al género del suspenso también están presentes, siendo algunos muy predecibles y otros no tanto. Los protagonistas son Rose Byrne (X men: First class, 28 weeks later, Sunshine) y Patrick Wilson (Watchmen, Hard Candy) quienes otorgan unas actuaciones creíbles.
La historia definitivamente está sobre la media actual de las actuales películas de terror estadounidenses y ofrece un producto bien trabajado que dejará satisfechos a varios.

Leave this vessel! Leave this vessel!

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Sawako decides

2011-06-29T21:23:00.003-05:00

Protagonizada por Hikari Mitsushima (Love exposure, Puraido, Kakera), Sawako decides (su nombre original es Kawa no soko kara konnichi wa) narra cómo Sawako, una joven que llegó a Tokyo por tener una aventura con un hombre, se ve forzada a regresar a su ciudad natal debido al mal estado de su padre, sólo para encontrar que todo mundo la desprecia por su huida; ella buscará un modo de existir en paz con los habitantes, lo que no será fácil.
Drama con comedia, Sawako decides expone las dotes que han hecho a Mitsushima una actriz de renombre; en esta película, ella pasa por varias etapas, siendo desde una mujer negativa y mediocre con indiferencia hacia todo, hasta una con carácter fuerte e imperativo, capaz de llorar sinceramente.
El largometraje cuenta con varias partes cómicas, algunas que aparecen en los momentos que uno menos espera (la escena es seria y repentinamente ingresa lo risible). Probablemente el punto que resta fama a este trabajo es su lento desarrollo. Para los que no estén acostumbrados al ritmo parsimonioso de las películas orientales, encontrarán Sawako decides fastidiosa y carente de chispa, pero para quienes saben cómo son este tipo de producciones, se toparán con una más de esas películas que difícilmente se verán en el continente americano.
Recomendada para quienes disfrutan de las películas japonesas, o quienes quieran ver más del trabajo de esta joven y prometedora actriz que proximamente tendrá en exhibición un filme que hizo con otro gran director, Takashi Miike, la cual se llama Ichimei.

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Hellevator

2011-06-29T20:51:00.003-05:00

Producción japonesa del 2004, llamada también The bottled fools, y cuyo nombre original es Gusha no bindume, este filme trata sobre Luchino, una joven con poderes psíquicos que habita un mundo surrealista que se encuentra conectado por aparatosos elevadores; cada nivel de este gigantesco lugar resguarda una función diferente (escuela, prisión, ejecutivos, hospitales). Luchino, perseguida por otros crímenes, aborda el elevador, sin saber la terrorífica situación que le espera en su claustrófobico interior.
Hellevator es una propuesta bastante buena, que mezcla terror con ciencia ficción de manera efectiva. Una buena parte del largometraje se desenvuelve dentro del elevador, presentando una serie de personajes y objetos bizarros que al juntarse arman un partícular universo que, aunado al dinámico estilo de edición y la llamativa fotografía, compondrá una narración bastante fluida. La música es un factor importante en esta película también, la fluctuación que hay entre lo electrónico y lo clásico amasa una inusual combinación que resulta muy propia.
Desgraciadamente, Hellevator peca de durar un poco más de lo debido. Despues del clímax, hay una serie de escenas que que resultan innecesarias y pueden cansar al espectador, cuando bien pudieron habérselas saltado e ir directo a los últimos 3 minutos de metraje, que es cuando se expone algo interesante para dar un cierre adecuado.
Los detalles detrás del pasado de la protagonista son los huecos más grandes que la historia tiene, ya que hay muchas cosas sin aclarar y que quedan al aire (incluso, si se observa con atención la historia, el "factor psíquico" de Luchino puede ser eliminado completamente y aún así tener un buen filme).
Hellevator carece de ciertos elementos que la pudieron convertir en un filme épico, pero su impactante presentación visual y auditiva la hacen una recomendación factible para los amantes de géneros alternativos de terror.

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Super

2011-06-22T20:55:00.003-05:00

Casi un año después de Kick Ass, Super apareció, y dado que manejan el mismo concepto de un sujeto que se considera un fracasado y termina siendo un superhéroe sin poderes que inspira a otros, las comparaciones y críticas negativas no tardaron en aparecer. Lo que pocos saben es que estos filmes fueron desarrollados casi simultáneamente y que el director ya trabajaba en el proyecto desde antes. Una vez más sucedió en la industria cinematográfica la coincidencia de que dos películas similares son desarrolladas con poca diferencia de tiempo y la más famosa se devora a la otra.
La historia relata cómo Frank D'Arbo (Rainn Wilson), un hombre pasivo y con un perfil bajo, intenta desesperadamente recuperar su vida con su esposa (Liv Tyler), quien es "raptada" por un traficante (Kevin Bacon). Frank recurrirá a todo, hasta terminar como Crimson Bolt, un héroe que imparte justicia por su cuenta. Esta nueva faceta lo llevará a descubrir alegrías y tristezas, así como a su compañera de acción, Boltie (Ellen Page).

Al igual que Kick ass, la violencia (que es un poco más explícita en Super) y el humor negro están a la orden del día. Factores que las diferencian es que los protagonistas son más adultos lo que hace que ciertos temas varíen, en ningún momento se apuesta por una trama plenamente feliz, y la historia es menos complicada. Un personaje que indudablemente cambia el rumbo es el de Ellen Page, su sicótica interpretación de Boltie da un toque propio a la película.
Poco conocida, Super ha estado rodeada de controversia y críticas mezcladas. Tal vez no esté al nivel narrativo de Kick ass y tampoco posea su gran presupuesto, pero definitivamente es capaz de entretener lo suficiente. Muy recomendada si les gusta las películas de superhéroes.

Shut up, crime!

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Shi gan

2011-06-20T16:19:00.003-05:00

Dirigida por Kim Ki-Duk en el 2006, Shi gan (llamada también Time) es la historia de una mujer que teme perder a su novio debido a que no se considera atractiva físicamente, y para solucionarlo se somete a una exhausta cirugía que según ella, cambiará todo.
La sinopsis suena como un drama más, y en verdad lo es. La diferencia es que Ki-Duk aplica (como en Three iron) su particular estilo de dirección para llevar una historia en apariencia "normal" y posteriormente proporcionarle un cambio inesperado que la enfoca hacia un corte más alternativo y obliga a recapitular lo ocurrido, lo que añade un elemento extra a la narración.
Time es un gran filme (lento en tanto a desarrollo de la historia), que demuestra los errores que el ser humano puede cometer cuando la inseguridad domina su juicio y es incapaz de establecer una comunicación clara con su pareja. Esto se acentúa perfectamente por las actuaciones tan espléndidas que los protagonistas tuvieron. La fotografía es grandiosa, al igual que los escenarios escogidos para ciertas escenas, pues añaden un ligero toque surrealista.
Recomendada para quienes disfrutan del cine de arte o de los dramas con grandes actuaciones que ofrecen un final distinto

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Deadline

2011-06-20T16:16:00.003-05:00

Del 2009 y también llamada Schizofrenia, éste es uno de los últimos largometrajes de Brittany Murphy. Protagonizada también por Thora Birch, Dealine trata sobre una joven escritora que acude a una casona abandonada en medio de la nada para recobrar su inspiración; el interior del hogar le revelará una serie de visiones y sueños que pondrán a prueba su cordura y su juicio acerca de qué es realidad y qué es fantasía.
La historia transcurre lentamente, a un ritmo que puede resultar cansino y aburrido para muchos, lo que ha ocasionado las críticas negativas. El corte sicológico puede convertir los acontecimientos en algo predecible para la gente acostumbrada a este tipo de trabajos, y que la mayoría la vea creyendo en qué va a terminar, pero esto no evitará que algunos terminen sorprendidos por el giro que la trama da en sus últimos minutos.
Suspenso con pequeños toques de terror es lo que caracteriza a Deadline, un largometraje poco conocido y críptico orientado a un público muy reducido; quizás varios la abandonen a la media hora, pero si gustan de estas películas, muy posiblemente se encontrarán con un final inesperado.

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Mortal Kombat Legacy

2011-06-20T16:12:00.005-05:00

Ocho capítulos, dirigidos en su totalidad por Kevin Tancharoen, Mortal Kombat Legacy es una miniserie que cuenta la historia de algunos de los personajes del mítico juego. Los capítulos se desarrollan antes del torneo, e incluso hay uno que ocurre unos días antes de la fecha de lanzamiento del juego.
El director hace un trabajo bastante aceptable, ya que, es verdad que hace ciertos cambios, pero se enfoca más en satisfacer al nicho de seguidores de la saga que en distorsionar gravemente los hechos con tal de llegar a más público.
Este proyecto cobró vida debido a un cortometraje que Tancharoen dirigió el año pasado el cual se llamó Mortal Kombat Rebirth, en el cual retrataba a los personajes desde un punto de vista más real y menos fantástico; este cortometraje fue presentado con el propósito de ser aceptado para una película, y aunque esto no se concreto, si le permitió ser el encargado de dirigir Legacy a su antojo. En la miniserie, el equilibrio entre realidad y fantasía está más balanceado con tal de presentar un prólogo más fiel al juego.
Un punto muy atractivo en Lecacy, es cómo el director cambia de locaciones y estilo para los capítulos, pasando por un manicomio, bosques, bodegas, e incluso recurre a animación (muy bien utilizado cabe aclarar) para suplir escenas que hubieran resultado muy caras. Otro detalle bueno fue que para los dos últimos capítulos, que transcurren en Japón, los diálogos están en japonés y no en inglés, lo que muestra de la seriedad que el realizador ha tomado.
Con episodios que oscilan entre los 9 y un poco más de los 12 minutos, Mortal Kombat Legacy es recomendada para los que en alguna vez han tocado algún juego de esta sangrienta historia de artes marciales que tanto ha influenciado la industria.

Serie original sin subtítulos y en HD

Lista de capítulos con subtítulos en español y en HD

Capítulo 1

Capítulo 2

Capítulo 3

Capítulo 4

Capítulo 5

Capítulo 6

Capítulo 7

Capítulo 8

Mortal Kombat Rebirth

Vital

2011-06-15T21:39:00.004-05:00

Dirigida por Shinya Tsukamoto y protagonizada por Tadanobu Asano (Last life of the universe, Zatoichi y Rampo Noir), Vital trata sobre un joven estudiante de medicina que pierde a su novia en un accidente automovilístico, el cual igual le provoca amnesia. Batallando con sus recuerdos, una serie de sueños y acontecimientos perturbarán su comportamiento.
Varios de los elementos clásicos de Tsukamoto se encuentran aquí: el color azul como dominante, una narrativa rara, un personaje principal con pocos diálogos, entre otros. En resumen, el filme posee una orientación artística que plasma con calma y claridad la situación que se atraviesa, que es algo raro dentro de la filmografía de este director, quien usualmente apuesta por escenas caóticas y surrealistas para resaltar lo más importante. Otro punto que siempre está presente en sus películas, y aquí no es la excepción, es la calidad de la música.

Recomendada para quienes disfrutan del cine de arte, Vital expone cómo un amor perdido afecta incluso a quienes carecen de recuerdos.

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The dead outside

2011-06-15T21:24:00.005-05:00

Del 2008, The dead outside es un filme europeo sobre una plaga que provoca que los humanos entren en un estado zombi y busquen comer a sus semejantes; uno de los sobrevivientes, mientras transita en medio de la nada, encuentra una granja, cuya única habitante posee un importante secreto que se niega a revelar.
El primer factor que ahuyentara a muchos de esta pelicula es el ritmo, es muy lento, al cual se le aúna la falta de sucesos grandes o caóticos, lo que la puede tornar plana y aburrida para la mayoría de la gente con rapidez. La narrativa se centra en la interacción que tienen los dos personajes principales, cómo sobrellevan su convivencia dentro de la catástrofe.
El bajo presupuesto es evidente desde el inicio, y esto es más notorio en las escenas diurnas, aunque hay que reconocer que este factor "bajo presupuesto" otorga al filme un enfoque diferente en las escenas nocturnas, más realista. La dirección y edición carecen de un trabajo profesional, y los actores son prácticamente desconocidos (aunque hacen lo necesario para mantener la trama adelante).
The dead outside es un experimento que definitivamente no es para todos, tiene la premisa para ser un gran filme, pero el guión lento la convierte en una película con una recepción positiva muy pobre por parte del público en general. Recomendada solamente si quieren ver algo distinto en el género zombi, algo que se centre más en los sentimientos del ser humano después del cataclismo, que en estar huyendo de muertos vivientes.

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Hanna

2011-06-15T21:03:00.004-05:00

Protagonizada por Saoirse Ronan, Eric Bana y Cate Blanchett, Hanna relata como un padre entrena a su hija adolescente para convertirla en una mortífera asesina; con los motivos de su entrenamiento aún inciertos, Hanna se embarca en una cruzada contra una agente del gobierno, sin saber que viejos y dolorosos secretos le serán revelados.

Ésta no es la clásica película de acción donde una agencia gubernamental está envuelta y la trama se centra todo el tiempo en acabar con las amenazas y develar al espectador el complot que acontece, aquí el personaje de Ronan da un giro distinto, ya que es una joven que nunca había abandonado los bosques, y al llegar a la civilización no sabe cómo reaccionar ante ciertas tecnologías y la convivencia con otros seres humanos.

La banda sonora a cargo de The Chemical brothers es fantástica para las escenas de persecución. Una pequeña queja durante las coreografías, es que hay momemtos donde la cámara se aproxima demasiado e impide divisar con claridad qué está sucediendo. En tanto a mise en escene y fotografía, la mayoría cae dentro de lo convencional, con excepción de unas cuantas tomas que sobresalen y están muy bien montadas.
Del 2011, Hanna es un filme de drama-acción que pudo ser pulido para quedar mejor, no obstante está bien realizado y entretiene durante la hora cuarenta que dura. Mención aparte para Saoirse Ronan quien cumple con las expectativas, pues su papel demandó actuación y una amplia preparación para poseer una buena condición física.

I just missed your heart

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Villmark

2011-06-08T21:39:00.003-05:00

Hecha en el 2003 en Noruega, dirigida y co-escrita por el director de Skjult, Pål Øie, este filme trata sobre un grupo de televisión que va a pasar un fin de semana a un cabaña retirada en los bosques bajo el pretexto de integrarlos como un equipo de trabajo; durante la expedición, encontrarán misteriosos lugares que apuntan hacia un cruel suceso, el cual los perseguirá durante su estadía.
Lo principal de Villmark es la atmósfera. Como es costumbre de otros largometrajes de este país (la ya mencionada Skjult, Dead Snow), los bosques juegan un papel trascendental a la hora de construir el escenario. Kristoffer Joner, la iluminación oscura y el desarrollo lento de la trama vuelven a ser protagonistas. Las actuaciones de los interpretes no serán magníficas (falta cierta química entre los personajes), pero al menos poseen una calidad aceptable.
El modo en que se relata Villmark es entretenido por partes y por otras es flojo, llevando este patrón hasta llegar a un final pobre y sin clímax, que indudablemente pudo haber sido mejor.
Una escena que será reconocida para los fanáticos de la épica serie Twin Peaks, son las persecuciones entre lo frondoso de los árboles, siendo iluminados nada más por el haz luminoso de una lámpara de mano.
Si disfrutan de las películas que se preocupan en armar la ambientación y suspenso, Villmark los mantendrá entretenidos, pero si buscan algo más movido, podrá causarles aburrimiento.

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X-men: First class

2011-06-08T19:56:00.005-05:00

Los filmes basados en comics suelen crear polémica debido a que las opiniones varían entre aquéllos que conocen el canon de las historias y los que no. X-men: First class causó división y escepticismo desde un principio, ya que se estableció que ésta sería una versión distinta sobre cómo la fuerte amistad de dos amigos, Charles Xavier y Magneto, se destruye por diferencia de opiniones y causa la escinción de una raza.
Matthew Vaughn hace un buen trabajo como director, y orquesta al equipo que lo rodea adecuadamente. Las imágenes de Patrick Stewart como Charles Xavier e Ian McKellen como Erik Lensherr aún persisten en las cabezas de muchos al pensar en esos personajes como gente real, y las dudas en torno a los nuevos interpretes no faltaron; pero para sorpresa de muchos, James McAvoy y Michael Fassbender hacen un papel magnífico, reinventando al Profesor X y Magneto. Kevin Bacon tampoco se queda atrás con su actuación como Sebastian Shaw, líder de los aristocráticos Hellfire Club. Lo importante aquí, y que fue lo que los actores explotaron a la perfección para adentrarse en sus papeles, es que la acción es reducida a cambio de ofrecer una historia con más profundidad.
Un aspecto que resalta es la música, las pistas destacan por sí mismas en las escenas donde son escuchadas, exhibiendo una buena coordinación con lo que acontece en pantalla.
Como mencionado anteriormente, muchas cosas no forman parte del cómic, pero son manejadas con propiedad si se toma en cuenta que esto puede ser uno de los tantos universos que Marvel maneja para relatar diferentes versiones de sus héroes. Lo que tal vez no parezca a muchos, es la inclusión de mutantes pocos conocidos (incluso para quienes han leído un par de números de X-Men) como es el caso de Ángel Salvadore, Darwin, Azazel (el padre de Nightcrawler) y Riptide (un villano del grupo Los Marauders).
Si esperan ver una historia fiel a los historietas, se llevarán una gran decepción y despreciarán este filme; pero si están abiertos a ver una buena película con su propia historia, disfrutarán la nueva versión cinematográfica de uno de los comics más antiguos y más vendidos de la Marvel.

Peace was never an option.

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Skjult

2011-05-29T11:55:00.009-05:00

Hecha en el 2009, esta producción noruega es uno de esos filmes que cuentan una grandiosa historia de corte sicológico, aunque el modo en que todo es explicado y desenvuelto no satisface a todos los espectadores; dado lo anterior, a Skjult (en inglés se llama Hidden) le sucede lo que la mayoría hacen al no comprender algo, lo etiquetan como basura.
Kai Koss regresa a la casa donde habitó parte de su infancia debido a que su madre ha fallecido. Una cantidad incontable de recuerdos fluirán por la mente de Kai mientras recorre los pasillos de su niñez, descubriendo que el pasado todavía tiene suficientes armas para perturbar a él y otras personas.
Una buena parte del filme carece de diálogos y se basa puramente en ambientación (el primer factor que puede aburrir a algunos), la información para entender la historia gira en torno a recuerdos y detalles que acontecen en ocasiones muy rápido como para que todos comprendan a qué se hace referencia (el segundo factor), el desarrollo de los personajes es extraño y ciertos motivos podrán no quedar claros ni no se está atento (el tercero). La fotografía es otro punto de debate, ya que está muy bien hecha pero basada mucho en la oscuridad, lo que orilla a ciertas personas a quejarse de que no se ve nada.
Skjult es una película orientada hacia un nicho en particular, pues el complicado pero espectacular estilo con que fue realizada constituirá una delicia para algunos y una frustración para otros. Muy recomendada si gustan de los largometrajes sicológicos que obligan a pensar.

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The outlaw Josey Wales

2011-05-29T11:55:00.007-05:00

Dirigida y protagonizada por Clint Eastwood en 1973, y basada en la novela Gone to Texas, The outlaw Josey Wales se desarrolla durante el final de la guerra civil de Estados Unidos.
Movido por la venganza, un pasivo Josey Wales se une a un banda de sureños para ir detras de un grupo del norte que destruyó su vida; cuando su bando pierde al terminar la contienda, Josey se niega a la rendición y se convierte en un fugitivo que todavía busca retribución, durante su largo trayecto, encontrará todo tipo de aliados que le ayudarán a seguir adelante.
Eastwood muestra desde esta étapa lo sagaz que es para dirigir un trabajo (a pesar de que acá él fue un director sustituto), y por qué es todo un ícono en los largometrajes de vaqueros. A destacar la penúltima escena, un hito dentro del género. Entre las curiosidades que rondan esta película, se encuentra la fama que consiguió el modelo de revólver Colt que Eastwood utilizó.
Con tenues toques de comedia, este filme es considerado otro gran clásico, tiene una historia muy entretenida y plagada de aventura que agradará a los que gusten de los western.

Are you gonna pull those pistols or whistle Dixie?

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Naked weapon

2011-05-29T11:54:00.005-05:00

En el 2002, la protagonista Maggie Q (la actual Nikita) no era tan conocida, y la película, fuera de dedicarse a exhibir mujeres con poca ropa, no pudo contribuir de otro modo a la carrera de la actriz.
Naked weapon (título original es Chek Law dak gung), trata sobre una organización que rapta a niñas sobresalientes en artes marciales para someterlas a un cruel entrenamiento que posteriormente las convertirá en peligrosas asesinas.
La historia comienza bien y las peleas igual. No obstante las confrontaciones van perdiendo su estilo ligeramente realista del principio hasta que al final llegan a un punto burdo y exagerado, donde la edición hace cortes (no hechos al inicio) que estropean lo lineal del enfrentamiento. La narrativa por su parte se va llenando de clichés conforme avanza, pero cuando la historia finalmente apunta a un final casi llamativo, hay un innecesario y forzado giro cuyo único propósito parece ser terminar todo lo más mal y rápido posible.
En resumen, Naked weapon inicia bien, pero algo dentro de la produción debió haber ocasionado que se sumerja en el espiral de perdición que gradualmente la convierte en algo ridículo en vez de al menos volverla un filme "para pasar el rato" del género femme fatale.

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La horde

2011-05-22T20:21:00.002-05:00

Filme francés del 2009 sobre zombis. La historia cuenta cómo una confrontación entre gangsters y policías es interrumpida abruptamente por una epidemia que revive a los muertos, lo que los deja encerrados en el edificio donde se encontraban y los obliga a aliarse con tal de sobrevivir.
El relato es entretenido, lleno de acción y gore, con unas grandes tomas que pretenden darle un toque novedoso a La horde. A pesar de lo anterior, existe un gigante "pero" y es que casi todo lo que se ve ya está más que mostrado en las tantas películas de zombis que han invadido los cines en los recientes años. Un factor poco explotado en las películas de este tipo (Resident Evil lo hace), es la pelea con zombis mano a mano, lo que otorga a este largometraje algo "distinto"; lo importante en estas escenas, es que las coreografías se encuentran bien mostradas y no se recurre a una excesiva cantidad de cortes en la edición.
Si no han visto muchos largometrajes de este género encontrarán a La horde muy entretenida, pero si están versados en estas películas, es muy posible que les parezca una más del montón.

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The last exorcism

2011-05-22T11:29:00.005-05:00

Del 2010 y siguiendo la tradición de filmes de terror del tipo falso documental, The last exorcism trata sobre un pastor escéptico que realiza exorcismos con la creencia de que todo está en la mente de la víctima, hasta que encuentra un caso que lo hará cambiar de opinión.
Múltiples puntos llevaron a este filme a no ser recibido por la gente de manera apropiada. La historia no lleva el cambio de motivo de una manera adecuada, es decir, se la pasa jugando entre si la joven está poseída por un demonio o todo está en su mente, pero de un modo tan tonto que si se observa con detenimiento, luce ridículo. Las escenas de exorcismo están sobreactuadas y la edición de cámaras es completamente inconsistente, ya que cambia inexplicablemente del formato cámara en mano a un estilo convencional. El final parece en un principio que será algo interesante, pero termina con el mismo cliché clásico de Hollywood para estas películas.
Con excepción de unos cuantos planos bien tomados, The last exorcism tiene pocas cosas para destacar y es una película más del montón donde todo se filma todo como si fuera una "experiencia real", formato que a últimas fechas se ha vuelto famoso.

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The cement garden

2011-05-22T11:10:00.003-05:00

Hecha en 1993 y protagonizada por Charlotte Gainsbourg (The Antichrist), The cement garden relata cómo una familia se desmorona poco a poco tras la muerte del padre, cómo los cuatro hijos orientan sus vidas hacia puntos diferentes.
El ritmo es el característico del cine de arte, lento y con acontecimientos "raros", que a pesar de no ser mencionados usualmente, ocurren en la vida real. Un factor que hay que poner en claro, es que esta película no busca crear un clímax para explotar durante los últimos minutos, sino que se dedica a mostrar el espiral por el que los personajes descienden mientras afrontan su dura situación.
Con buena dirección y actuaciones, un escenario desolado y liderado por los tonos grises y carentes de vida, The cement garden es recomendada para quienes gusten del cine de arte europeo.

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A serbian film

2011-05-22T10:57:00.004-05:00

ATENCIÓN: película con temas sumamente fuertes que resultarán ofensivos y/o repugnantes para la mayor parte de la gente. Si van a verla, háganlo con extrema precaución.

Del 2009, A serbian film (Srpski film) relata la historia de un actor porno cuyos mejores años han quedado atrás y que en la actualidad lidia con problemas económicos, hasta que una amiga le ofrece una oportunidad con un nuevo director, que busca crear algo nuevo, "artístico".
La dirección del largometraje es magnífica, así como la banda sonora, que transmite la locura que se vive. Pero quien juega un papel importante es la edición, puesto que se exponen escenas muy fuertes sobre temas considerados tabú en el cine y en la sociedad (snuff, violación a menores de edad y recién nacidos, son solamente un par de las brutalidades aquí expuestas), y acá es donde la edición hace su trabajo para no mostrar el cuadro completo de lo que sucede y "esconder" parte del horror que se presencia, aunque en realidad esta técnica suele ser más impactante, propiciando asco y desprecio con más facilidad.
Este largometraje es difícil de recomendar, ya que a pesar de que la narración y la cinematografía están bien hechas, los elementos que la rodean alejará a muchas personas con un carácter conservador o moralista. Algunos consideran que el director Srdjan Spasojevic rebasó los límites, otros piensan que el riesgo que tomó convierte A serbian film en única; sea como sea, ésta es una película que a pesar de no recurrir al gore exagerado, es probablemente la más perturbadora dentro del nicho de cine comercial.

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La hora fría

2011-05-18T20:51:00.003-05:00

Producción española del 2006, llamada en inglés The dark hour, narra la historia de Jesús, un pequeño de 10 años que vive en mundo post-apocalíptico junto a otro grupo de sobrevivientes; todos habitan un refugio que es asediado por humanos que portan un virus que se contagia por simple contacto, y unos seres extraños y luminosos que buscan devorar a todo el que se cruce en su camino.
La iluminación es tenue durante la mayor parte del metraje lo que contribuye a acentuar las desvencijadas instalaciones donde todo acontece. Las actuaciones y los personajes son aceptables, aunque por desgracia no todos pueden ser desarrollados debidamente (como dato curioso, tienen nombres tomados de los evangelios cristianos). La narrativa va a buen ritmo y a pesar de que los últimos minutos apuntan hacia un desenlace flojo, hay un inesperado giro que cambia la percepción de todo el filme.
La hora fría es la típica película poco conocida de ciencia ficción que prueba por enesima vez que sin abusar de los efectos especiales, se puede crear un trabajo digno del género.

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The warrior's way

2011-05-18T20:43:00.002-05:00

Producción del 2010, The warrior's way es una combinación de western y espadas hecha en Europa (es más "común" ver esto en el cine de oriente). Aquí se narra la historia de un espadachín que decide perdonar la vida de una bebé del bando enemigo y adoptarla, lo que lo convierte en un desterrado; huyendo de quienes intentan asesinarlos, escapa hacia un pueblo al borde del abandono, habitado por miembros de un solitario circo, donde encontrará un tipo de vida que nunca creyó experimentar.
Lo primero que se nota es la variedad de colores en escena y lo cautivador de todos los escenarios generados por computadora. La narración es algo lenta durante la primera mitad, debido a que toda la acción es reservada para los últimos 40 minutos. Algo que muchos disfrutaran, en tanto otros no tanto, es la cantidad exagerada de veces que el tiempo bala es utilizado durante las peleas.
Aunque no es un largometraje excelso, The warrior's way cumple con su trabajo de entretener durante la hora cuarenta que dura. Recomendada para quienes gustan del modelo de películas de aventuras que sigue Disney (sólo que con artes marciales, más violencia y sangre).

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Kyofu

2011-05-14T21:50:00.010-05:00

Escrita y dirigida por Hiroshi Takahashi (guionista de Orochi blood, y creador de la trilogía que lo dio a conocer mundialmente, El aro), y parte del J-Horror Theater Volumen 6, este filme (conocido en inglés como Out of body, y en español como La luz de la muerte) relata la historia de un par de hermanas que debido a una experiencia infantil, mantienen un vínculo muy poderoso y son capaces de visualizar una luz blanca que es una de las claves para percibir otro plano del mundo en que se vive; su madre, obsesionada por penetrar esta dimensión, experimentará con los cerebros humanos (incluyendo una de sus hijas) para satisfacer su enfermizo deseo de descubrir qué hay más allá.

El filme cuenta con una buena dirección, y una inclinación por los matices esmeralda y rojos. La edición hace un poco difícil de seguir a Kyofu. Es verdad, el tema es singular y el modo en que se manipulan los eventos capta la atención inmediatamente, pero cómo se desarrolla la historia puede complicar el entendimiento total de la misma y confundir ampliamente al espectador.
Esta película es de aquéllas donde hay que estar atento a cada diálogo y a cada acontecimiento que transcurra en pantalla; hay ocasiones en que un simple corte de un segundo muestra un dato que más adelante será mencionado de manera implícita, o habrá puntos donde una frase, en apariencia insignificante, jugará un papel importante para definir la narrativa o complicarla más. Aunque no es explicado absolutamente qué sucede, y las pistas proporcionadas tampoco lo complementan en su totalidad, si se otorga la información suficiente para plantear lo que ocurrió.
Quienes disfrutan de los filmes complicados (como los de David Lynch, Darren ronofsky, Kiyoshi Kurosawa, Lars von Trier, Shinya Tsukamoto) y que les gusta seguir pensando en la película una vez que ha terminado, Kyofu es un trabajo de terror que no pueden dejar pasar. Aquéllos que no terminan muy contentos cuando el largometraje llega a su fin y sienten que no lo entendieron, absténganse.

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Memories of Matsuko

2011-05-09T17:06:00.004-05:00

Del director de Confessions, Tetsuya Nakashima, llega Memories of Matsuko (el título original es Kiraware Matsuko no isshô), un filme que cuenta la vida de una mujer recién fallecida. El sobrino de la difunta se encarga de limpiar el descuidado departamento, y conforme más avanza en su tarea, más descubre sobre las diferentes y difíciles etapas que su tía tuvo durante su existencia.
El atractivo del filme radica en la dinámica dirección con que cuenta. La fotografía es un espectáculo que no cesa hasta el fin; la gama de colores es magnífica. La edición no para en instante alguno mientras se mueve inteligentemente entre una escena y otra. Los objetos dentro del encuadre están organizados tan bien que en ocasiones llegan a causar la sensación de "caos ordenado".
Donde algunos se sentirán ajenos es en el modo de contar la pequeña biografía. A diferencia de Confessions donde el semblante es circunspecto casi todo el tiempo, acá hay un toque de comedia mezclado con musical que crea una extraña combinación con ciertos eventos de carácter serio.
Si se adaptan al particular estilo de la narrativa, encontrarán un filme original y difícil de imitar. Recomendada si disfrutan de lo alternativo.

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I spit on your grave

2011-05-09T17:04:00.003-05:00

Filme de culto de 1978 que causó controversia cuando salió, I spit on your grave narra la historia de una escritora que acude a una casa de verano para redactar su primera novela; para su desgracia, un grupo de hombres abusará brutalmente de ella, lo que despertará en su ser un espíritú sediento de venganza.
Los factores que dieron "fama" a este filme se encuentran en el modo sádico con que exhibían los abusos, y un par de escenas que marcaron un hito en el cine B de norteamérica.
La historia no es profunda y el desarrollo de los personajes es prácticamente nulo, reduciendo el filme a una escueta división de violación y venganza. Para rematar las pésimas actuaciones, está la duración de la obra, ya que la hora cuarenta que se pasa demostrando lo mal actuado y pésimo del guión, pudo haber sido simplificado en hora diez para hacerlo " un poco mejor". En el 2010 hubo una nueva versión de esta película, que ha recibido críticas muy similares a su predecesora.
I spit on your grave es un largometraje que infructíferamente pretende dar una moraleja respecto al arcaico concepto de machismo, y que únicamente se dedica a vender sexo y tortura para captar la atención.

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Kirot

2011-05-07T22:29:00.004-05:00

Protagonizada por Olga Kurylenko (Max Payne, Hitman, Quantum of solace) y hecha en el 2009, Kirot relata cómo una prostituta sometida por traficantes es convertida en una asesina a sueldo para ganarse su libertad. Dentro de su nueva profesión, ella encontrará en una vecina de su edificio algo más que una simple amistad, un motivo para seguir adelante.
La dirección del viejo continente está más que marcada desde un inicio en la película y se nota mucha diferencia con el modo de filmación americano. La música no deja mal y ronda como es debido en las escenas que le corresponde.
Es cierto que Kirot combina varios elementos de diversos trabajos (siendo tal vez uno de los más visibles la influencia de Nikita), pero el toque de drama que cubre la mayor parte del metraje, mezclado con las difíciles situaciones que las dos protagonistas femeninas tienen que enfrentar para no caer presas de la desesperación, consiguen entregar un filme aceptable y entretenido que cae en la categoría de femme fatale.

Con una actuación nunca antes vista para Kurylenko, Kirot no es el clásico filme de acción que uno puede esperar, balazos a discreción a cada instante (de hecho estas escenas constituyen apenas el 20% de la película) y explosiones sin parar; este largometraje se enfoca más en los problemas que las mujeres sufren al ser maltratadas, el modo en que se apoyan y las soluciones drásticas a las que tienen que recurrir en ocasiones. Probablemente no sea un extraordinario filme, pero es un hecho que cumple con el propósito de distraer.

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Angst

2011-05-07T21:17:00.005-05:00

De 1983 y hecha en Bélgica, Angst (conocida también como Fear o La angustia del miedo) es un filme basado en hechos reales que relata cómo un asesino recién liberado de la prisión busca desesperadamente cometer homicidio para saciar su deseo de sangre.
La película muestra los acontecimientos en un modo poco convencional: las acciones transcurren mientras la voz del asesino complementa lo que sucede en pantalla, algo así como los comentarios del director que normalmente acompañan a los dvd. Las voces de las personas ocasionalmente invaden la aislada narrativa. Otro factor que le otorga originalidad, es el estilo de dirección con el que este filme cuenta. Muchas tomas son del tipo "ojo de pajaro", es decir, que se filman desde arriba para dar a los actores en pantalla una apreciación débil; también se utiliza lo contrario a esto, tomas que van desde el nivel del suelo, lo cual ayuda a remarcar lo imponente de ciertas acciones. Aquéllos que conozcan las películas de Darren Aronofsky (Pi, Black Swan), sabrán que el director es fanático de las tomas que siguen el rostro de un actor de cerca mientras el fondo se mueve, este estilo está presente aquí y reafirman bastante el dramatismo.
El psicópata o protagonista principal, no es el clásico asesino cliché que todo lo puede, que todo lo sale a la perfección, por el contrario, se muestra a un hombre urgido de satisfacer su necesidad animal y que obra de manera estúpida en ocasiones.

El bajo presupuesto es algo obvio en muchos aspectos, pero incluso así, Angst tuvo los componentes necesarios para ganarse el estatus de culto (y si no lo creen, la escena que aparece en el trailer es quizás la muestra principal de ello, ya que la edición, el gore y el simbolismo que la componen, realizan una secuencia digna de recordar).
La forma en que se cuenta la historia aburrirá a muchos y la sentirán pesada, debido a que se sigue al psicópata en cada uno de sus actos, para retratar completamente el delirio que el hombre sufre. Un filme fuerte y con una banda sonora que ambienta adecuadamente la locura en la que el asesino está sumergido. Recomendada si disfrutan de las películas de culto.

The fear in her eyes and the knife in the chest. That's my last memory of my mother

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I saw the devil

2011-05-07T20:48:00.004-05:00

Filme del 2010, cuyo título original es Akmareul boatda, que trata sobre un agente de la ley cuya esposa es cruelmente asesinada, lo que lo embarca en una solitaria búsqueda para vengarse del asesino. Llevando a cabo el juego del gato y el ratón, el frío hombre sediento de retribución hará de todo con tal de torturar a su desquiciada víctima; sin embargo, aprenderá también que ajustar cuentas tiene su precio.
Esta producción, como muchas otras que han salido de la zona oriental últimamente, ofrece una balanceada combinación de géneros (policiaco, acción, drama, suspenso) y un par de buenos giros en la historia para mantener la atención, como hace también la espectacular Confessions.
I saw the devil llega a un punto donde se torna cansada y repetitiva, pero por fortuna es en este momento donde la historia cambia y vuelve a enganchar para remediar el momento flojo.
La película pasó por varios problemas para ser clasificada adecuadamente, pues tuvo que ser editada para recortar el grado de violencia exhibido (e incluso así hay escenas fuertes).
Con una excelente banda sonora y grandes actuaciones, I saw the devil peca de durar más de lo que debe (dos horas y veinte minutos, que para algunos puede resultar excesivo), pero se le puede perdonar debido a su atractiva dirección, cruda historia y el método con que ésta se desenvuelve. Un filme que no puede pasar desapercibido.

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Into a dream

2011-05-01T21:39:00.003-05:00

Escrita y dirigida por Sion Sonno, Into a dream (el título original es Yume no naka e) narra la historia de un joven con problemas en su vida, que gradualmente se ve succionado por una serie de sueños que irrumpen su realidad y lo confunden.

Es cierto que Sonno es un director de estatus reconocido por lo original y complicado de sus historias, así como sus constantes cambios en la narrativa que tanto enganchan al espectador, pero también hay que reconocer que algunos de sus trabajos simplemente no son tan espectaculares, como éste. La historia de Into a dream suena interesante y surrealista, algo típico del director, pero la ejecución no es algo que la convierta en un trabajo digno de recordar (como Love exposure, Suicide circle o Strange circus). Mientras los minutos transcurren, se acumulan una cantidad de detalles que llevará a muchos a pensar "esto será importante más adelante", ya que estos comentarios relacionan los sueños entre sí, lo que ocasiona que cualquiera espere un clímax impactante que entreteja las tres historias y otorgue un colofón difícil de ignorar. Desgraciadamente esto no ocurre y los minutos continúan, mostrando un insípido relato que no lleva a nada.

La dirección, fotografía y las actuaciones no decepcionan, y son los factores que mantienen la película a flote durante largo rato, antes que se vuelva simple y sin un crescendo que avive los acontecimientos. Recomendada solamente si desean conocer más del trabajo de este director.

Dead waters

2011-05-01T20:54:00.004-05:00

Filme europeo de 1993 que evoca a la perfección el estilo setentero que los italianos plasmaron en las películas de terror. Conocida también como Dark waters (no confundir con la japonesa Dark water, y su respectivo remake protagonizado por Jennifer Connelly) o Temnye vody. Este largometraje es un espectáculo de imagen y sonido que crea una atmósfera grandiosa. La ambientación sustituye al típico susto repentino que espanta al espectador, los colores y las locaciones adornan lo que se presencia en encuadre.
La historia trata sobre una joven que acude a una remota e incomunicada isla para averiguar porque su difunto padre ofrecía patrocinio constante al abandonado y tétrico convento que un grupo de misteriosas monjas habita. Conforme el relato progrese, la mujer descubrirá que los secretos que ahí residen, están relacionados con su vida y con un extraño símbolo. Si bien el ritmo es bueno (y algo raro por partes), habrá quienes encuentren algo genérica la historia y habrá a quienes les parezca algo extraordinario.

El punto fuerte de Dead waters, como fue mencionado con anterioridad, es indudablemente el audiovisual, donde las oscuras escenas relacionadas con sectas y demonios crean lúgubres imágenes en pantalla (que ciertos religiosos considerarán sacrílegas). Recomendada para los amantes del terror ambiental.

TRAILER (no es de muy buena calidad el trailer)

Splatter: Naked blood

2011-04-28T21:18:00.003-05:00

Mezcla de surrealismo, ciencia ficción y gore, Splatter: Naked blood (su nombre original es Nekeddo burâddo: Megyaku) es una historia que relata cómo un joven científico crea una sustancia capaz de inhibir el dolor, para luego sabotear un experimento con tal de probar su fórmula y obtener resultados; su respuesta no será la que esperaba.
La primera parte es tranquila y se dedica a fabricar el fondo de la historia, para que el final se convierta en un festín de sangre que no hesita en exponer la brutalidad de ciertas acciones. Hay un par de escenas en particular que impactaron en su momento y se volvieron famosas entre los seguidores de películas de culto.
A pesar del bajo presupuesto, evidente desde el inicio, Naked blood hace un gran trabajo con los efectos especiales. El guión es bastante aceptable y no aburre en momento alguno; lo único que ciertas personas quizás encuentren fuera de lugar, es el pequeño toque surrealista que gira en torno a uno de los personajes (quienes como es costumbre en los trabajos de este tipo, no son convencionales).
Splatter: Naked blood es un largometraje con tomas fuertes que provacará disgusto en la gente sensible o con estómago débil, pero si pueden aguantar estos pedazos, se encontrarán con una buena película del tipo "científico loco".

TRAILER (Atención, contiene escenas fuertes)

Executive koala

2011-04-26T19:34:00.004-05:00

El nombre y la portada son más que suficientes para describir este filme. Executive koala trata sobre un koala que es un empleado importante en su compañía (sí, por ridículo que se escuche peo así es) que empieza a sufrir de unos extraños ataques cuando lo declaran sospechoso de un asesinato y un policía lo acosa sin parar.
Una combinación bastante inusual de cine B, musical, suspenso y comedia que resulta ser un trabajo curioso y original donde la incoherencia es la reina del baile. Ciertas escenas consiguen un balance tonto y adecuado para el toque que caracteriza el filme, en especial aquéllas que giran en torno a los "asesinatos", lo que consigue una serie de tomas creativas.
La historia es una locura (y más porque no solamente hay un koala andando como si nada entre humanos, pues el líder de la empresa es un conejo, y el dependiente de una tienda de abarrotes, una rana) que de principio a fin, y se mofa de ciertos clichés que no faltan en los largometrajes de asesinos en serie.
Si bien Executive koala es de esos trabajos que son únicos en su género, se recomienda solamente para quienes disfrutan de las películas B y o los filmes bizarros.

¡Yukari, Yukari...!

TRAILER

Noroi

2011-04-18T19:26:00.004-05:00

Del 2005, Noroi (llamada también The curse) es un filme de terror que se desarrolla como un falso documental, pero con un par de elementos propios del largometraje convencional, como la inclusión de música en ciertas escenas. Las tomas no siguen todo el tiempo una cámara en mano, tambien hay segmentos de programas de televisión, que ofrecen un buen trasfondo para el relato.
La historia consiste en la edición del último trabajo de Masafumi Kobayashi, un investigador que sin darse cuenta descubre como varias de las personas que aparecen en sus entrevistas y grabaciones, se encuentran conectadas por una maldición que data de mucho tiempo atrás.
El lento ritmo puede resultar cansino para algunos debido a que buena parte del filme se basa en investigación y cómo todos los personajes, en principio aparentemente inconexos, estan unidos por la serie de extraños acontecimientos. Si pueden pasar de la primera media hora y se sienten atraídos por el tema, descubrirán una de las mejores películas de este género, ya que a diferencia de la mayoría, donde el final es abrupto, aquí si hay un colofón más definido y no tan ambiguo.
Noroi quizás no sea muy conocida, pero los atributos extra que la caracterizan y unas grandiosas secuencias en la última media hora la convierten en una buena recomendación para los amantes del terror.

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Tucker and Dale versus evil

2011-04-18T19:25:00.004-05:00

Películas de jóvenes que van a vacacionar a las afueras de la ciudad y son masacrados por la gente que vive ahí, hay muchas. Tucker and Dale versus evil es una parodia de ese grupo de filmes.
Dale y Tucker son un par de viejos amigos que van a pasar sus vacaciones una casa recién adquirida en las afueras. Un grupo de universitarios acude al mismo sitio, y mal juzgan al par de compañeros, creyendo por su vestimenta que conforman un dúo de sicóticos que se dedican a matar gente. La impresión empeora cuando accidentalmente ellos "raptan" a una de las jóvenes, lo que desencadena malos entendidos.
El humor negro plaga este filme, a tal grado que muchas de las bromas podrán no parecer graciosas a algunas personas, por lo que no deben esperar una parodia al estilo Scary movie. Las actuaciones son bastante aceptables y los efectos igual.
Con toques de cine B, Ésta es una producción que disfrutarán los admiradores del humor negro o del género comedia-terror.

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vanishing on 7th street

2011-04-14T18:57:00.006-05:00

Si algo ha caracterizado a Brad Anderson durante su carrera, es el modo en que desenvuelve sus historias, yendo a un paso muy lento, recolectando información que durante los últimos minutos explota como un gersey. En Vanishing on the 7th street esto no sucede.
La premisa de este filme es interesante y llamativa: una gran sombra engulle a la gente, dejando sólo sus ropas y provocando desolación en el mundo, donde los sobrevivientes luchan por estar en la luz y no sucumbir ante la imparable amenaza.
Por muy bueno que parezca, la ejecución no lo es. El guión no hace gran cosa para mantener enganchado, los personajes no tienen química, el desarrollo es muy simple y el final es pretencioso. Los planos de Anderson son buenos, pero ni su dirección puede salvar a esta película. Las explicaciones de por qué sucede todo están ausentes, y no estaría mal, si la historia hubiera sido manejada de un modo más adecuado.
Si alguien ve este largometraje esperando ver otro trabajo de este director que simule el estilo de Session 9, El maquinista, Transsiberian o Sounds like, se llevará una decepción.

I exist

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The fly

2011-04-13T21:16:00.004-05:00

A pesar de poseer el mismo nombre, este filme es una versión diferente a la estelarizada por Jeff Goldblum en 1986. Esta película, de 1958 y primera de una trilogía, se encuentra protagonizada por el mítico Vincent Price, quien interpreta al hermano de un científico que es cruelmente asesinado por su esposa al ser aplastado por una prensa hidráulica. El comportamiento pasivo de la mujer levantará una cantidad interminable de sospechas acerca de si está loca o no. El motivo del crimen permanecerá oculto hasta que la mujer, al borde de perder los estribos, revele a detalle los últimos días de la vida de su esposo.
Mientras que el filme estelarizado por Goldblum se enfoca más al terror, ésta apunta más a la ciencia ficción. El desarrollo de la historia es bastante bueno y no flaquea en momento alguno, manteniendo el ritmo constante. Muchas de las características que aquí aparecen se convirtieron en un hito con el paso de los años y una fuente de inspiración para otros trabajos (incluso fue parodiada en un segmento de noche de brujas de Los Simpsons).
Con hora y media de duración, este filme que formó parte de la gran oleada de ciencia ficción que invadió los cincuentas, es una obra que no puede pasar desapercibida para quienes gusten de las películas clásicas, o quienes disfruten de un buen trabajo cinematográfico sin importar la época en que fue hecho.

I shall never forget that scream as long as I live...

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Paranormal Activity 2: Tokyo night

2011-04-10T14:07:00.004-05:00

Una joven japonesa sufre un accidente que lesiona sus dos piernas durante su estadía en América, a partir de entonces su vida sufre un cambio importante, ya que un demonio comienza a acosarla hasta astillar su cordura. Su hermano hará todo lo posible para ayudarla a evadir la peligrosa amenaza.
Sí bien este filme (el título original es Paranômaru akutibiti: Dai-2-shô - Tokyo Night) se considera una continuación del primer Paranormal Activity, también contiene una cantidad enorme de semejanzas con éste, por lo que podría considerarse una versión nipona del mismo. A pesar de lo mencionado, hay que reconocer que esta película aporta elementos nuevos que no la convierten en una simple copia hecha a lo tonto. Algunos puntos que aportan diferencias son el estado lisiado de la hermana, el hecho de que la acción transcurre entre dos cuartos ahora, y por supuesto, el final. Otro factor es la imagen que la cámara retrata en ciertas escenas, ya que le da un aspecto muy real. Un detalle que se respeto y se ve muy real, es como el estado de la actriz que sufre los ataques se va deteriorando conforme la cinta avanza.
Es un hecho que este tipo de largometrajes ofrecen controversia entre los amantes del terror, ya que hay quienes los tachan de basura y hay quienes los considera algo diferente; el caso aquí es simple, si disfrutaron de la primera parte y se preguntaron cómo sería desde un punto de vista japonés, ésta es la respuesta que se estaba esperando. Muy recomendada si disfrutan de estas peliculas.

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Hobo with a shotgun

2011-04-10T13:07:00.003-05:00

Al igual que Machete, Hobo with a shotgun formó parte de los trailers falsos que vinieron con el díptico que compusieron Tarantino y Rodríguez: Grindhouse. El personaje de Danny Trejo fue el primero que llamó la atención a gran escala, al grado que terminó filmándose la película; ahora, unos meses más tarde y siguiendo el estilo del cine B, Rutger Hauer protagoniza un largometraje más oscuro y violento que Machete.

El filme trata sobre un vagabundo que llega a una ciudad con la esperanza de comenzar una nueva vida; por desgracia, sus sueños se ven aplastados cuando contempla cómo las calles son engullidas por una interminable oleada de corrupción, drogas, pedofilia, prostitución, asesinatos y abuso de poder. Harto de todo esto, decide tomar justicia por sus propias manos, desafiando a todos.
El gore y las escenas fuertes están por todos lados en este trabajo: partes de cuerpo explotando, escopetazos a quemarropa, torturas, entre muchos otros rasgos de violencia. Con este sello que acompaña a Hobo with a shotgun, queda más que establecido que no es apta para las personas de estómago débil.
El trailer retrata lo que el filme es en realidad, por lo que no deben esperar una moraleja profunda o una trama compleja. Rutger Hauer ofrece una gran personificación como el vagabundo, el resto de los actores hacen su trabajo a la perfección (claro, tomando en cuenta el tipo de película del que se está hablando). Con escenas que tal vez se volverán épicas dentro del cine gore y una banda sonora que encaja adecuadamente Hobo with a shotgun es una buena recomendación para los amantes del cine B (si les gustó Machete, vean primero el trailer dado que si son diferentes las películas).

Maybe... you'll end up like me. A hobo with a shotgun.

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Confessions

2011-03-30T21:10:00.005-06:00

Desde el inicio, este filme del 2010 deja algo bien en claro, no será una película normal y sí contará con una historia bastante atrevida y compleja. Confessions, cuyo título original es Kohuhaku, relata como una maestra, en apariencia sumisa e incapaz de ejercer control sobre su salón de clases, poco a poco capta la atención de sus alumnos para posteriormente revelarles algo que destruirá un par de vidas. Cada segmento del largometraje se concentrará en los personajes envueltos dentro del terrible suceso.
La narrativa es algo lenta, como es costumbre en la mayoría de las producciones japonesas. Este drama lidia bastante con los problemas de los jóvenes, pero no desde el punto de vista clásico que es drogas y sexo, sino sobre el abandono y la desesperación que los adolescentes sufren, así como las acciones que toman con tal de ser reconocidos por algo, para no ser unos desconocidos. El filme tiene un toque oscuro y no hesita al momento de exhibir lo desalmado y manipulador que puede ser el ser humano; la hipocresía es uno de los temas principales en Confessions, a pesar de que casi todo el tiempo está de forma sutil.
Con una banda sonora variada (que incluye a Radiohead) y un excelente guión que es interpretado de maravilla por los actores, Confessions es un filme muy recomendado si disfrutan de los dramas con temas fuertes.

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Sucker punch

2011-03-26T20:20:00.013-06:00

Los trabajos anteriores de Zack Snyder habían consistido en adaptaciones, por lo que Sucker Punch constituye el primer largometraje que este director dirige y escribe desde cero. Como en toda su filmografía lo primero que resalta aquí es el apartado gráfico, manejado de forma excelsa y manteniendo un buen control de tonalidades grises y rojas.

Sucker punch ha sido muy criticada por algunos y calificada como una basura porque la trama es simple, absurda y carece de complejidad. Sería bueno saber qué esperaban esas personas de la película después de ver el trailer, ya que desde un principio este filme pintaba para ser lo que es: una extraña pero bien lograda combinación de drama, surrealismo, tildes de cine B (con mucho presupuesto) y acción que ronda entre lo clásico, Tarantino y el anime japonés.
La historia sigue a Babydoll, una joven que tras una tragedia es recluida en un instuto mental, ahí empezara una pequeña odisea con sus compañeras. El factor clave es cómo se narran los acontecimientos. Babydoll no ve el mundo como es, sino desde un universo que ella crea para percibir todo a su particular modo. Si uno presta atención a los detalles de la historia, podrá darse cuenta que Snyder retrata la cruel realidad mediante el mundo fantástico que la protagonista vive.
Con la particiación de actrices como Emily Browning, Vanessa Hudgens (High school musical) y Jena Malone (Donnie Darko), una campaña publicitaria por internet y una serie de cortometrajes animados que son una precuela que complementa la historia, Sucker punch es uno de esos trabajos donde hay que tener bien en claro el tipo de película que se va a ver, para disfrutarla a plenitud y no salir frustrado y despotricando contra ella.

If you don't stand for something, you'll fall for anything

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SUCKER PUNCH - THE TRENCHES SHORT FILM

SUCKER PUNCH - MEDIEVAL DRAGON

SUCKER PUNCH - DISTANT PLANET

Amer

2011-03-26T20:20:00.005-06:00

Del 2009, Amer es una colaboración francesa y belga con toques surrealistas que retoma varios elementos que caracterizaron al cine de terror italiano de los setentas y sesentas, siendo uno de los ejemplos más conocidos y fáciles de reconocer, el uso de filtros de colores que matizan toda la pantalla, usado por Dario Argento en su multi conocida Suspiria.

Visualmente, Amer es bastante llamativa pues contiene una gran cantidad de close ups, gran manejo de colores, llimitación del campo visual de la toma para crear suspenso y una edición que deja las cosas abiertas.
El talón de Aquilés es la historia, pues no contiene un objetivo concreto, algo al menos que haga decir al espectador "No entiendo varias cosas, pero al menos estoy seguro que va por acá el argumento". La historia esta dividida en 3 partes, enfocándose la primera en al niñez de la protagonista, la segunda en su juventud, y la tercera en su regreso a la vieja casa que habitó de pequeña. El primer segmento es el más interesante de los tres, ya el relato se desenvuelve en forma de terror sicológico, es un poco más "entendible" y los planos son bastante cautivadores.
Con muy pocos diálogos y difícil de entender, pero fotográficamente bien planeada, Amer es un filme recomendado si gustan de los trabajos surrealistas, o si no prestan mucha atención a la historia y se concentran más en el aspecto visual.

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Yojimbo - A fistful of dollars

2011-03-24T20:41:00.006-06:00

¿En que se relaciona el primer espaguetti western de la historia con uno de los filmes más conocidos de Akira Kurosawa? En 1961 Kurosawa escribió y dirigió Yojimbo, la historia de un samurai (interpretado por Toshiro Mifune) que llega a un poblado donde dos bandos luchan por apoderarse del mando del lugar; la diatriba continuará pero con la diferencia de que los grupos bailarán ahora al ritmo del recién llegado, quien los manipulará a su antojo con tal de sacar provecho de la situación y "ayudar" al poblado. Tres años más tarde, en 1964, Sergio Leone se embarcaría en una aventura que daría nacimiento a un nuevo género de películas de vaqueros, y una trilogía protagonizada por Clint Eastwood que marcaría epoca y terminaría con El bueno, el malo y el feo; lo que muchos no supieron en aquel entonces, es que A fistful of dollars era en realidad una versión de Yojimbo ambientada en el viejo oeste, donde el samurai era ahora un vaquero sin rumbo.

A pesar de que A fistful of dollars muestra una similitud increíble con Yojimbo (sucesos e inclusive diálogos), hay que reconocer que Leone dio una muestra de cómo se debe hacer el remake de una película, convirtiendo a su filme en un ejemplo que muchos cineastas actuales deberían seguir. La escenografía, los personajes, el momento en la historia, el hecho de que el modo de vida de los personajes en una película es regido por pistolas y el del otro por espadas, el estilo de fotografía, entre otros, hace que estos dos trabajos posean un estilo propio, a pesar de usar la misma trama.
En la historia de Kurosawa, el espectador se topa con la fotografía en blanco y negro que tanto caracteriza los trabajos antiguos del director, en tanto por el lado de Leone, las tomas giran en torno al aislado desierto, así como unos colores muy llamativos y espectaculares durante las tomas nocturnas; desde aquí se puede apreciar la música del legendario Ennio Morricone.
La premisa de Yojimbo y su "hermanito menor", A fistful of dollars, sería utilizada en el trabajo de Takashi Miike del 2007 que hizo honor a estas dos películas, Sukiyaki Western Django.
Recomendada, independientemente de la que escojan para ver, para los que quieran conocer un poco más de la historia del cine, ya sea del lado de los Western, o del lado de oriente, a cargo de Kurosawa.

TRAILER YOJIMBO

TRAILER A FISTFUL OF DOLLARS

Puraido

2011-03-22T21:29:00.004-06:00

Dos aspirantes a cantantes de opera ven sus vidas entrelazadas una y otra vez; su odio mutuo parece acercarlas en lugar de alejarlas, obligándolas a convivir bajo diferentes circunstancias y lidiar con los problemas que una causa a la otra.
Llamada internacionalmente Pride (Puraido es la pronunciación japonesa), este filme es un drama del 2010 con una buena fotografía, una banda sonora que va desde opera hasta pop, y una historia aceptable que desgraciadamente no posee algo que la haga resaltar entre los demás trabajos nipones, pero que consigue entretener. De resaltar aquí son las actuaciones, en especial de Hikari Mitsushima (Love exposure, Kakera), que nuevamente demuestra sus dotes al cambiar su comportamiento drásticamente, yendo de una mirada inocente a una sicótica en poco tiempo y hacerlo ver creíble.
Puraido es un drama con muchas sub-historias (lo que lo pone encima de las producciones norteamericanas) y complejidad, recomendado si disfrutan de los dramas japoneses o de las películas que giran en torno a situaciones musicales.

The Poughkeepsie tapes

2011-03-21T21:12:00.005-06:00

En la casa de un asesino ubicada en la comunidad de Poughkeepsie, son encontradas cientos de cintas que revelan interminables horas de torturas, asesinatos y mutilaciones. La investigación en torno al psicópata y su ya larga carrera de crímenes apenas comienza, pues este descubrimiento revelará un sinfín de detalles que la policía nunca pensó estuvieran relacionados.

The Poughkeepsie tapes se desarrolla como si se viera un programa de televisión dedicado a exponer un pérfil e historial de un peligroso maniaco, con la diferencia de que no existe censura cuando se muestran en pantalla las terribles acciones perpetradas por el sujeto en cuestión. A pesar de que todo es exhibido sin mesura, muchas acciones no son vistas con total claridad, debido al "realismo" que se trata de imprimir en la película, dado que las cintas muestran deterioro y por consiguiente, una pobre calidad de imagen. Empero, en lugar de arruinar el factor terror, hay escenas donde esta muestra de antiguedad acrecenta lo inhumano de las muertes.
Con una edición bastante buena, actuaciones dejan un poco qué desear y partes muy fuertes para personas sensibles, The Poughkeepsie tapes es un filme poco conocido pero que consigue hacer que uno reconsidere qué tan animal, perturbado y malévolo es el ser humano debajo de la máscara que la sociedad le pone.

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Geisha assassin

2011-03-17T21:07:00.004-06:00

Llamada también Geisha vs ninja, este filme del 2008 es una versión muy simplificada de la trama de Lady snowblood (que muchos identificarían actualmente como Kill Bill), la venganza de una mujer que ha sufrido una grave falta en el pasado. Y es que mucho más sencilla por el simple hecho de que Geisha assassin extirpa casi toda historia o tramas que expliquen profundamente la vida de los personajes y se dedica simplemente a retratar el violento camino de la revancha.
Kotomi, vestida en un inicio como una inocente geisha, persigue a un samurai con el propósito de matarlo, pero no le será tan fácil, dado que su objetivo la obligará a derrotar un puñado de oponentes antes de otorgarle el placer de luchar contra él.
Las coreografías se encuentran bien realizadas, pero éstas llegan a volverse un poco repetitivas, de modo que si el espectador espera algo diferente de espadazos y golpes, aunque sea por cinco minutos, no quedará del todo complacido con este largometraje. Otro punto débil es el final; tanta construcción y tensión para que lo último quede como un "ni modo, no queda de otra", poniendo los minutos de colofón un poco forzados.
Geisha assassin es un trabajo plagado de acción de principio a fin y sin mucha narrativa que muy probablemente hará felices a quienes busquen una película con peleas de espadas a discreción.

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Man bites dog

2011-03-15T22:15:00.006-06:00

Filme francés de 1992 cuyo título original es C'est arrivé près de chez vous. La película gira en torno a Ben, un hombre con modales refinados que bajo su máscara social, esconde un secreto: es un desmedido asesino a sueldo. Un grupo de jóvenes filma sus asesinatos en modo de documental, buscando crear una cinta única; esta ambición los hará conocer el lado oscuro y perverso del ser humano.
Hecha en blanco y negro (lo que da un toque morboso a las escenas de muertes), con un presupuesto bajo y a manera de falso documental, Man bites dog es una historia que contiene humor negro, drama y algo de suspenso. La censura que acompañó a este largometraje se debe a la naturalidad y saña con que son expuestas las muertes (sin recurrir al gore), incluyendo personas de la tercera edad y un niño.
De resaltarse, es que los movimientos frenéticos de la cámara que caracterizan a estas películas, son usados solamente durante unos minutos, el resto del tiempo, la técnica de filmación se mantiene bastante bien, casi como si fuera un trabajo profesional. Otro punto curioso, es que el director del documental que sale en el metraje, es el director real del filme y el creador del concepto, colaborando con el protagonista de la historia y uno más de los personajes.
Man bites dog no será un filme fácil de ver para algunas personas, pero si la soportan, verán una obra que aunque puede tornarse repetitiva por momentos, es diferente a muchas otras producciones existentes.

Usually I start the month with a postman.

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Love fight

2011-03-10T20:49:00.003-06:00

Del 2008, Love fight, cuyo título original es Rabu faito, relata cómo Minoru, un joven que es blanco de burlas desde niño y que siempre ha sido protegido por su mejor amiga Aki, decide emanciparse de su coraza y aprender a defenderse por sí mismo; para su desgracia, su defensora ingresará al mismo gimnasio que él, lo que desatará tensión en su antigua amistad.

El filme es parte de los dramas que manejan los japoneses en su particular modo, un desarrollo pasivo y sin un clímax impactante, varios temas e historias a tratar, y una relación tratada de manera completamente diferente a los clichés de Hollywood. A pesar de que la película va despacio, entretiene lo suficiente, pero contiene un par de detalles que la perjudican: hay momentos que se sienten demasiado largos, lo que lleva a pensar que pudo haber sido editada para que durase media hora menos (tarda poco más de dos horas); uno de los personajes principales pierde relevancia abruptamente y luego intentan cerrar sus apariciones de un modo algo tajante e injusto.
Love fight contiene una buena dirección y fotografía, así como unos toques de comedia que avivan la narrativa. Recomendada si disfrutan de los dramas hecho al estilo de oriente.

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Haze

2011-03-08T21:05:00.005-06:00

Mediometraje experimental del 2005 bajo la batuta de Shinya Tsukamoto, que narra cómo un hombre con amnesia (interpretado por el mismo Tsukamoto) despierta en el interior de un desconocido y oscuro lugar que se encuentra plagado de torturas, sufrimiento y desesperación.
El director es conocido por su toque particular a la hora de plasmar sus escenas en pantalla, y aquí lo hace... pero de un modo más difícil de digerir por todo el mundo. Es de reconocerse que el factor sicológico de claustrofobia y nictofobia rondan libremente durante gran parte del metraje, pero el exceso con que estas tomas engullen lo que está sucediendo, puede resultar demasiado para algunos, obligándolos a tachar este filme de pretencioso e imposible de entender. Y es que en Haze no hay explicación alguna de lo que realmente sucede, hablando en términos generales, y en particulares (esto es, porque hay escenas donde no se sabe a ciencia cierta qué acontece en realidad).
Si bien, la mayoría tal vez terminé de ver Haze y llegue a la conclusión de que "no se puede interpretar", no podrán negar que visualmente este trabajo es una obra de arte que combina el gore, el sonido, las fobias y expresa de un modo distinto el miedo humano (muchas de las tomas se concentran en los ojos y el rostro de terror de Tsukamoto en lugar de mostrar lo que lo atemoriza). Recomendada si desean ver terror con tendencias experimentales.

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Trolljegeren

2011-03-06T21:49:00.004-06:00

Falso documental del 2010, Trolljegeren, o como se le conoce en inglés, Troll hunter, es la historia de un grupo de jóvenes que mientras realizan una investigación, se topan con un misterioso cazador, quien resulta ser empleado de una división secreta del gobierno de Noruega, cuyo propósito es asesinar a los Troll que cruzan los límites establecidos. Poco a poco el grupo se da cuenta de los engaños que la gente cree, ignorando la peligrosa realidad que los atormenta en verdad.
Lo primero que resalta en esta película son los efectos especiales para la creación de las diversas razas de troll. En ningún momento lucen falsos o se nota muy descaradamente que sean generados por computadora, lo que añade mucho realismo a las tomas. Otro punto donde se lucieron los realizadores, es que no escatimaron en poner batallas de un simple hombre contra un ser que puede llegar a sobrepasarlo por decenas de metros, lo que en principio puede resultar "exagerado e imposible" pero que aquí, no luce así.
Las tomas caóticas (mucho movimiento de cámara) que caracterizan a estas películas están presentes como era de esperarse, pero a diferencia de otros trabajos donde usan esta técnica para no mostrar lo que sucede, aquí no se exceden en sacudir la imagen y lo mantienen dentro de un rango aceptable (que incluso contribuye a crear la tensión para ciertas escenas), mostrando a los monstruos frecuentemente.
Trolljegeren es un largometraje noruego que si bien no tuvo el grado de publicidad de Cloverfield, demuestra que no es necesario destruir toda una ciudad y gastar cantidades exorbitantes de dinero para hacer una buena película. A pesar de que la sinopsis pueda sonar un poco tonta, la historia no lo es y se defiende perfectamente. Muy recomendada.

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Once upon a time in the west

2011-03-06T21:18:00.005-06:00

Filme de Sergio Leone que siguió a El bueno, el malo y el feo. Hecho en Italia y Estados Unidos, Once upon a time in the west de 1968, cuyo título original es C'era una volta il West, narra la travesía del vaquero Harmónica (siguiendo la tradición de su anterior película, el protagonista no tiene un nombre específico), que gana su sobrenombre debido a su carta de presentación, una desafiante melodía que toca con una vieja harmónica, y que siempre antecede al peligro. Harmónica llega a un pueblo en busca de un tal Frank, pero se da cuenta que para llegar a él, tendrá que ganarse un par de aliados, como una viuda y un criminal buscado por la justicia.

Desde los primeros minutos, el espectador recibe la nota de que éste será otro largometraje de calidad de Leone; no hay canción que acompañe a los créditos que se despliegan al inicio, solamente un trío de vaqueros que esperan impacientes en una estación a que el tren llegue, a esto se le auna el hipnótico sonido del ambiente, una gotera, una fastidiosa mosca y una serie de tomas que provocan que uno sienta la misma desesperación que los personajes tienen por la llegada del ferrocarril.
La banda sonora corre nuevamente a cargo de Ennio Morricone, quien consigue crear una canción principal tan relevante como la que hiciera en El bueno, el malo y el feo; la combinación que logra con la edición y el estribillo de la harmónica es perfecto para orquestar varias escenas.

Las actuaciones son magníficas, y cuentan con la participación de un ícono del cine de acción: Charles Bronson como Harmónica. A esto se le auna la dirección de Leone, quien constantemente juega con la "simetría" en escena durante más de dos horas y media, creando tomas muy llamativas.
Si disfrutan de los western, Once upon a time in the west es un clásico que no pueden dejar pasar.

I saw three of these dusters a short time ago, they were waiting for a train. Inside the dusters, there were three men.

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